11 mayo 2018

Bnei Aruba (Hostages)

Serie israelí que gira en torno al primer ministro israelí y su intento de asesinato.

Yael, es una brillante cirujano de Tel Aviv, la eligen para operar al primer ministro israelí. Pero el día antes de la operación, se produce un evento inesperado: cuatro sujetos enmascarados irrumpen en su casa y secuestran a su familia. Los secuestradores no le dan opción: debe asesinar al Jefe de Estado en la mesa de operaciones si se quiere mantener a su familia con vida. Así comienza una carrera contra el tiempo para salvar a su familia. Esta es la premisa de la primera temporada realizada el año 2013.

La segunda temporada del año 2016 va todavía más allá.

Serie muy recomendable

Ficha en Filmaffinity

27 abril 2018

0117. Aretha Franklin - Lady Soul (1968)

0117. Aretha Franklin - Lady Soul (1968)

Lady Soul, es un álbum editado por Aretha Franklin el 22 de enero de 1968. Producido por Jerry Wexler, uno de los cerebros de la música soul de la época, 'Lady soul' viaja por todos los caminos del género, junto a una vigorosa sección de metal y las aportaciones de guitarristas de excepción como Eric Clapton y Bobby Womack. 

El disco pasaba de la intensidad de 'Money won't change you' -un tema firmado por James Brown- y 'Come back baby' -de Ray Charles-, hasta la espiritualidad de 'People get ready', de Curtis Mayfield, y en cada tema Aretha dejó su sello imborrable. 'Lady Soul' aportó a la historia clásicos como '(You make me feel like) A natural woman', uno de los más recordados de toda la carrera de la cantante, que
firmaron Gerry Goffin, Carole King y el propio Wexler.

Entre sus diez temas, el álbum incluyó dos que la cantante compuso junto a su marido, Ted White, 'Since you've been gone (sweet sweet baby)' y 'Good to me as I am to you'. El disco obtuvo un éxito rotundo y con el tiempo se convirtió en un título habitual de las listas de los mejores discos de la historia, no sólo del soul, sino de la música moderna en general. Aretha pasó de 'Lady' a 'Queen'. Desde entonces no se ha bajado del trono del soul. El álbum consiguió llegar a lo más alto de las listas de ventas americanas.

En 2003 la cadena VH1 nombró a "Lady Soul" en el puesto 41 de los mejores álbumes de la historia. Para la revista Rolling Stone se encontraría en el puesto número 84.

Listado de temas:
1. Chain of Fools
2. Money Won't Change You
3. People Get Ready
4. Niki Hoeky
5. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
6. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)
7. Good to Me as I Am to You
8. Come Back Baby
9. Groovin'
10. Ain't No Way
Lady Soul

20 abril 2018

0116. Laura Nyro – Eli & the Thirteenth Confession (1968)

0116. Laura Nyro – Eli &the Thirteenth Confession (1968)

Laura Nyro es, musical, personal y físicamente, una de las cantautoras más hermosas. En este, su segundo álbum, consigue amalgamar montones de influencias: rock, pop, folk, jazz y mucho gospel. Si bien comenzó escribiendo canciones para otros artistas, en sus discos queda claro que también era una gran intérprete. Pianista, guitarrista, cantante, Laura emociona como nadie y cada uno de sus álbumes es una experiencia única. No hay ni un segundo en Eli and the Thirteenth Confession que no sea una invitación a vivir y llorar de placer. ¿Cómo no enamorarse de Laura después de escucharlo?.

Listado de temas:
01 - Luckie
02 - Lu
03 - Sweet Blindness
04 - Poverty Train
05 - Lonely Women
06 - Eli's Comin'
07 - Timer
08 - Stoned Soul Picnic
09 - Emmie
10 - Woman's Blues
11 - Once It Was Alright Now (Farmer Joe)
12 - December's Boudoir
13 - The Confession


13 abril 2018

0115. Johnny Cash - At Folsom Prison (1968)

0115. Johnny Cash - At Folsom Prison (1968)

At Folsom Prison es un álbum en vivo del cantante country Johnny Cash grabado y lanzado el año 1968 en la prisión estatal de Folsom, California. En el álbum aparecen artistas como June Carter, Carl Perkins y la banda de Cash "the Tennessee Three" en el Cd se incluyen canciones como "Greystone Chapel" que fue escrita por un prisionero de la cárcel llamado Glen Sherley y por lo tanto nunca la había cantado en su vida sino hasta la noche antes de la presentación, esa misma noche antes de conocer de la canción vino el sacerdote de la prisión y le mostró la canción interpretada por el prisionero y rápidamente hizo que la incluyeran en el álbum y la presentación.

Aunque Cash respetaba las plegarias de los prisioneros ellos lo respetaban a él y sus melodías por lo tanto se quedaron en silencio y tuvieron que agregarle gritos y abucheos después de la grabación. El disco lanzado en 1968 corta partes de las canciones y saca otras por motivo de tiempo y espacio pero en la reedición del año 1999 se incluyen más canciones pero sigue sin ser el concierto entero pero pusieron canciones como "I'm Not in Your Town to Stay," "I've Got a Woman," "Long Legged Guitar Picking Man," y una melodía bastante diferente a la canción original de "Greystone Chapel". En el 2003 este álbum de Cash fue uno de los 50 álbumes escogidos por la librería del congreso de Estados Unidos y lo agregaron al registro nacional.En el 2006 salió #3 de los 40 mejores álbumes de country de la historia del canal Country Music Television (CMT).

Listado de temas:
1. Folsom Prison Blues
2. Busted
3. Dark As The Dungeon
4. I Still Miss Someone
5. Cocaine Blues
6. 25 Minutes To Go
7. Orange Blossom Special
8. The Long Black Veil
9. Send A Picture Of Mother
10. The Wall
11. Dirty Old Egg-Suckin' Dog
12. Flushed From The Bathroom Of Your Heart
13. Joe Bean
14. Jackson
15. Give My Love To Rose
16. I Got Stripes
17. The Legend Of John Henry's Hammer
18. Green, Green Grass Of Home
19. Greystone Chapel

03 abril 2018

0114. The Songs Of Leonard Cohen (1968)

0114. The Songs Of Leonard Cohen (1968)

La capacidad literaria del canadiense fue un valor determinante para su posterior obra musical. Ya a los 17 años había formado un trío de tendencia country-western llamado The Buckskin Boys, estilo musical que siempre lo definió a pesar de la posterior utilización de teclados y sintetizadores. Cohen publicó su primer L.P. —Songs of Leonard Cohen—, en 19684, vinilo en donde deleitó con canciones como Suzanne, un poema escrito en tercera persona —recurso muy querido por Cohen— que transcurre en un encuentro durante un viaje por un río; en la canción, una guitarra acústica fluye como el agua y las voces femeninas del coro subliman el encuentro con una mujer, tan bella que hasta el propio Jesucristo se rinde al deseo de viajar con ella. En Sisters of Mercy («Hermanas de la Caridad»), otro de los cortes de este vinilo, despliega una sensualidad turbadora — que remarca el sonido de unas campanillas—, juega con el equívoco entre el amor terrenal y el amor a Dios («Ellas tocaron mis dos ojos y yo toqué el rocío en sus dobladillos…») y trasmite la paz de haber encontrado un lugar en donde soldar los fragmentos del alma rota por la familia y el desamparo, concepto que anticipa la futura creencia zen del canadiense. Con So Long, Marianne («Hasta luego, Marianne», canción que recoge, seguramente, los últimos momentos de su relación con Marianne Jensen, a quien conoció en la isla de Hydra) Cohen relata, esta vez en primera persona, una despedida con la voz crispada, al borde de la extenuación. Este estilo «confesional», intimista, es el signo inconfundible de su obra y uno de los motivos, sin duda, de la fascinación que despierta su voz. En So Long, Marianne la incomprensión y la soledad en el amor**, otro de sus temas recurrentes, volaban subrayadas por una partitura musical algo más elaborada y compleja —en donde podemos escuchar un bello acompañamiento de mandolina— que en las anteriores canciones comentadas.

A pesar de su triste y ensimismada voz y la sencillez extrema de la música de sus primeras canciones, con este disco Cohen dejó muy claro que la música del siglo XX había encontrado a uno de sus mejores creadores. Songs of Leonard Cohen es la piedra angular de una prolífica carrera creativa, en donde la poesía y la música se identifican con una fórmula que conmueve profundamente y que muchos confesaron que no podían resistir sin desequilibrarse. Se llegó a decir, incluso, que de día era imposible escuchar a Cohen...

Listado de temas:
1. Suzanne
2. Master Song
3. Winter Lady
4. Stranger Song
5. Sisters of Mercy
6. So Long, Marianne
7. Hey, That's No Way to Say Goodbye
8. Stories of the Street
9. Teachers
10. One of Us Cannot Be Wrong

27 marzo 2018

0113. The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968)

0113. The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968)

Sello discográfico: Reprise
Producción: Jimi Hendrix
Dirección artística: Ed Thrasher
Nacionalidad: Reino Unido • EE. UU.
Duración: 75:47

Es un álbum doble que suele ser considerado uno de sus mejores álbumes. Se destacan elementos que anticipan el rock progresivo en canciones como "1983... (A Merman I Should Turn to Be)", y la versión de la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower" (que suele ser considerada por muchos como la mejor versión de la misma, incluso por Dylan).

De igual manera que la tecnología de los estudios y los efectos de guitarra habían mejorado y se habían desarrollado en los últimos años de la década de los 60, también lo hicieron los sonidos grabados por The Jimi Hendrix Experience; y el álbum más popular de Jimi, el increíble Electric Ladyland (conocido por su célebre e insólita portada, en la que aparece un grupo de mujeres desnudas), aprovechó plenamente la nueva ciencia del rock. Aunque la interpretación de los músicos y las estructuras de las canciones se volvieron más dispersas, libres de los parámetros de la tradición del soul y del R&B con las que la Experience había perfeccionado su técnica, Hendrix mantuvo un control relativamente firme pese al frenesí de LSD y demás neuróticos que lo rodeaba.

Listado de temas:
01. ...And The Gods Made Love
02. Have You Ever Been (To Electric Ladyland)
03. Crosstown Traffic
04. Voodoo Chile
05. Little Miss Strange
06. Long Hot Summer Night
07. Come On (Let The Good Times Roll)
08. Gypsy Eyes
09. Burning Of The Midnight Lamp
10. Rainy Day, Dream Away
11. 1983... (A Merman I Should Turn To Be)
12. Moon, Turn The Tides... Gently Gently Away
13. Still Raining, Still Dreaming
14. House Burning Down
15. All Along The Watchtower
16. Voodoo Child (Slight Return)

20 marzo 2018

0112. Os Mutantes - Os Mutantes (1968)

0112. Os Mutantes - Os Mutantes (1968)

Formados en 1966, Os Mutantes fueron responsables de renovar el sonido brasileño del momento por su combinación de la psicodelia y el rock, junto a la música popular. Sus primeros discos "Os Mutantes" y "Mutantes" hicieron del trío formado por los hermanos Arnaldo y Sérgio, junto a Rita Lee una de la bandas más dinámicas y radical de la época. Han contado en muchas ocasiones con colaboraciones como las de Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé o Gal Costa.

Para el resto del mundo, Brasil equivale a fútbol, cuerpos hermosos y bossa nova. La expresión "dictadura militar represiva" aparece en pocas guías. La llegada de los hippies en el verano de 1967 situó la contracultura en el foco de atención con efectos devastadores.

Tomaron lo que habían oído procedente de Londres y San Francisco y lo desarrollaron. La derecha detestaba su pelo, su moral y las drogas; la izquierda despreciaba su corrupción de la música brasileña pura.

Listado de temas:
1. Panis et Circenses
2. Minha Menina
3. O Relógio
4. Adeus Maria Fulo
5. Baby
6. Senhor F
7. Bat Macumba
8. Premier Bonheur du Jour
9. Trem Fantasma
10. Tempo No Tempo
11. Ave Genghis Khan

13 marzo 2018

Apple Tree Yard

Serie entretenida que es adaptación de la novela del mismo nombre. Se ve rápidamente ya que son solamente cuatro capítulos. 

Yvonne Carmichael (Emily Watson) es una mujer que inicia una aventura con un enigmático hombre (Ben Chaplin) saliendo así de la monotonía de su matrimonio pero ya desde el comienzo mismo vemos que el desenlace no será bueno.



13 febrero 2018

La extraña pareja (The Odd Couple)

La extraña pareja es una comedia que no hace reír, podemos decir que se salva la primera temporada para después iniciar una cuesta abajo hasta el final. Mejor no perder el tiempo en verla.

Dos amigos intentan compartir un apartamento, pero sus ideas sobre le orden y la limpieza y, sobre todo, sus estilos de vida, son tan diferentes como la noche y el día. Felix Ungar y Oscar Madison eran dos amigos malavenidos y de caracteres diametralmente opuestos que el destino ha vuelto a reunir después de muchos años para descubrir que, a pesar del tiempo, no se llevan mucho mejor. (Filmaffinty)

11 enero 2018

Mi música del 2017

Aquí os dejo una selección de lo que he escuchado durante el año. Espero que os guste

10 diciembre 2017

0014. Ravi Shankar – Sounds of India (1968)

Grabación y publicación:

Publicado originalmente en 1958 por World Pacific Records y reeditado por Columbia Masterworks en 1967, The Sounds of India es más que un disco de música tradicional: es una puerta de entrada cuidadosamente presentada a la música clásica del norte de la India (hindustani) para el público occidental. En él, Ravi Shankar, ya consolidado en la India como virtuoso del sitar, asume un doble papel: intérprete y pedagogo.

Grabado en Nueva York con el tabla de Chatur Lal y la tambura de N.C. Mullick, el disco presenta una estructura didáctica: antes de cada raga, Shankar explica verbalmente lo que se va a escuchar, el modo, la atmósfera, las intenciones. Un gesto inusual, pero crucial para la época.


Contexto:

A finales de los años 50, la música clásica india era todavía una gran desconocida en Estados Unidos y Europa. Ravi Shankar, además de ser un virtuoso consumado, entendía la importancia del puente cultural. The Sounds of India no fue simplemente una grabación artística, sino un acto diplomático, espiritual y pedagógico.

En los años siguientes, su influencia crecería enormemente: primero entre los círculos jazzísticos (Coltrane lo veneraba), y luego entre los músicos pop y psicodélicos de los 60, con George Harrison como discípulo destacado. Pero aquí, todavía lejos de Woodstock y del hippismo, Shankar se presenta con sobriedad, respeto y profunda conexión con su tradición.


Análisis musical:

La música india no se articula en “canciones” sino en ragas, cada una con su propio carácter, su escala, su temporalidad emocional. A diferencia del jazz o el pop occidental, la raga no se desarrolla por secciones fijas, sino que evoluciona libremente desde una introducción melódica (alap) hasta fases más rítmicas y virtuosas (jor, jhala, gat).

  1. Introduction to Indian Music
    Una lección breve pero fascinante. Shankar explica el sistema melódico indio (raga) y el sistema rítmico (tala), usando ejemplos directos y accesibles. Es un mapa de ruta para oídos no iniciados.

  2. Raga Malkauns
    Una de las ragas nocturnas más profundas. Grave, misteriosa, casi hipnótica. El alap se mueve lentamente, como si cada nota tuviera un peso cósmico. Cuando entra el tabla, la música florece hacia una danza contenida, de lenta combustión.

  3. Raga Sindhi Bhairavi
    Más melódica y lírica. Aquí se aprecia el virtuosismo más brillante de Shankar, especialmente en las fases rítmicas finales, donde el sitar y el tabla se entrelazan con precisión matemática y poesía libre.

  4. Dadra
    Basado en un tala de seis tiempos, esta pieza es más ligera, casi juguetona. Muestra cómo, incluso dentro de la rigidez métrica, la improvisación melódica puede ser una forma de libertad emocional.


Conclusión:

The Sounds of India no es sólo un disco: es una clase magistral, una experiencia meditativa y un manifiesto cultural. En tiempos donde los vinilos de jazz o pop dominaban el mercado, este álbum ofrecía algo radicalmente distinto: una música que no busca conquistar, sino invitar al recogimiento.

El enfoque de Shankar es paciente, generoso, profundamente espiritual. Escuchar este álbum con atención es también un ejercicio de humildad auditiva: nos obliga a desacelerar, a aceptar el tiempo como otra dimensión, a entrar en contacto con un sistema musical que ve en cada nota un universo.


Listado de piezas (versión original):

  1. Introduction to Indian Music

  2. Raga Malkauns

  3. Raga Sindhi Bhairavi

  4. Dadra



01 diciembre 2017

0110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968)

0110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968)

Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílico de naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en su labor melódica como en su aspecto lírico.

Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban a ambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su itinerario sardónico sobre sus congéneres y contexto social con esta maravilla
bucólica denominada "The Village Green Preservation Society", un evocativo y pastoril LP de pop y rock con trazos cabareteros e incluso blues ("Last Of The Stream Powered Trains".

Es una crónica nostálgica sobre las costumbres y tradiciones británicas, una memoria de los paisajes, personajes y valores de un pequeño pueblo verdoso que componen el mejor y más subestimado disco de los Kinks.

Listado de temas:
1. The Village Green Preservation Society
2. Do You Remember Walter
3. Picture Book
4. Johnny Thunder
5. Last Of The Steam-Powered Trains
6. Big Sky
7. Sitting By The Riverside
8. Animal Farm
9. Village Green
10. Starstuck
11. Phenomenal Cat
12. All OF My Friends Were There
13. Wicked Annabbella
14. Monica
15. People Taake Pictures Of Each Other
16. The Village Green Preservation Society (Stereo Mix)
17. Do You Remember Walter (Stereo Mix)
18. Johnny Thunder (Stereo Mix)
19. Monica (Stereo Mix)
20. Days (Stereo Mix)
21. Village Green (Stereo Mix)
22. Mr. Songbird (Stereo Mix)
23. Wicked Annabbella (Stereo Mix)
24. Starstuck (Stereo Mix)
25. Phenomenal Cat (Stereo Mix)
26. People Take Pictures Of Each Other (Stereo Mix)
27. Days (Stereo Mix)

14 noviembre 2017

0109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968)

0109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968)

Sello discográfico: Elektra
Producción: Joe Boyd
Dirección artística: Osiris (Visions)
Nacionalidad: Reino Unido
Duración: 48:51

Desde 1966, el dúo conformado por Robim Williamson y Mike Heron se prodigaron en explorar en las tradiciones vernáculas y añosas de la campiña bretona, oculta en las inmemoriales leyendas de toda una pléyade de seres fantásticos e imposibles personajes; el tándem reinterpretó desde un prisma vanguardista y lisérgico toda la oralidad vertida en las músicas pastoriles originarias inglesas. Antes
de la publicación del monumento folk que amerita estas líneas, ya habían sacudido las bateas con 5.000 Spirits or the Layers of the Onions en el '67. Para el año siguiente, la propuesta serpenteante,
quebradiza y absolutamente personal de los ISB estaba ya madura en su esperpéntica belleza.

Estructuras complejas, instrumentos recónditos y desconocidos, dulces voces bucólicas infectadas de la revolución de entonces: experimentando con lo arcaico, podría ser un epígrafe de este álbum que, mayor sorpresa, alcanzó el puesto cinco en ventas en el Reino Unido, una fortuna que ya se hubiesen querido los Velvet Underground, Silver Apples y tanto obseso que anduvo suelto por entonces. "Waltz of New Moon", "The Witches Hat", "A Very Cellular Song", "There is a Green Crown", "The Minotaur's Song", son parte de un viaje condimentado con sítares, dulcímeres, flautas de agua, y
una serie interminable de vetustos y nobles instrumentos acústicos usados por incontables generaciones de labriegos, pastores y juglares de la vieja Bretaña. Un generoso deleite y una apertura
hacia el frondoso follaje de los secretos celtas.

Listado de temas:
1. Koeeoaddi There
2. Minotaur's Song
3. Witches Hat
4. Very Cellular Song
5. Mercy I Cry City
6. Waltz of the New Moon
7. Water Song
8. Three Is a Green Crown
9. Swift as the Wind
10. Nightfall

24 octubre 2017

0108. Traffic - Traffic (1968)

0108. Traffic - Traffic (1968)

El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.

Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears. 

Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse
durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.

Listado de temas
01 - You Can All Join In
02 - Pearly Queen
03 - Don't Be Sad
04 - Who Knows What Tomorrow May Bring
05 - Feelin' Alright?
06 - Vagabond Virgin
07 - Forty Thousand Headmen
08 - Cryin' to Be Heard
09 - No Time to Live
10 - Means to an End

Os dejo la versión remasterizada con más temas.

17 octubre 2017

Cadetes

Nos narra la historia de un grupo de jóvenes soviéticos que se alistan en el Ejército Rojo con la ilusión de acabar con la amenaza alemana y de convertirse en héroes nacionales.

La historia arranca noventa días antes de la batalla de Stalingrado, donde los personajes van a enfrentarse con la realidad. Una voz en off nos guía a lo largo de los 10 capítulos.

Interesante para conocer la sociedad soviética en los años de la segunda guerra mundial.

Ficha en Filmaffinity.


09 octubre 2017

Aquarius

Cuando Aquarius da comienzo nos avisa: Inspired in part by historical events, this program contains fictitious characters, places and circumstances.

Aquarius se centra en el que fue uno de los más asesinos más mediáticos de  los estados Unidos, Charles Manson. Sin embargo la serie no consigue convencernos, solamente el personaje de David Duchovny da la talla, el resto son muy poco creíbles. Lo que más me ha gustado es la ambientación y el reflejo de la sociedad norteamericana de los años 60.

Además la serie fue cancelada al final de la segunda temporada y aunque puede darse por concluida a mi entender deja interrogantes abiertos. 

Ficha en Filmaffinity.

01 septiembre 2017

0107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968)

0107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968) 

Sello discográfico: Decca
Producción: Jimmy Miller
Dirección artística: Tom Wilkes
Nacionalidad: Reino Unido
Duración: 39:43

Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum "Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar de tratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, el siguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico, esencial y brillante regreso a sus orígenes musicales con este banquete de mendigos en el cual despliegan un menú que se aleja de experimentaciones psicodélicas y recuperan el sabor más afín a la banda en su registro de una sobresaliente colección de temas de consistencia rockera, sonidos acústicos y alma de blues, contenidas en un disco con retrete de mala muerte (aunque por lo menos tiene rollo de papel higiénico) en donde se manifiesta en una pintada que el sueño de Dylan es tirar de la cisterna.  

Una de sus mejores y más populares canciones, la satánica "Sympathy for the devil", que amalgama diferentes y atractivos ángulos sónicos (incluida la samba), es el espectacular punto de arranque a una prodigiosa sucesión de impetuosas, acérbicas, turbulentas e insurrectas piezas maestras. En "No expectations" muestran un talante desesperanzador con el malogrado Brian Jones ejecutando una hechizante slide guitar, al igual que hace en la fantástica y subestimada "Jig-Saw Puzzle". Aportan su punto de vista sobre la efervescencia de la época y la consecuente violencia libertaria en la punzante "Street fighting man", su particular sentido del humor aflora en "Dear doctor", uno de sus primeros coqueteos con el country-rock. En "Stray cat blues" hablan de la relación con una quinceañera de ávidos deseos sexuales. "Parachute woman" evidencia su natural y constante apego al blues con un retorno a la materia carnal y el broche de oro a tan magistral demostración de talento musical lo pone el rock con espíritu gospel "Salt of the earth", pieza de anhelante comentario social que junto a "Sympathy for the devil" resulta el tema más logrado de "Beggars Banquet", una obra magna producida por el indispensable Jimmy Miller, que debuta aquí con los Stones y que proseguiría sus andanzas con el quinteto grabando sus Lps más contundentes.  

Listado de temas:
1. Sympathy for the Devil
2. No Expectations
3. Dear Doctor
4. Parachute Woman
5. Jigsaw Puzzle
6. Street Fighting Man
7. Prodigal Son
8. Stray Cat Blues
9. Factory Girl
10. Salt of the Earth

01 agosto 2017

Trilogía del Mar Quebrado de Joe Abercrombie

Hace poco he terminado la Trilogía del Mar Quebrado, que me ha gustado mucho.
La Trilogía nos introduce en un mundo fantástico anteriormente habitado por los Elfos, desaparecidos tras la Ruptura de la Diosa. La trilogía esta formada por los libros Medio Rey, Medio Mundo y Media Guerra.

Sinopsis

Medio Rey
Yarvi, el hijo menor del rey, nació con una malformación en una mano. Por eso, en lugar de formarse como guerrero se ha dedicado a estudiar para convertirse en uno de los clérigos del reino. Sin embargo, la noche antes de la prueba para entrar en esta orden de sabios, a Yarvi le llega la noticia de que su padre y su hermano han sido asesinados. Él es el nuevo rey.
Pero tras una terrible traición a manos de sus seres queridos, Yarvi se encontrará solo en un mundo implacable, regido por la fuerza física y personajes fríos, y junto a un grupo de almas perdidas como él mismo descubrirá que estos compañeros quizás puedan ayudarle a convertirse en el hombre que quiere ser y, en conseguir venganza.
«Juré vengarme de los asesinos de mi padre. Seré medio hombre, pero pronuncié un juramento entero.»

Medio Mundo
Espina Bathu es una de las pocas chicas de Gettlandia que ha recibido el don de la Madre Guerra. Desesperada por vengar la muerte de su padre, vive para la lucha. Pero su propio instructor la tacha de asesina y se convierte en una proscrita.

La joven se embarca en la nave del padre Yarvi, un clérigo tremendamente astuto. Junto con el resto de la tripulación, entre los que se encuentra Brand, un guerrero que odia matar, Espina surcará medio mundo en busca de aliados para luchar contra el despiadado Alto Rey, y aprenderá lecciones muy duras a base de engaños y sangre.
«El momento en el que pares, será el momento en el que mueras.»


Media Guerra
La princesa Skara ha sido testigo de cómo todo lo que amaba se convertía en sangre y cenizas. Deberá vencer la aflicción y el terror, afilar la mente y luchar por Throvenlandia como reina. El padre Yarvi ha recorrido un largo camino y ha conseguido que sus antiguos enemigos se vuelvan sus aliados y ha logrado la paz, aunque inestable.

Pero ahora la abuela Wexen ha levantado el mayor ejército que se ha visto desde que los elfos se enfrentaron a Dios y todos se preparan para la batalla que se está gestando; entre ellos Raith, el portador de la espada de Grom-gil-Gorm. Algunos han nacido para luchar, quizá para morir. Otros prefieren vivir en la luz. Pero cuando la Madre Guerra extiende sus alas, amenaza con sumir todo el mar Quebrado en la oscuridad más profunda.
«Solo pueden conquistarse los miedos afrontándolos. Si los rehúyes, te conquistan ellos a ti.»

Mi opinión:
Me han gustado los tres libros, cada capítulo de estos libros te deja con ganas de saber que va a pasar en el siguiente. Los personajes son variados, con personalidades, cualidades y defectos muy distintos.
Se trata una trilogía que puedo recomendar a cualquiera al que le guste la fantasía.

10 julio 2017

1057. Skepta - Konnichiwa (2016)

Grabación y producción:

Grabado entre 2013 y 2016, Konnichiwa fue publicado el 6 de mayo de 2016 de forma independiente a través del sello de Skepta, Boy Better Know, luego de rechazar ofertas de grandes discográficas. Skepta produjo la mayoría de las canciones del álbum, y participó activamente en todos los aspectos creativos.

Concepto:
Konnichiwa es una proclama de independencia. No solo marca el regreso del grime británico a la conversación global, sino que reivindica la identidad londinense, la resistencia a las imposiciones del mainstream y el poder de lo local. Su título —una palabra japonesa que significa "hola"— es irónico y simbólico: Skepta se presenta de nuevo al mundo, pero con sus propias reglas.

Es un disco que oscila entre lo callejero y lo espiritual, entre la agresión y la reflexión. Y lo hace sin renunciar al sonido crudo, minimalista y áspero que define al grime desde sus inicios. Cada beat, cada línea, cada sample parece hecho con intención: Konnichiwa no quiere sonar bonito, quiere sonar real.


Análisis de temas destacados:

  1. Konnichiwa
    El álbum se abre con una declaración de principios: "This ain't a culture, this is my religion". Skepta rima sobre una base seca, dura, casi marcial. Introduce la atmósfera del disco: orgullo, desconfianza, verdad sin adornos.

  2. Shutdown
    Uno de los temas más icónicos. Un himno de autoafirmación contra el establishment británico. Skepta denuncia el racismo mediático y cultural mientras eleva su propio arte. El sample de una voz británica blanca diciendo “man’s not making tunes like that anymore” resume el choque cultural que el grime representa.

  3. That's Not Me (feat. Jme)
    Minimalista hasta el hueso. Una batería cruda, sin bajo, y rimas que rechazan el materialismo y las falsas apariencias. Jme aporta un verso ágil, manteniendo la química entre hermanos. Un retorno a las raíces, literal y simbólicamente.

  4. Crime Riddim
    Aquí Skepta baja la guardia y deja salir una furia más emocional. Reflexiona sobre la violencia, la presión policial y la desconfianza estructural en la sociedad británica. El ritmo es inquietante, casi claustrofóbico.

  5. It Ain’t Safe (feat. A$AP Bari)
    Beat oscuro, callejero, con un loop adictivo y agresivo. La colaboración con el círculo A$AP demuestra el puente transatlántico que el grime empieza a tender, sin perder su identidad.

  6. Ladies Hit Squad (feat. D Double E & A$AP Nast)
    Más melódico, más bailable, pero aún con filo. Skepta cambia ligeramente el registro sin perder contundencia. Un tema más ligero en tono, pero muy bien ejecutado.

  7. Text Me Back
    El cierre más inesperado. Un tema íntimo, casi vulnerable, con una producción atmosférica y un Skepta hablando de amor, lealtad y conexiones humanas. Una salida emocionalmente sutil a un álbum mayormente combativo.


Conclusión:

Konnichiwa es uno de los discos fundamentales del siglo XXI en Reino Unido. No por marketing ni por celebridades: por autenticidad, autonomía y dirección artística. Skepta no solo revitalizó el grime, lo convirtió en una voz cultural global sin ceder ni un centímetro a la lógica comercial.

La producción cruda, los versos afilados y la integridad conceptual del álbum demuestran que aún es posible hacer música de impacto desde la honestidad y sin filtros. Como Kind of Blue para el jazz modal o Oar para el folk psicodélico, Konnichiwa representa una evolución dentro de su propio lenguaje, sin dejar de mirar atrás.


Listado de temas:

  1. Konnichiwa

  2. Lyrics (feat. Novelist)

  3. Corn on the Curb (feat. Wiley)

  4. Crime Riddim

  5. It Ain’t Safe (feat. A$AP Bari)

  6. Ladies Hit Squad (feat. D Double E & A$AP Nast)

  7. Numbers (feat. Pharrell Williams)

  8. Man

  9. Shutdown

  10. That’s Not Me (feat. Jme)

  11. Detox

  12. Text Me Back



06 julio 2017

0106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967)

0106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) 

Una de esas mágicas confluencias que de vez en cuando se producen en el mundo de la música, tuvo lugar a finales del 66 en las oficinas de Atlantic Records en Nueva York. Allí, una seminal y poderosa vocalista de soul, de profundas raíces gospel, buscaba dar un giro radical a la que hasta ese momento estaba siendo una dubitativa carrera musical dentro del sello Columbia, más cercana al jazz más pop que al poderoso y vibrante soul.  

En aquellos días una tal Aretha Franklin, que años antes había decido dar el salto del gospel a la música laica, animada y avalada nada más y nada menos que por el gran Sam Cooke, se dejaba embaucar por uno de los capos de la Atlantic Records, el avispado y genial productor Jerry Wexler, para dejar Columbia, firmar por Atlantic y comenzar de esta forma uno de los períodos más gloriosos de la música soul, en el que Aretha Franklin fue una de las principales protagonistas de este estallido soul, proporcionándonos algunos de los momentos más emocionantes, viscerales y desgarradores que nos ha dejado la música negra, en discos como este I've Never Loved a Man (The Way I Love You) que hoy traemos a Sensaciones Sonoras, y que fue el primer disco que Aretha grabó para Atlantic, en aquel lejano Marzo de 1967.  

Cuando Jerry Wexler firmó a Aretha Franklin, sabía perfectamente lo que podía conseguir de ella, la intensidad y sentimiento que podía volcar sobre sus desgarradas y viscerales interpretaciones con su espectacular voz, y tenía muy claro el acompañamiento musical que necesitaba aquella fabulosa voz. No lo dudó, y se llevó a Aretha al sur, a los estudios Muscle Shoals, caracterizados por su sonido primario y directo, de vientos cortantes, y pianos y guitarras descarnadas, y donde el soul más desgarrado y el R&B más abrasivo parecían brotar con absoluta naturalidad. Y allí, junto a músicos del calibre de Chips Moman, Spooner Oldham, Jimmy Jhonson, y Bobby Womack, además de con sus hermanas a los coros, Aretha Franklin grabó este fabuloso I've Never Loved a Man (The Way I Love You), que incluye poderosas interpretaciones de temas propios, así como de monstruos del soul como Otis Redding y Sam Cooke entre otros.  Un disco que pone de manifiesto la grandeza del soul y el torrente de emociones que Aretha Franklin transmitía en aquella época. 

Profundas y maduras emociones expresadas por “una mujer de 25 años con el sonido, los sentimientos y la experiencia de alguien mucho mayor y con una vida muy intensa”, según diría Jerry Wexler. Tal y como decía ella, “Soul es la habilidad para hacer partícipes de tus sentimientos a otras personas”, una habilidad que ella dominaba perfectamente, tal y como se aprecia en esa rotunda y descarnada exigencia de respeto a su hombre, que es su espléndida versión del Respect de Otis Redding, o en esa otra intensa y desgarradora declaración de principios que es el tema que da título al disco, el fantástico I've Never Loved a Man, o en la preciosa balada Baby baby baby, un clásico tema de soul contenido, de muchos quilates, al igual que ese otro poderoso y visceral lamento interior que es Drown in my own tears, donde Aretha pone de manifiesto sus profundas influencias vocales del gospel. Y así podríamos seguir con todos y cada uno de los temas del disco, con su sentida versión del clásico de Cooke, A chance is gonne come, o con ese otro ejercicio de soul contenido, pero de enérgica interpretación vocal que es Dr Feelgood (love is a serious bussiness), todos ellos con un compacto, rotundo y escueto acompañamiento musical, que se apodera de tus sentidos con la misma fiereza con la que Aretha canta.  Un clásico del soul, de la reina del soul, imprescindible para todo aquel que esté interesado en la música negra.  

 Listado de temas:
1. Respect
2. Drown in My Own Tears
3. I Never Loved a Man (The Way I Love You)
4. Soul Serenade
5. Don't Let Me Lose This Dream
6. Baby, Baby, Baby
7. Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)
8. Good Times
9. Do Right Woman, Do Right Man
10. Save Me
11. Change Is Gonna Come
12. Respect [Stereo Version][*]
13. I Never Loved a Man (The Way I Love You) [Stereo Version][*]
14. Do Right Woman, Do Right Man [Stereo Version][*]


Dicen que en la variedad está el gusto. Desde aqui espero hablaros de todo, actualidad, música, cine,etc. Una ventana abierta al mundo.