0078. The Beatles - Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band (19679

0078. The Beatles - Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band (1967)

Es considerado la producción de rock más influyente de todos los tiempos por muchos críticos; la revista Rolling Stone lo colocó en el numero 1 de «Los Mejores Discos de todos los tiempos». Marcado por su ambiciosa y compleja experimentación que aunaba elementos típicos de pop con características clásicas y vodevilescas sumergidas en mesmerizantes esencias psicodélicas, este disco ahondó en esa faceta experimental de una manera nunca vista (sólo Brian Wilson y su "Pet Sounds" había cuidado tanto un producto musical) y abrió la senda sónica a todos los demás grupos para la expansión y renovación audaz de las constantes básicas de la música poprock. 

Grabado en una época de psicodelia y experimentación, el álbum, producido por George Martin es un precursor de técnicas de grabación y composición. Fue el primer disco grabado en ocho canales, con dos consolas de cuatro canales, ampliando los límites de lo que hoy es la estereofonía. Fue, además, un éxito de ventas y popularidad. Incorporó técnicas muy novedosas en el mundo de la música.

La idea central del álbum, sugerida por Neil Aspinall consistió en que los Beatles tomasen el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en Sgt. Pepper.

Como últimos datos, aportar que este es el primer disco en la historia de la música en publicar todas las letras impresas y que la extraordinaria portada (con gente como Karl Marx, Fred Astaire, Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, Oscar Wilde Marlene Dietrich o Bob Dylan) fue realizada por Peter Blake.

Listado de temas:
1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
2. With a Little Help from My Friends
3. Lucy in the Sky with Diamonds
4. Getting Better
5. Fixing a Hole
6. She's Leaving Home
7. Being for the Benefit of Mr. Kite!
8. Within You Without You (*)
9. When I'm Sixty-Four
10. Lovely Rita
11. Good Morning Good Morning
12. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)
13. A Day in the Life

0077. Nico - Chelsea Girl (1967)

0077. Nico - Chelsea Girl (1967)

Sello discográfico: Polydor

Producción: Tom Wilson

Dirección artística: No consta

Nacionalidad: Alemania

Duración: 45:36

Después de que Andy Warhol la integrase en la grabación del mítico y primer LP de la Velvet Underground, la rubia modelo alemana Nico voló en solitario y grabó su debut, “Chelsea Girl” (1967) con la ayuda de sus antiguos colegas velvetianos (quienes le compusieron gran parte del disco).

Básicamente son canciones folk abarrocadas con textos poéticoreflexivos, evocaciones memorativas y tono tristón-introspectivo, adornadas bellamente con violines y cuerdas, como la apertura de este fosco álbum, la balada “The fairest of the seasons”, una hermosa melodía compuesta por Jackson Browne y Gregory Copeland y arreglada de manera exquisita de manera orquestal. Sin duda de lo mejor del LP. Browne compone en solitario “These days”, tema folk orquestal con unas pautas (tanto en tono como en concepción de sonido) muy similares al previo. John Cale y Lou Reed son los autores de “Little Sister”, con sonidos bucólicos de flauta, un texto con imaginería natural y un órgano machachón-lisérgico (quizá a alguien la gélida y depresiva vocal de Nico le reviente un tanto, quizá…), y Cale se ocupa de la atmósferica “Winter Song”, con unos urgentes arreglos de cuerda, una nervuda flauta y un perturbador fondo de guitarra acústica para una pieza folk con ecos medievalesteutónicos. “It Was a Pleasure Then”, quizá con toques autobiográficos, aparece Nico acompañado en la escritura a John Cale y Lou Reed en una pieza folk de esencia velvetiana con las clásicas ínfulas avant-gardé, sonidos feedback, guitarras desaliñadas y retumbantes, atmósferas oscuras, viola chirriante y vocalidad invocadora.

El título homónimo (pero en plural), compuesto por Reed y Sterling Morrison (guitarista de la Velvet), nos devuelve el sonido de flauta y la beldad de las cuerdas junto a una encantadora melodía y un largo paseo por las chicas de Chelsea. Bob Dylan le escribió la estimable (pero menor dentro de la escritura dylaniana) “I’ll keep it with mine” antes de retornar a Jackson Browne en “Somethere There’s a Feather”, otra preciosa melodía ornamentada por las cuerdas. “Wrap You Troubles in Dreams” es otro corte de Lou Reed en el cual se manifiesta la posibilidad de deserción de las contrariedades personales, paradójicamente narrada la huida existencial por medio de una melodía triste y penetrante, de nuevo enfatizada por instrumentos de cuerda y viento. El álbum termina con “Eulogy to Lenny Bruce”, maravillosa tonada del nunca bien ponderado Tim Hardin y un punto final que concomita en la tristeza y melancolía que rezuma este trabajo.

Listado de temas:
1.Fairest of the Seasons
2. These Days
3. Little Sister
4. Winter Song
5. It Was a Pleasure Then
6. Chelsea Girls
7. I'll Keep It With Mine
8. Somewhere There's a Feather
9. Wrap Your Troubles in Dreams
10. Eulogy to Lenny Bruce

Medio rey de Joe Abercrombie

Medio rey es una historia que engancha desde las primeras páginas. Es verdad que en su estilo se nota que la novela va dirigida hacia un público juvenil al que intenta atraer hacia el mundo de la lectura con una historia llena de acción y sangre.

Medio rey es un libro realmente recomendable para descansar entre lecturas más densas y para pasar un buen rato.

MEDIO REY

Fecha de lanzamiento — Mayo 7, 2015

Editor — Fantascy Edición —

Rústica con solapas, 384 págs (disponible en digital).

Precio — 18,90 € (en digital 8,99 €)

Traducción — Manu Viciano

Serie — Trilogía del Mar Quebrado 1

«Juré vengarme de los asesinos de mi padre. Seré medio hombre, pero pronuncié un juramento entero.» Yarvi, el hijo menor del rey, nació con una malformación en una mano que ha llevado a todo el mundo, incluso a su propio padre, a considerarlo «medio hombre». Por eso, en lugar de formarse como guerrero, al igual que el resto de varones de su estirpe, se ha dedicado a estudiar para convertirse en uno de los clérigos del reino. Sin embargo, en la víspera de la última prueba para ingresar en esta poderosa orden de sabios, a Yarvi le llega la noticia de que su padre y su hermano han sido asesinados. Él es el nuevo rey.

0076. Astrud Gilberto - Samba Beach (1967)

0076. Astrud Gilberto - Samba Beach (1967)

Astrud Gilberto es sin duda la voz más importante dentro la corriente latina del jazz y la cantante más representativa de la "bossa nova" un estilo surgido en la raíz del pueblo brasileño, y que entronca con lo mejor de la tradición latina del swing.

Comenzó a cantar casi por casualidad en 1963. Joao Gilberto, su esposo en ése momento y de quien tomaría el apellido, Stan Getz y Antonio Carlos Jobim se hallaban en New York registrando para el sello Verve el histórico álbum "Getz/Gilberto", una de las referencias indiscutibles en lo que se dio en llamar "samba jazz". Astrud servía de traductora entre brasileños y americanos cuando el productor

Creed Taylor, creador posteriormente del sello "CT", sugirió que en la versión de "Garota de Ipanema" (La chica de Ipanema, la pieza mas famosa de todos los tiempos de la bossa nova) se incorporase una parte en inglés, y sugirió que Astrud la cantase. Fue su consagración y el inicio de una brillante carrera como cantante, tanto de temas brasileños como de Jazz y temas de películas, iniciada en 1965 con "The Astrud Gilberto Álbum". Grabó con el saxofonista Stan Getz y también con Gil Evans, Stanley Turrentine, Quincy Jones, Walter Wanderley, James Last y con su propio grupo.

Listado de temas:
1. Stay
2. Misty Roses
3. Face I Love
4. Banda (Parade)
5. Oba, Oba
6. Canoeiro
7. I Had the Craziest Dream
8. Bossa Na Praia (Beach Samba)
9. My Foolish Heart
10. Dia das Rosas (I Think of You)
11. You Didn't Have to Be So Nice
12. Não Bate O Coroção
13. Tristeza (Goodbye Sadness) [*]
14. Call Me [*]
15. Here's That Rainy Day [*]
16. Tu Meu Delirio [*]
17. It's a Lovely Day Today [*]

0075. Nina Simone – Wild is the Wind (1966)

0075. Nina Simone – Wild is the Wind (1966)

Nina era un género en sí misma. Se tiró a menudo, con el paracaídas dudoso de canciones muy poco distinguidas, sobre terreno pantanoso... y se la pegaba. Pero una y otra vez conseguía, la muy leona, ponerse de pie. Pero todo eso es posterior a estos años en los que abordaba, concienzuda pero delicada, unos clásicos casi siempre aquilatados a nuestra memoria por versiones que nos gustan mucho por la Simone, pero que gustan aún mucho más si los asumen Sinatra, Billie Holiday y hasta David Bowie ("Wild Is the Wind" ). ¿Una artista menor que su leyenda? Digamos sólo que una artista

mal comprendida primero por los que la rechazaban, por ingobernable y rarefacta, y después por quienes, francamente exagerados, la colocaron a última hora entre los mitos sonoros imprescindibles del siglo pasado. Pero habrá que reconocer que, literalmente, su talento sí era fuera de serie, fuera de norma. Única, sí, divina, menos.

Listado de temas:

1.: I Love Your Lovin' Ways

2.: Four Women

3.: What More Can I Say

4.: Lilac Wine

5.: That's All I Ask

6.: Break Down And Let It All Out

7.: Why Keep On Breaking My Heart

8.: Wild Is The Wind

9.: Black Is The Colour Of My True Love's Hair

10.: If I Should Lose You

11.: Either Way I Lose

0073. John Mayall’s Blues Breakers – With Eric Clapton (1966)

0073. John Mayall’s Blues Breakers – With Eric Clapton (1966)

Los Bluesbreakers de John Mayall, legendario nombre del blues británico, fue uno de los principales criaderos de grandes instrumentistas británicos. Por sus filas pasaron, entre otros muchos, personajes como Eric Clapton, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, Jack Bruce, Peter Green, Mick Fleetwood o Andy Fraser.

John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, localidad de Cheshire. Amante del blues de Chicago Mayall comenzó su trayectoria con su banda, denominada en principio Blues Syndicate, a comienzos de los años 60. Por mediación de otra institución del blues en Gran Bretaña, Alexis Korner, John comenzó a plasmar en vinilo sus primeras grabaciones, como “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaba la que abría el disco, “Crawling up a hill”.

Entre los músicos y junto a John Mayall, encargado de la voz, el órgano, la armónica y el piano, se encontraban Roger Dean a la guitarra, John McVie al bajo y Hughie Flint a la batería.

Su segundo álbum y uno de los mejores de su discografía es “Bluesbreakers with Eric Clapton” (1966), producido por Mike Vernon. No cabe duda que la presencia de Clapton, uno de los grandes héroes de la guitarra en toda la historia del rock que había dejado a los Yardbirds, propulsó el LP a niveles comerciales mucho mayores que los de su primer disco ya que alcanzó el número 6 en las listas de LPs del Reino Unido.

Al lado de Clapton y Mayall estaban de nuevo en esta grabación el bajista John McVie y el batería Hughie Flint. En el disco, junto a sus temas originales, sonaban versiones de Ray Charles, Freddie King o Robert Johnson.

Tras este álbum Eric Clapton dejaría a Mayall para formar Cream. Su reemplazo no sería moco de pavo: Peter Green, quien tocó en su tercer LP, “A hard road” (1967), un gran disco (número 10 en Inglaterra) en el cual la batería fue ocupada por Aynsley Dunbar.

Listado de temas: (En mono y en stereo)

1. All Your Love
2. Hideaway
3. Little Girl
4. Another Man
5. Double Crossing Time
6. What'd I Say
7. Key To Love
8. Parchman Farm
9. Have You Heard
10. Ramblin' On My Mind
11. Steppin Out
12. It Ain't Right

0072. 13th Floor Elevators – Psychedelic Sounds of the13th Floor Elevators (1966)

0072. 13th Floor Elevators – Psychedelic Sounds of the13th Floor Elevators (1966)

13th Floor Elevators fue una banda psicodélica de mediados de los años 60, formada en diciembre de 1965 en Austin, Texas, Estados Unidos. Son reconocidos como la primera banda en emplear el término psicodelia en un álbum. Cuando se acrisolan las vibraciones y ritmos garajeros con el consumo intensivo de ácido, el mundo sonoro de inclinación stoniana, propagado por experiencias lisérgicas, se convierte en un excitante paisaje policromo de instrumentación narcotizada y efusividad vocal: la psicodelia de los 13th Floor Elevators. Uno de los primeros grupos en transferir los efectos de las drogas en sus composiciones musicales fue esta banda de Texas, creada en 1965 en Austin, la capital del estado. A comienzos del año 66 y en un sello local grabaron el sencillo "You're gonna miss me" (cara b "Tried to hide", una canción que había sido compuesta por Erickson en su época con los Spades. La compulsiva vocalidad del cantante y la dinámica percusión obtenida del original sonido del jug de Hall se convertirían en las dos principales características de los temas de la banda, un recorrido por la devoción sensorial del LSD. Después de actuar con bastante seguimiento por el estado de Texas fueron descubiertos por Lelan Rogers (hermano del famoso cantante de country Kenny), quien les consiguió un contrato con el sello International Artists, en donde
reeditaron el single, consiguiendo entrar en listas de ventas en el puesto número 55.

El Lp se tituló "The Psychedelic Sounds of The 13th Floor Elevators”, todo un disco clave en la historia de la psicodelia que contenía sensacionales temas como el citado sencillo, "Reverberation" (su segundo single), la balada "Splash 1", "Roller Coaster" o la soberbia "Fire Engine".

El consumo abusivo de drogas les llevo a ser arrestados y perseguidos en bastantes ocasiones y hartos de tanto acoso se largaron a San Francisco, en donde actuaron en varios clubes con bastante éxito.

Listado de temas: (En rojo no encontradas)
1. You're Gonna Miss Me
2. Roller Coaster
3. Splash 1
4. Reverberation (Doubt)
5. Don't Fall Down
6. Fire Engine
7. Through the Rhythm
8. You Don't Know (How Young You Are
9. Kingdom of Heaven
10. Monkey Island
11. Tried to Hide
12. Everybody Needs Somebody to Love
13. Before You Accuse Me
14. I'm Gonna Love You Too
15. You Really Got Me
16. Roll Over Beethoven"

17. The Word
18. Gloria
19. She Lives (In a Time of Her Own
20. We Sell Soul
21. You're Gonna Miss Me

0071. Simon & Garfunkel – Parsley, Sage, Rosemary & Thyme (1966)

0071. Simon & Garfunkel – Parsley, Sage, Rosemary & Thyme (1966)

Hermoso disco, con apacibles melodías y una bella combinación de voces. Este es un álbum con reminiscencias al folk-pop, con clavicordios  historias de matiz antibélico, exposiciones de angustia existencial,, rítmicas piezas satíricas que se burlan del consumismo desaforado, deliciosos y delicados cánticos de apariencia optimista, recuerdos para la poetisa Emily Dickinson o el tradicional "Noche de Paz" arrullando apuntes sobre la guerra del Vietnam y la protección de los derechos civiles.

El disco, producido por Bruce Johnston, presenta unos fenomenales arreglos vocales de Art Garfunkel, quien junto a Paul Simon, quien regalan joyas, al margen de los grandes clásicos del álbum (entre ellos "Scarborough Fair" o "Homeward Bound", como "The Dangling Conversation" o la maravillosa "Flowers never bend with the rainfall", todo un prodigio de sensibilidad y talento melódico.

Listado de temas:
1. Scarborough fair - canticle
2. Patterns
3. Cloudy
4. Homeward bound
5. The big bright green pleasure machine
6. The 59th street bridge song (feeling groovy)
7. The dangling conversation
8. Flowers never bend with the rainfall
9. A simple desultory philippic
10. For Emily, whenever I may find her
11. A poem on the underground wall
12. 7 o'clock news - Silent night

0070. The Rolling Stones-Aftermath (1966)

0070. The Rolling Stones-Aftermath (1966)

Uno de los mejores y más compactos trabajos de los Rolling Stones. "Aftermath" es además el primer álbum escrito enteramente por el tándem Jagger/Richards (aunque ciertamente lo que hacían era ofrecer la base de los temas y el grupo en conjunto modelaba definitivamente la pieza), lo que denota el gran progreso del dúo en este campo, respaldados por la tremenda efectividad en la sección rítmica del bajista Bill Wyman y del gran batería Charlie Watts y sobre todo por un pletórico Brian Jones que con su innato talento instrumental enriquece y engrandece aún más las composiciones de Mick y Keith.

Jones se luce a lo largo de todo el álbum, ya sea interpretando un dulcimer en la preciosa balada "Lady Jane", unas marimbas en "Under my thumb" y en la formidable "Out of time", un sitar en "Mother's little helper" (espléndido tema que trata de cómo una apenada madre encuentra consuelo en las anfetaminas), una slide guitar en "Doncha bother me" y un fuzz bass en "Flight 505" (con una elegante introducción de piano) y en "Think".

Otros importantes instantes de enorme inspiración son "It's not easy", "I am waiting", "High and dry" (con ascendencias country) o "Take it or leave it" (pieza que pone de manifiesto su vena más pop), cortes maestros para un disco sin fisuras y absolutamente redondo en el que participó el ubicuo Jack Nitzsche.

Listado de temas:
01. Paint It Black
02. Stupid Girl
03. Lady Jane
04. Under My Thumb
05. Doncha Bother Me
06. Think
07. Flight 505
08. High and Dry
09. It's Not Easy
10. I Am Waiting
11. Going Home

Juegos de los 90

Si quieres revivir o conocer cómo se jugaba en el ordenador con Windows 3.1.Necesitas la nueva colección de software del sitio Archive.org, una biblioteca para utilizar dentro del navegador todo tipo de programas de Windows 3.1 y otras versiones de la tercera edición de dicho sistema operativo.

Archive.org trae más de 1.000 de los programas más populares que usaban tanto compañías en áreas especializadas como usuarios del común que querían entretenerse con juegos de ordenador. Calendarios, aplicaciones de reloj, juegos de póquer, calculadoras, tragamonedas, juegos de rol, un Tamagotchi, figuras animadas de escritorio, “apps” informativas y otros desarrollos en 16 bits hacen parte de la colección que apenas necesita de un navegador para trabajar, eso sí, con completa funcionalidad: Basta dar clic en tu título de interés y pulsar en el botón central “Click to begin” para dar inicio a la emulación del sistema que incluye menús interactivos y coloridas interfaces.

Pincha aquí.

0069. Frank Zappa & The Mothers of Invention - Freak Out (1966)

0069. Frank Zappa & The Mothers of Invention - Freak Out (1966)

O lo que es lo mismo, Frank Zappa, el trovador lunático más trastornado del rock, el heredero inevitable del exceso californiano, inspirador, años después, de iluminados psicodélicos (Syd Barrett, Paul Kantner…) 

Disco perfecto para acompañarnos éstas navidades, llenando los ambientes familiares, villancicos para la ocasión (los chillidos de Kim Fowley en “Help, I’m a Rock” son muy propicios), el regalo perfecto para aquellos que aseguran “a mí megusta mucho la música…” Teniendo un amplio abanico entre todo el repertorio de FZ, he elegido éste porque, sencillamente fue el primero, para él y para mi,

el inicio de nuestra estrecha relación, y duradera, y fiel. Posiblemente escuche más “Absolutely Free”, “Hot Rats” o “Apostrophe’” o Incluso “Over-Nite Sensation”, “Roxy & Elsewhere” Y “Sheik Yerbouti” (y hasta puede que sean mejores, en valoraciones a su descomunal obra, no me meto, para éso están los pretenciosos llamados músicos), qué decir de “THE GRAND WAZOO”, en fin, y los que quedan por nombrar.

Inabarcable, increíble, excesivo y cínico, Mr. Zappa y sus madres de la invención (en éste disco Ray Collins, Jim Black, Roy Estrada y Elliott Ingber; cambiarán frecuentemente…) nos llevan por un viaje inolvidable.

Listado de temas

1. Hungry Freaks, Daddy

2. I Ain't Got No Heart

3. Who Are the Brain Police?

4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder

5. Motherly Love

6. How Could I Be Such a Fool

7. Wowie Zowie

8. You Didn't Try to Call Me

9. Any Way the Wind Blows

10. I'm Not Satisfied

11. You're Probably Wondering Why I'm Here

12. Trouble Every Day

13. Help, I'm a Rock

14. It Can't Happen Here

15. Return of the Son of the Monster Magnet

0068. Paul Revere And The Raiders - Midnight Ride (1966)

0068. Paul Revere And The Raiders - Midnight Ride (1966)

Sello discográfico: Columbia

Producción: Terry Melcher

Dirección artística: No consta

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 27:38

The Raiders lo formó Paul Revere en 1958. Uno de los grupos de poprock y garaje americano más importantes de los 60. Fueron los primeros en firmar con Columbia Records, el disco recogío sus primeros éxitos en listas estadounidenses, interpretados de forma vibrante por el grupo liderado por el vocalista Mark Lindsay, el teclista Paul Revere y el productor Terry Melcher (hijo de la famosa Doris Day), co-autor de muchos de sus temas originales y arquitecto principal de su sonido.

Lisdtado de temas

1. Kicks

2. There's Always Tomorrow

3. Little Girl In The 4th Row

4. Ballad Of A Useless Man

5. I'm Not Your Stepping Stone

6. There She Goes

7. All I Really Need Is You 

8. Get It On

9. Louie Go Home

10. Take A Look At Yourself

11. Melody For An Unknown Girl

12. Shake It Up

13. Little Girl In The 4th Row (Italian Version)

14. SS 396

15. Corvair Baby

0067. The Mamas & the Papas - If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966)

0067. The Mamas & the Papas - If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966)

Debut de una de las grandes bandas del sonido de la Costa Oeste estadounidense (aunque ellos se formaron en la otra costa), magníficos en su habilidad vocal, elegantes en la ejecución instrumental y brillantes en la creación gracias al talento compositivo de John Phillips Pop vocal en tiempos de amor libre y flores en el pelo con ensoñadoras combinaciones de voces (a las que a veces se suman Hal Blaine, Joe Osborne y Larry Knetchell) y sublimes melodías ejemplificadas en sus impresionante clásicos "California Dreamin'", "Monday monday" y "Go where you wanna go", todas ellas escritas por John y producidas de forma magistral por Lou Adler.

Junto a ellas, delicias indispensables del grupo menos conocidas pero de igual valía como "Got a feeling", "Straight Shooter", "Hey girl" o "Somebody Groovie", ornamentadas por sus sugestivas armonías. Entre las versiones destacan "I call your name", cantada en plan vodevilesco, muy distinta a la de los Beatles y dulces revisitaciones de temas como "Do you wanna dance" de Bobby Freeman o "Spanish Harlem" de Ben E. King, a los que llevan hacia su terreno de pop refulgente.

Listado de temas:
1. Monday, Monday
2. Straight Shooter
3. Got A Feelin'
4. I Call Your Name
5. Do You Wanna Dance
6. Go Where You Wanna Go
7. California Dreamin'
8. Spanish Harlem
9. Somebody Groovy
10. Hey Girl
11. You Baby
12. The In Crowd

0066. The Kinks - Face To Face (1966)

0066. The Kinks - Face To Face (1966)

Cuasi impoluta grabación del mordaz cronista británico Ray Davies, que sirve para consolidar a su incomparable autor como uno de los más grandes letristas y genios musicales de la historia pop. Entre sus muchas virtudes se encuentra la capacidad de adornar sus perspicaces y corrosivos textos con una hiperpegadiza y exquisita hermano Dave en "Party line", desarrollar una acompasada pieza de aire R&B de nuevo con Dave en la voz solista en "You're looking fine", ofertar lustrosos regalos sónicos engalanados por la siempre agradable presencia de un hapsicordio en "Rosy, won't you please come home", tema dedicado a su hermana, u ofrecer un sincero tributo con "Session Man" al recurrido pianista Nicky Hopkins, presente también los créditos del álbum.

Atmosféricos temas como "Rainy day in June" y "Fancy", canción de notorios efluvios orientales y otra serie de títulos totalmente imprescindibles, empapados del típico sonido y causticidad social de los Kinks, como "Dandy" (versionada con posterioridad por los Herman's Hermits), "House in the country", "Most exclusive residence for sale", "Little miss queen of darkness", el número 1 en listas británicas "Sunny Afternoon" o la nostálgica "I'll remember", hacen de "Face to face" un trabajo clave en la trayectoria y evolución del grupo de los hermanos Davies.

Listado de temas:
1. Party Line
2. Rosie Won't You Please Come Home
3. Dandy
4. Too Much on My Mind
5. Session Man
6. Rainy Day in June
7. House in the Country
8. Holiday in Waikiki
9. Most Exclusive Residence for Sale
10. Fancy
11. Little Miss Queen of Darkness
12. You're Lookin' Fine
13. Sunny Afternoon
14. I'll Remember
15. I'm Not Like Everybody Else
16. Dead End Street
17. Big Black Smoke
18. Mister Pleasant
19. This Is Where I Belong
20. Mr. Reporter
21. Little Women

0065. Monks - Black Monk time (1966)

0065. Monks - Black Monk time (1966)

Año 1965, cinco soldados estadounidenses se cansan de repente de servir a su ejército y deciden permanecer en la entonces República Federal de Alemania, en plena guerra fría y hartados de la vida que estaban llevando. Deciden formar una banda. Tendría un banjo como instrumento. Se raparían sus cabezas al medio, como si de monjes se tratara, porque también estarían así ataviados, con vestimenta clerical y cuerdas franciscanas. Eso sí, la música que destilaría su furia generacional poco tendría que ver con la religión. Más bien todo lo contrario: grabarían uno de los primeros discos de punk, incluso antes de que se tenga alguna noción de dicha palabra.

The Monks son una de esas casualidades del destino, verdaderas anomalías de la cultura rock. ¿Cómo se puede explicar entonces que cinco ex soldados yankees terminen formando uno de los grupos más de avanzada que hayan pisado nuestro planeta y a miles de kilómetros de su propio hogar? Tal vez en esa amalgama de factores esté la respuesta. Lo cierto es que estos hombres que declaraban ser los «Anti Beatles» llevaron velocidad, vértigo, energía y mucho más a la todavía algo alertagada música europea circa 1966.

«Black monk time» no solamente es uno de los grandes discos del garage rock, sino incluso de todos los años 60s. Por su capacidad visionaria, sus ritmos monótonos, hipnóticos, repetitivos, pero también salvajes y dotados de una crudeza totalmente proto punk; por su histrionismo, condición freak y su irreverencia; por no temer a hacer música de avanzada en condiciones desfavorables; por estar «five years ahead of my time», como decían los Third Bardo, en palabras que les corresponderían en realidad a estos monjes. Obviamente, pasaron sin pena ni gloria por aquellos años del rock alemán y anglosajón en general. Pero, de seguro, a aquellos jóvenes que los vieron por televisión en algunas de sus apariciones en el Beat Club algún ruido les hizo en la cabeza el hecho de ver a cinco pseudomonjes generando el mismísimo caos en uno de los típicos

programas televisivos para bandas de rock que había por aquel entonces. Luego llegó algo llamado krautrock y, aunque las diferencias sean notorias, algo de aquel viejo espíritu de The Monks apareció de una forma u otra. También se encargaron de dejar su legado: un puñado de demos, rarezas y materia de collectors, un disco indestructible («Black monk time», 1966), una película en su honor y una vasta influencia que fue recogida por varias generaciones. Casi nada.

Listado de temas
1. Monk Time
2. Shut Up
3. Boys Are Boys and Girls Are Choice
4. Higgle-Dy-Piggle-Dy
5. I Hate You
6. Oh, How to Do Now
7. Complication
8. We Do Wie Du
9. Drunken Maria
10. Love Came Tumblin' Down
11. Blast Off!
12. That's My Girl
13. I Can't Get Over You
14. Cuckoo
15. Love Can Tame the Wild
16. He Went Down to the Sea

0064. Bob Dylan - Blonde On Blonde (1966)

0064. Bob Dylan - Blonde On Blonde (1966)

Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1966. Es considerado el primer álbum doble de la historia del Rock, ya que su duración forzó a editarlo en dos LPs, aunque las reediciones digitales permiten incluir todo el álbum en un único disco compacto. Es notable por introducir la marca dylaniana de blues rock, completamente establecida en su álbum anterior, Highway 61 Revisited, con un sonido más ecléctico e incluso letras más surrealistas. A pesar de su naturaleza inflexible, es considerado uno de los mejores discos de Dylan y uno de los mejores álbumes de la historia del Rock.

Blonde on Blonde supondría el final de una era para Dylan, quien sufriría al poco tiempo un accidente de moto que cambiaría sustancialmente su vida personal y artística.

Grabado en Nashville, Tennessee, el álbum fue producido por Bob Johnston. Alcanzó el puesto #9 en las listas de Billboard y el #3 en el Reino Unido, siendo certificado como doble disco de platino. En las listas de los mejores álbumes de la historia, elaboradas por VH1 y Rolling Stone, figura en el puesto nueve.

Listado de temas
1. Rainy Day Women #12 & 35
2. Pledging My Time
3. Visions of Johanna
4. One of Us Must Know (Sooner or Later)
5. I Want You
6. Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again
7. Leopard-Skin Pill-Box Hat
8. Just Like a Woman
9. Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine
10. Temporary Like Achilles
11. Absolutely Sweet Marie
12. 4th Time Around
13. Obviously 5 Believers
14. Sad Eyed Lady of the Lowlands

0063. The Byrds - Fifth Dimension (1966)

0063. The Byrds - Fifth Dimension (1966)

Tras dos discos donde dejaron escritas las tablas de la ley de como mezclar folk con rock logrando como resultado un nuevo género que es mucho más que la suma de estos dos elementos, llega el disco del cambio. El álbum de mayor carga lisérgica de los Byrds. Gene Clark acababa de abandonar la formación alegando miedo a coger aviones, pero antes de su marcha dejó registrada "Eigh miles high", una de las mejores canciones del grupo y uno de los singles más relevantes de los años 60 y de la historia de la música por ser un claro precursor del movimiento psicodélico.

Buena parte de culpa de esa anticipada sonoridad psicodélica la tenía Roger McGuinn y la innovadora e influyente utilización de su Rickenbacker de 12 cuerdas, palpable en joyas como la citada "Eight miles high", "I see you" (escrita a medias por McGuinn y Crosby) y "What's happening?!?!", la primera composicion en solitario de David Crosby para los Byrds.

El propio McGuinn, responsable en este disco tras la marcha de Gene Clark del peso compositivo, firma otras destacables piezas como la homónima del álbum donde Van Dyke Parks (asimismo colaborador de los Beach Boys) aporta sus teclados, la más comercial y asequible space-country "Mr. Spaceman" y "2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)", un curioso tema final en el que introducen juguetones efectos sonoros.

Para completar el trabajo adaptan con maestría dos canciones de folk tradicional enaltecidas por arreglos de cuerda en las que sacan a relucir su dominio en las armonías vocales, "Wild Mountain Thyme" y la excepcional historia de fidelidad amorosa narrada en "John Riley".

"Fifth Dimension" también contiene la escalofriante "I come and stand at every door", un poema de Nazim Hikmet musicado tiempo atrás por Pete Seeger y que cuenta la triste historia de un niño víctima de la bomba de Hiroshima.

El instrumental "Captain Soul" y la versión de "Hey Joe", popular tema escrito por Billy Roberts, son los puntos débiles de una de las grabaciones más arriesgadas e importantes de los Byrds, que desarrollan psicodelia de alto nivel y atisbos de space-rock en un disco realmente valioso, como casi todo lo realizado por este esencial conjunto californiano.

Listado de temas: 
1. 5D (Fifth Dimension)
2. Wild Mountain Thyme
3. Mr. Spaceman
4. I See You
5. What's Happening?!?!
6. I Come and Stand at Every Door
7. Eight Miles High
8. Hey Joe
9. Captain Soul
10. John Riley
11. 2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)
12. Why? [Single Version]
13. I Know My Rider (I Know You Rider)
14. Psychodrama City
15. Eight Miles High [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take]
16. Why [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take]
17. John Riley [Version 1][Instrumental]

0062 - Fred Neil - Fred Neil (1966)

0062 - Fred Neil - Fred Neil (1966)

Sello discográfico: Capitol

Producción: Nick Venet

Dirección artística: No consta

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 37:56

Pionero de los folkies en Greenwich village en New York, de hecho cuando Dylan llegó, Fred ya se había pateado todos los garitos. Nunca consiguió el reconocimiento que se merecía, de hecho su canción mas conocida llegó a lo mas alto a través de una versión de un tema suyo a cargo de Harry Nilsson (muy buena todo hay que decirlo) el everybody´s talkin´. Había comenzado a finales de los 50, y este sería su segundo y mejor disco. paradigma del sonido songwriter, con una producción made in Nick Venett, preñado de buenísimas canciones: the dolphins (si es de el, no de Tim Buckley), that´s the bag i´m in, o I´ve got a secret. Este disco se volvió a reeditar en 1969 con el nombre de Everybody´s Talkin´ debido al éxito de la canción en la voz de Nilsson, pero tampoco sirvió para relanzar su carrera, lo cual tampoco le importaba mucho a Fred Neil, siempre un poco al margen de la industria. Grabaría un disco más, el arriesgado Sessions, antes de darse el piro para su Florida natal a contemplar a los delfines. Super influyente artista por ejemplo en gente como el propio Tim Buckley.

Listado de temas:
1. The Dolphins
2. I've Got A Secret (Didn't We Shake Sugaree)
3. That's The Bag I'm In
4. Dadi-Da
5. Faretheewell (Fred's Tune)
6. Everybody's Talkin'
7. Everything Happens
8. Sweet Cocaine
9. Green Rocky Road
10. Cynicrustpetefredjohn Raga

0061. The Beach Boys - Pet Sounds (1966)

0061. The Beach Boys - Pet Sounds (1966)

Pet Sounds es el undécimo álbum de estudio del grupo estadounidense de música pop The Beach Boys, que fue compuesto casi en su totalidad por su líder, Brian Wilson, junto al músico y publicista Tony Asher y lanzado el 16 de mayo de 1966. Este destacaba por su carácter introspectivo, volcado por las experiencias personales del mismo Wilson, que difería mucho de sus producciones anteriores que eran muy melódicas y que contaba con armonías vocales, que se convirtió en el sello del grupo. Esto probablemente, por la influencia que el disco Rubber Soul y Revolver de The Beatles causó en Wilson, quien obsesivamente buscaba el sonido perfecto en sus nuevas producciones. El disco de los fab four de Liverpool, era el paso lógico que la música de mediados de los setenta tenía que dar en busca del sonido progresivo. Brian wilson entendió que su próximo disco, debía superar lo hecho por los jovenes Ingleses. Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de The Beatles.

Baladas, folk y coqueteos leves con el rock and roll, todo con armonías vocales, Pet Sounds ha crecido con el tiempo para convertirse para algunos en uno de los álbumes más influyentes. El álbum fue grabado en sonido monoaural, como todos los discos de los Beach Boys, debido a la sordera de un oído de Brian Wilson, resultado de un accidente de infancia. Varias veces se ha intentado reeditar Pet Sounds en estéreo, pero los fans han opuesto resistencia. En ediciones posteriores en disco compacto se incluye una versión de I Know There's An Answer con diferente letra (y bajo el título de Hang On To Your Ego), ensayos y tomas alternas.

Listado de temas:
1. Wouldn't It Be Nice
2. You Still Believe In Me
3. That's Not Me
4. Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)
5. I'm Waiting For The Day
6. Let's Go Away For A While
7. Sloop John B
8. God Only Knows
9. I Know There's An Answer
10. Here Today
11. I Just Wasn't Made For These Times
12. Pet Sounds
13. Caroline No

0060. Beatles - Revolver (1966)

0060. Beatles - Revolver (1966)

Sello discográfico: Parlophone

Producción: George Martin

Dirección artística: Klaus Voorman

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 34:58

Revolver es el séptimo álbum de The Beatles, fue lanzado a la venta el 5 de agosto de 1966. El álbum presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en álbumes posteriores. Éste logró ser número uno en la lista de éxitos de Gran Bretaña y de Estados Unidos.

Revolver fue el disco que marcó la carrera de los fab four como psicodélica. Con grandes contrastes como "Taxman" (rock), "Tomorrow never knows" (psicodélica), "Eleanor Rigby" (con un cuarteto de cuerdas) y "Yellow submarine" (con efectos de sonido de submarino y canción de taberna, propia de las tradiciones germanas, inglesas o irlandesas).

Revolver frecuentemente es citado como uno de los mejores álbumes. En 1997 fue selecionado en el tercer puesto de los mejores álbumes de todos los tiempos en una encuesta de 'Music of the Millennium' dirigida por prestigiosos medios, como son HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En 1998 los lectores de la Q magazine colocaron al álbum en el segundo lugar, mientras que en el año 2001, la cadena de televisión VH1 lo situó en el puesto número uno. Revolver fue también votado como mejor álbum en el Virgin All Time Top 1,000 Albums. Una crítica de PopMatters describió al álbum como "Los miembros individuales de la banda más grande de la historia de la música pop alcanzaron su punto más alto a nivel musical en el tiempo exacto", mientras que la revista Ink Blot dijo que el álbum "Se mantiene en la cumbre de la música pop occidental". El famoso Ozzy Osbourne, en sus entrevistas, siempre dice que Revolver es su álbum británico preferido.

Listado de temas:
1. Taxman,
2. Eleanor Rigby
3. I'm Only Sleeping
4. Love You To,
5. Here, There, and Everywhere
6. Yellow Submarine
7. She Said She Said
8. Good Day Sunshine
9. And Your Bird Can Sing
10. For No One
11. Doctor Robert
12. I Want to Tell You
13. Got to Get You Into My Life
14. Tomorrow Never Knows

0059. The Who - Sings My Generation (1965)

0059. The Who - Sings My Generation (1965)

My Generation es el álbum de debut de la banda británica de rock The Who, grabado y publicado 1965. En Estados Unidos, el álbum fue titulado The Who Sings My Generation, con una portada y una lista de canciones distintas. Fue considerado por muchos críticos como uno de los mejores álbumes de la historia del rock en diversas listas. El álbum fue realizado de forma inmediata tras el éxito de los primeros singles del grupo. Según las notas incluidas en la edición deluxe del álbum, The Who Sings My Generation fue denominado posteriormente por los componentes del grupo como un trabajo rudo que no representaba sus interpretaciones de la época. En 2006, My Generation era incluido en el puesto 49 de la lista de los 100 mejores álbumes británicos, elaborada por NME. La canción que da título al álbum fue inducida en el Grammy Hall of Fame en 1999 y supone una de las canciones más conocidas del grupo, así como un himno de la historia del rock'n'roll. En The Who Sings My Generation los Who fueron pioneros del uso de tanta distorsión en el sonido. Tanto fue así que el sello americano encargado de la distribución exigió otra copia de la cinta porque no sabían que la distorsión se había puesto a propósito. El rythm & blues predomina en la música del disco, que tiene también canciones muy pop. El soul aparece en las versiones I Don't Mind y Please Please Please, que palidecen al compararse a las diez canciones de Pete Townshend. La más clásica, por supuesto, la ya comentada My Generation, auténticamente bestial, con sus solos de bajo tan atípicos en 1965. Pero hay bastante más: La beateliana The Kids Are Alright; canciones pop con fabulosos estribillos como La La La Lies o Out In The Street; las más animadas It's Not True, Instant Party (Circles) y sobre todo A Legal Matter; canciones con el sello propio de los Who como Much Too Much o la misteriosa The Good's Gone; y el extraño instrumental The Ox, con un Keith Moon brutal... y bruto (The Ox era el apodo de John Entwistle). Todas las canciones demuestran la grandeza como compositor de Pete Townshend,

canción por canción este disco es extraordinario; el genio de Pete continuaría con sus posteriores obras.

Listado de temas:
1. "Out in the Street"
2. "I Don't Mind" (Brown)
3. "The Good's Gone"
4. "La-La-La Lies"
5. "Much Too Much"
6. "My Generation"
7. "The Kids Are Alright"
8. "Please, Please, Please" (Brown/Terry)
9. "It's Not True"
10. "The Ox" (Townshend/Moon/Entwistle/Hopkins)
11. "A Legal Matter"
12. "Instant Party"

0058. Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965)

0058. Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965)

Highway 61 Revisited es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965. Supone el primer álbum de Dylan en ser grabado de forma completa con una banda de rock, después de experimentar con nuevos sonidos en Bringing It All Back Home. Es comúnmente denominado como una muestra del periodo de "hombre joven y enfadado" en la carrera de Dylan, al estar conformado en su mayoría por composiciones de naturaleza acusatoria y con sonidos rudos y altos.

Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan comentó al respecto: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía".

Highway 61 Revisited alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas. 4 Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto #4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Listado de temas:
1. Like A Rolling Stone
2. Tombstone Blues
3. It Takes A Lot To laugh, It Takes A Train To Cry
4. From A Buick 6
5. Ballad Of A Thin Man
6. Queen Jane Approximately
7. Highway 61 Revisited
8. Just Like Tom Thumb's
9. Desolation Row

0057. The Byrds - Mr Tambourine Man (1965)

0057. The Byrds - Mr Tambourine Man (1965)

Mr. Tambourine Man. 1965 (Columbia / Sony 1996). El primer LP oficial de Los Byrds, publicado por Columbia durante el verano de 1965 y grabado en abril de aquel mismo año, con Terry Melcher como productor. Un clásico. El sonido que el grupo desarrolló a lo largo de 1964 alcanza aquí su culminación y se convierte en punto de partida para el trabajo posterior de Los Byrds. Las guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas, el folk y la influencia de Los Beatles crearon, en manos de Los Byrds, un sonido radicalmente nuevo que fue muy imitado en 1965 y 1966.

Este primer LP retoma buena parte de las canciones ensayadas en los World Pacific Studios ('Mr. Tambourine Man', 'It's No Use', 'Here Without You', 'You Won't Have To Cry') y añade nuevo material de

Gene Clark ('Feel A Whole Lot Better') y nuevas versiones ('Chimes Of Freedom, 'We'll Meet Again'...) La concepción y el mismo diseño de la portada eran muy avanzados para su época: se utilizó una fotografía de Los Byrds hecha con un objetivo de 'ojo de pez' que alargaba y distorsionaba las figuras de los miembros del grupo.

Como muchos otros aspectos de este LP, éste también fue copiado posteriormente por otras bandas tan prominentes como Beatles y Stones.

Listado de temas:
1. Mr. Tambourine Man
2. I'll Feel A Whole Lot Better
3. Spanish Harlem Incident
4. You Won't Have To Cry
5. Here Without You
6. The Bells Of Rhymney
7. All I Really Want To Do
8. I Knew I'd Want You
9. It's No Use
10. Don't Doubt Yourself, Babe
11. Chimes Of Freedom
12. We'll Meet Again

0056. Bert Jansch – Bert Jansch (1965)

0056. Bert Jansch – Bert Jansch (1965)

Primer disco de uno de los guitarristas más influyentes de toda la historia. Grabado entre finales de 1964 y principios de 1965, aqui ya nos encontramos con algunas de las canciones que mejor representan el estilo de Bert como guitarrista, canciones como strolling down the highway o la preciosa the neddle of death hacen

de este disco que sea indispensable para los amantes del folk o el blues.

Este escocés es un nombre mítico del folk británico que se lo toma con calma pero que de vez en cuando nos sorprende con especiales y agradables discos como este. Es también usual y lógico colocarle a la

altura de Donovan o Nick Drake, pero las merecidas alabanzas también le llegan del rock. Jimmy Page le admira y el bueno de Neil Young afirmó debido a su destreza con la guitarra que era el equivalente con la acústica a Jimi Hendrix. Pero no sólo tiene admiradores coetáneos. También más jóvenes como Hope Sandoval, Bernard Butler (Suede) o Johnny Marr (The Smiths) le rinden pleitesía y han colaborado con él.

Listado de temas:
1. Strolling Down The Highway
2. Smokey River
3. Oh How Your Love Is Strong
4. I Have No Time
5. Finches
6. Rambling's Gonna Be The Death Of Me
7. Veronica
8. Needle Of Death
9. Do You Hear Me Now
10. Alice's Wonderland
11. Running From Home
12. Courting Blues
13. Casbah
14. Dreams Of Love
15. Angie

0057. Beatles - Rubber Soul (1965)

The Beatles

Rubber Soul (1965)

Ficha de Producción

• Grabación: Del 12 de octubre al 15 de noviembre de 1965 en los Estudios EMI (Abbey Road, Londres).
• Producción: George Martin.
• Sello original: Parlophone (Reino Unido).

Contexto

Hacia finales de 1965, The Beatles experimentaban un distanciamiento respecto al fenómeno de la "Beatlemanía". El agotamiento ante el formato de directo tradicional propició un repliegue hacia el espacio del estudio como laboratorio de ideas. Presionados por Parlophone para entregar un larga duración de cara a la campaña navideña, el cuarteto dispuso de apenas un mes para componer y registrar material inédito. Este aislamiento técnico, sumado al impacto del folk-rock norteamericano y al descubrimiento de la marihuana como catalizador lírico, transformó el estatus del grupo: dejaron de ser meros intérpretes de sencillos pop para convertirse en autores de obras conceptuales unificadas.

Análisis de Estilo

Rubber Soul representa la transición formal desde el pop de matriz r&b hacia el rock de vanguardia y la psicodelia temprana. El álbum destaca por un refinamiento armónico que diluye las estructuras convencionales del Merseybeat. El empleo de instrumentación exótica —singularizado por el uso del sitar de George Harrison— alteró de forma irreversible la tímbrica del pop occidental. A nivel técnico, la expansión de las posibilidades de la grabación de cuatro pistas, el relieve melódico del bajo Rickenbacker y el uso de variaciones de velocidad de cinta definieron un nuevo estándar. Líricamente, el costumbrismo juvenil fue sustituido por una poética de la ambigüedad, la introspección existencial y el escepticismo.

Temas Destacados

• "Drive My Car": Corte de apertura influenciado por el soul del sello Stax, definido por una precisa línea de bajo duplicada por la guitarra y un texto irónico que subvierte los roles de género tradicionales.
• "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)": Pieza angular asentada en un compás de 3/4 donde la inclusión del sitar calca la melodía acústica, sirviendo de marco para una narrativa elíptica sobre la infidelidad.
• "Nowhere Man": Primera composición del grupo desvinculada de la temática romántica, centrada en la alienación existencial y realzada por complejas armonías vocales a tres voces.
• "Think for Yourself": Aportación de Harrison caracterizada por su aspereza tonal, donde destaca un bajo fuzz distorsionado que introduce texturas pre-psicodélicas en la base rítmica.
• "The Word": Pieza de transición fundamentada en un patrón armónico de r&b que introduce por primera vez en el catálogo del cuarteto el concepto del amor como una abstracción universal y filosófica.
• "In My Life": Meditación crepuscular sobre la memoria y la pérdida, célebre por su puente instrumental: un solo de piano ejecutado por George Martin y acelerado en cinta para emular el timbre de un clavecín barroco.

Conclusión

Rubber Soul es el acta de nacimiento del álbum de rock moderno como unidad artística indivisible. Su aparición clausuró la era del pop concebido como un producto de consumo rápido, ejerciendo una influencia inmediata en obras como Pet Sounds de The Beach Boys. Al demostrar que la música popular podía asimilar la complejidad de la alta cultura sin perder su arraigo masivo, The Beatles redefinieron los límites estéticos de la música de masas.

Tracklist Estándar

1. Drive My Car
2. Norwegian Wood
3. You Won't See Me
4. Nowhere Man
5. Think for Yourself
6. The Word
7. Michelle
8. What Goes On
9. Girl
10. I'm Looking Through You
11. In My Life
12. Wait
13. If I Needed Someone
14. Run for Your Life

0058. BB King - Live At The Regal (1965)

B.B. King

Live At The Regal (1965)

Grabación: 21 de noviembre de 1964 (Regal Theater, Chicago, IL)
Producción: Johnny Pate
Sello original: ABC-Paramount Records

Contexto Profesional

A mediados de la década de 1960, la industria musical norteamericana atravesaba una profunda reconfiguración. Mientras el circuito del rhythm and blues negro se replegaba ante el empuje global de la Invasión Británica y el advenimiento del soul de vertiente más pop, Riley B. King se encontraba en una encrucijada estrictamente profesional. Consagrado en el circuito Chitlin' Circuit pero ignorado por el gran mercado transatlántico e intergeneracional, King buscaba registrar la infalibilidad de su propuesta escénica. El concierto en el Regal Theater de Chicago no fue concebido como un mero documento de archivo; representó la captura deliberada de un maestro en su cénit técnico, operando en un espacio culturalmente orgánico frente a un público afroamericano devoto, justo antes de que el revisionismo blanco anglosajón lo redescubriera y lo elevara a icono ecuménico.

Análisis de Estilo

Live At The Regal es la quintaesencia del blues urbano moderno o estilo Chicago/Memphis de posguerra, depurado de cualquier rusticidad rural. La instrumentación —que acopla una sección de vientos articulada con precisión jazzística (trompeta y saxos), piano, bajo y batería— opera como un organismo dinámico que entiende el manejo de la tensión y el silencio.

Técnicamente, el álbum destaca por la nítida captura de la interacción acústica: la ingeniería de sonido a cargo de Ron Steele Sr. logra un balance inusual para la época entre la masa coral de la audiencia y los matices del escenario. El núcleo estético reside en el diálogo dialéctico entre la voz de King, caracterizada por un fraseo melismático heredado del gospel, y su guitarra Gibson, "Lucille". King define aquí el vocabulario del lenguaje solista contemporáneo: el uso del vibrato de muñeca y la técnica del string bending operan no como efectismo, sino como extensiones sintácticas de su lírica. Las letras abandonan la resignación metafísica para centrarse en una crónica mundana del desamor, la ironía urbana y las dinámicas de poder en la pareja contemporánea.

Temas Destacados

• 1. Every Day I Have The Blues: Original de Memphis Slim, funciona como el exordio perfecto. Tras la vibrante presentación de los locutores de la radio, la banda entra con una sofisticación formal aplastante. Los arreglos de metal marcan el tempo mientras la guitarra de King introduce el tono general: limpio, punzante y con una elasticidad rítmica que transforma un lamento tradicional en un ejercicio de autoafirmación urbana.
• 2. Sweet Little Angel: Es un compendio absoluto de la técnica interpretativa de King. El tema se construye sobre una cadencia lenta donde los silencios pesan tanto como las notas. Aquí, el diálogo entre los gritos de aprobación del público femenino y las respuestas de "Lucille" adquiere una dimensión casi litúrgica. Su solo intermedio es una lección de economía expresiva y control de la dinámica.
• 3. How Blue Can You Get?: Pieza angular del repertorio donde la ironía lírica se funde con un crescendo instrumental milimétrico. El clímax del tema, sostenido por la voz de King a capella antes de la caída monolítica de la banda, ejemplifica el control absoluto que el artista ejercía sobre la psicología de la audiencia.
• 4. It's My Own Fault: Una deconstrucción del blues de doce compases en clave de confesión nocturna. La instrumentación se repliega a una base rítmica levitante que permite a King explorar registros vocales más graves e íntimos. El trabajo de la guitarra aquí es puramente conversacional, respondiendo a cada verso con sutiles flexiones microtonales.
• 5. You Upset Me Baby: Un corte de ritmo más acelerado y sincopado que remite directamente al jump blues y al primer rhythm and blues de los años cincuenta. Los metales ejecutan riffs cortantes en una estructura de pregunta-respuesta que acentúa el carácter bailable y festivo de la noche, demostrando la versatilidad estilística del ensamble.
• 6. Woke Up This Mornin': Sostenido sobre un pulso rítmico casi emparentado con el mambo-blues primigenio, este corte expone la madurez armónica de la banda. El fraseo de King es ágil, conectando líneas melódicas veloces con la cadencia natural de su voz. El tema ilustra cómo el blues urbano metabolizó influencias diversas sin perder su eje identitario.

Legado e Influencia

Live At The Regal trasciende la categoría de documento en vivo para consolidarse como el tratado definitivo sobre la elocuencia del blues eléctrico. Su valor estético e histórico radica en haber fijado los cánones interpretativos que definirían el desarrollo del rock británico y americano de finales de los sesenta (siendo objeto de estudio explícito por guitarristas de la talla de Eric Clapton, Mick Taylor o Carlos Santana). Su inclusión en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos corrobora una realidad objetiva: este disco capturó la madurez formal de un género en el instante preciso en que el blues dejaba de ser un fenómeno folclórico o sectorial para universalizarse como una de las bellas artes del siglo XX.

Tracklist Oficial (Edición Estándar)

1. Every Day I Have The Blues (3:07)
2. Sweet Little Angel (4:12)
3. It's My Own Fault (3:29)
4. How Blue Can You Get? (3:44)
5. Please Love Me (3:01)
6. You Upset Me Baby (3:00)
7. Worry, Worry (6:24)
8. Woke Up This Mornin' (3:33)
9. You Done Lost Your Good Thing Now (4:33)
10. Help The Poor (2:58)

0060. Sonics – Here Are the Sonics (1965)

The Sonics

Here Are the Sonics (1965)

Ficha de Producción

• Grabación: 1964 en Audio Recording Studios, Seattle, WA.
• Producción: Buck Ormsby y Kent Morrill.
• Sello: Etiquette Records.

Contexto

A mediados de la década de 1960, mientras la Invasión Británica refinaba el pop transatlántico y el contingente de folk-rock de California intelectualizaba la canción de protesta, el noroeste de los Estados Unidos desarrollaba un ecosistema aislado y hostil. The Sonics emergieron de este circuito de bailes de instituto no como continuadores del rhythm and blues clásico, sino como sus profanadores sistemáticos. Su debut discográfico capturó a una banda operando al margen de la industria principal, traduciendo la frustración juvenil mediante una crudeza técnica que desafiaba los estándares de fidelidad de su tiempo.

Análisis de Estilo

El sonido del álbum se fundamenta en la amplificación extrema y la saturación analógica. El guitarrista Larry Parypa modificaba sus amplificadores rasgando los conos de los altavoces con bolígrafos para obtener una distorsión primitiva y abrasiva. La ingeniería de sonido a cargo de Kearney Barton sacrificó la separación de canales en favor de una mezcla monofónica masiva, donde los micrófonos saturaban por la presión sonora de la banda. Sobre este muro de ruido estructural se alza la voz de Gerry Roslie, un contratenor salvaje que abandonaba el fraseo tradicional del blues para adentrarse en el terreno del grito visceral.

Temas Destacados

1. The Witch: Estructurado sobre un riff menor de guitarra y bajo de herencia puramente garajera, destaca por la agresión rítmica y la interpretación vocal de Roslie, quien describe a una femme fatale con connotaciones góticas inéditas.

2. Do You Love Me: Versión del clásico de Motown. The Sonics la despojan de su swing original, acelerando el tempo y transformándola en un ejercicio de garage rock frenético donde el saxofón rinde el pulso melódico.

3. Psycho: Articula la neurosis adolescente a través de una base rítmica machacante y cortes abruptos de batería. Los alaridos descontrolados del vocalista simulan un colapso mental real.

4. Boss Hoss: Un corte dominado por una línea de saxofón abrasiva y una progresión armónica directa, interpretada desde una perspectiva cínica y acelerada.

5. Strychnine: Dedicar un corte a alabar las propiedades de un veneno letal supuso una ruptura absoluta con los códigos morales de la música popular de consumo.

6. Have Love Will Travel: Relectura del tema de Richard Berry. La banda inyecta una urgencia rítmica implacable y un solo de guitarra caracterizado por su absoluta falta de ornamentación.

Conclusión

Here Are the Sonics permanece como el documento fundacional del garage rock y el proto-punk norteamericano. Su valor histórico radica en la comprensión de que el volumen, la distorsión y la imperfección técnica podían ser utilizados como vehículos de expresión artística legítimos. El álbum trazó una línea directa hacia el sonido de bandas posteriores como The Stooges, MC5 y, décadas más tarde, la explosión del grunge.

Tracklist

1. The Witch
2. Do You Love Me
3. Roll Over Beethoven
4. Boss Hoss
5. Dirty Robber
6. Have Love Will Travel
7. Psycho
8. Money (That's What I Want)
9. Walkin' the Dog
10. Night Time Is the Right Time
11. Strychnine
12. Good Golly Miss Molly