0900. Doves - Lost Souls (2000)

Grabación y publicación

• Periodo de grabación: 1998 – 1999.

• Estudios: Grabado principalmente en su propio estudio en Manchester, con sesiones adicionales en Revolution (Stockport) y National Ents.

• Productores: Doves y Steve Osborne.

• Fecha de publicación: 3 de abril de 2000.

• Sello discográfico: Heavenly Recordings.

• Contexto en la carrera del artista: El álbum nace de una tragedia creativa: el incendio del estudio donde operaban como Sub Sub. Este evento forzó a los hermanos Williams y Jimi Goodwin a abandonar las cajas de ritmos por las guitarras, convirtiendo a Doves en el vehículo de su reinvención emocional y sonora.

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Contexto y estilo

Lost Souls emergió en un momento en que el Britpop se desintegraba, dejando espacio para un sonido más melancólico y expansivo. El álbum es un exponente máximo del rock atmosférico y la psicodelia moderna, con una fuerte herencia del espíritu de Manchester pero bañada en una tristeza cinematográfica.

La instrumentación es densa, caracterizada por muros de sonido creados con guitarras llenas de reverb, percusiones complejas y un uso magistral del espacio. Las letras navegan por la pérdida, el paso del tiempo y la desorientación existencial, creando un clima de "resaca emocional" que resuena con el título del disco.

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Análisis de temas destacados

• Firesuite: Un inicio instrumental que evoca el renacimiento de la banda. Es una pieza progresiva que crece sobre una base rítmica hipnótica, preparando al oyente para la inmersión sonora que sigue.

• The Cedar Room: Es el corazón del álbum. Una balada de largo aliento que trata sobre la nostalgia de un amor perdido en un lugar específico. Su épica melancólica la convirtió en un himno instantáneo del rock alternativo británico.

• Sea Song: Una composición que destaca por su estructura fluida y acuática. La voz de Goodwin se entrelaza con arreglos de guitarra que parecen desvanecerse, capturando una sensación de aislamiento y paz.

• Rise: Aporta el pulso más dinámico del disco. Con un groove que delata su pasado en la música dance y una sección de vientos soul, ofrece una luz de esperanza y movimiento dentro del tono sombrío general.

• Break Me Gently: Una pieza de psicodelia envolvente que explora la fragilidad mental. Sus capas sonoras crean un efecto de aturdimiento deliberado, muy acorde con la temática de la vulnerabilidad emocional.

• Catch the Sun: El tema más directo y guitarrero. Funciona como el punto de anclaje con el pop rock clásico, inyectando energía y una melodía luminosa que equilibra la densidad de las canciones más experimentales.

• The Man Who Told Everything: Una reflexión amarga y acústica sobre la honestidad. Los arreglos de cuerda subrayan el dramatismo de la letra, cerrando el álbum con una sensación de cansancio sabio y resignación.

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Conclusión

Lost Souls es una obra maestra de la atmósfera. Logró lo que pocos álbumes de debut consiguen: presentar un universo sonoro propio, maduro y emocionalmente devastador desde el primer segundo. Su legado es el de haber dado una salida artística al dolor de la pérdida, transformando las cenizas de su estudio en uno de los discos más bellos y perdurables de la década. Con el tiempo, se ha mantenido como el trabajo más puro y cohesionado de Doves.

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Listado de temas

1. Firesuite

2. Here It Comes

3. Break Me Gently

4. Sea Song

5. Rise

6. Lost Souls

7. Melody Calls

8. Catch the Sun

9. The Man Who Told Everything

10. The Cedar Room

11. Reprise

12. A House

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Ola gigante de 28 metros en España

La Red de boyas de Aguas Profundas de Puertos del Estado midió en enero de este año una ola de 27,81 metros de altura, que supone un récord en las registradas en aguas españolas, ha informado este miércoles el Ministerio de Fomento. El dato se tomó en la boya de Vilán-Sisargas (Cabo Vilán).

El anterior récord se había registrado en la boya Augusto González Linares, del IEO, con 26,13 metros, cerca de Santander, al paso de la ciclogénesis explosiva Klaus, el 24 de enero de 2009. 

Puertos del Estado explica en su escrito que la enorme ola medida por la boya de Vilán-Sisargas tiene la particularidad de tratarse de una freak weave (ola insólita o gigante), ya que la relación entre el valor de altura máxima y el de altura significante (en este caso, 12,4 metros), es mayor que 2.

0662. The Shamen - En-Tact (1990)

The Shamen

En-Tact (Edición Internacional)

Periodo: 1990–1991

Productores: The Shamen

Sello: One Little Indian / Epic

Contexto

Esta edición reposiciona el material para priorizar el impacto del sonido rave comercial. La colocación de Move Any Mountain como apertura define una nueva narrativa donde el hedonismo de club guía al oyente antes de adentrarse en la experimentación.

Análisis de Estilo

Un ejercicio de síntesis donde la vanguardia electrónica se alinea con la accesibilidad del pop. La producción destaca por su uso del sampling y una arquitectura rítmica que equilibra el hedonismo de club con estructuras de canción convencional.

Selección Temática

• Move Any Mountain (Progen 91): Motor del disco y paradigma crossover.
• Hyperreal: Puente estético entre radio y club.
• Human NRG: La crudeza del rave puro.
• Progen: Cierre circular hacia el origen sonoro.

Tracklist

1. Move Any Mountain 
2. Human NRG (Massey)
3. Possible Worlds: Deep PSI
4. Omega Amigo
5. Evil Is Even - Edit
6. Hyperreal Orbit
7. Lightspan
8. Make It Mine 
9. Oxigen Restriction
10. Hear Me
11. 666 Edit
12. Make It Minimal
13. Hyperrreal Selector.
14. Lightspan Soundwave
15. Progen 91 (I.R.P. In The Land Of Oz)

0457. Cramps – Songs the Lord Taught Us (1980)

0457. Cramps – Songs the Lord Taught Us (1980)

Otro de los grandes discos de este grupo de punk rock de todos los tiempos como son los inigualables The Cramps, cuarteto compuesto en un principio por dos chicas y dos chicos, siendo una de ellas al bajo y la otra a la guitarra y los otros dos como cantante y el otro como bateria, tomando las riendas del grupo como lideres principales de la banda, tanto la guitarrista poison ivy, como el cantante lux interior, dos jóvenes intrepidos que en el año 1971, que se conocieron en el High School, y con gustos similares en lo referente a la música por temas como el rockabilly sucio y menos comercial de los años 50´s, más el sonido garage de los 60´s, ellos quisieron desde un principio juntar esos dos sonidos mezclado con la gran esencia del rockabilly al estilo de jhonny burnette y otros de aquella época, junto con el estilo de Link wray con temas muy parecidos.

El sonido que querian lo sacaron a la primera y con toques de punk rock luego bien reconocidos más tarde por los grandes grupos de punk rock de la escena, como es el caso de los Sex Pistols y de los Clash, ya que se influenciaban mucho en el principio de los cramps estos y otros muchos grupos, prueba de ello, es que ha versiones de los cramps sacadas en mitad de los años 70´s, antes de la aparición del punk

rock, de viejas canciones gloriosas de los años 50´s, hechas al estilo cramps, pero que en los finales de esa década y principio de los 80´s, pusieron de moda grupos como Sex Pistols, Cramps, Ramones, etc...; pero antes ya la habían grabado este grupo Americano llamado The Cramps.

Las versiones que meten de canciones de otras épocas pasadas a la suya, son el tema de Tear It Up, Twist and Shout y la de Fever de Elvis, pero al estilo rockabilly oscuro como bien sabían hacer este grupo de más connotaciones de punk rock que de rockabilly, lo demás son canciones de ellos, con letras sucias, y nada de letras de amores y tal como siempre pasa con la mayoría de canciones, ya que aquí los cramps se recrean más sus letras basadas en peliculas de la serie B.

Listado de temas:

1.TV Set
2.Rock on the Moon
3.Garbageman
4.I Was a Teenage Werewolf
5.Sunglasses After Dark
6.Mad Daddy, The
7.Mystery Plane
8.Zombie Dance
9.What's Behind the Mask
10.Strychnine
11.I'm Cramped
12.Tear It Up
13.Fever
14.I Was a Teenage Werewolf - (original mix)
15.Mystery Plane - (original mix)
16.Twist and Shout - (previously unreleased)
17.I'm Cramped - (original mix)
18.Mad Daddy, The - (original mix)

Opinión personal: El punk comienza aquí, no es lo que más me gusta. No sé, esperaba que me gustara y me ha decepcionado.

¿Calentamiento Global?

El hielo alrededor de la Antártida bate su récord de extensión desde que se realizan mediciones. Durante el pasado mes de septiembre la capa de hielo alrededor de la Antártida ha alcanzado la mayor extensión desde que se realizan mediciones fiables hace más de tres décadas, a finales de los 70. 

También hay que señalar que en los dos últimos años la extensión de hielo en el Polo Norte ha crecido de forma significativa: el mínimo de verano alcanzado también en el mes de septiembre fue de 5.02 millones de metros cuadrados, 1,6 millones más que en 2012. 

Esta tendencia al crecimiento del hielo antártico no había sido prevista por ningún modelo científico de los que se manejan habitualmente para demostrar el cambio climático y, en última instancia, el calentamiento del planeta.

0178. Spirit – Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)

0178. Spirit – Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)

Sello discográfico: Epic

Producción: David Briggs

Dirección artística: John Locke • Bruce McCauley

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 38:50

Este álbum es uno de los trabajos imprescindibles de este gran grupo psicodélico angelino surgido a mediados de los años 60 y que nos ha legado gemas como “Spirit” (1968), “That Family that Plays Together” (1968) o este “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (1970), probablemente la cumbre del grupo de Jay Ferguson y Randy California. Bueno, y también de Ed Cassidy, un veterano del jazz y padrastro del propio California.

Se trata de un disco conceptual en base a los pasajes oníricosecológicos del tal doctor sarcástico. La producción corre a cargo de David Briggs, y el disco es una maravilla psicoprogresiva que contiene hermosos pasajes acústicos folk con grandes melodías pop y encantadoras armonías vocales que comparten sitio con escenarios hard rock de aliento blues, funk, country y jazz, con influencias clave de la Jimi Hendrix Experience, de Traffic y de Cream.

El disco se inicia en un tono calmo con un preludio folk, muy bello a nivel melódico, para enardecerse en la sección de “Nothin’ to Hide” (“no tenemos nada que esconder, estamos casados con la misma novia”) y facturar un acid-rock con grata combinación de voces y arreglos imponentes de viento fusionados que impulsan la pieza en una coda final llena de energía con un trasfondo noise de guitarras de tipo lisérgico.

“Nature’s Way” es una pieza folk de sobresaliente melodía, voz cáliday confesional, y preocupación ecológica con percusión a lo Phil Spector. También la canción, escrita por California, depara armonías y juegos vocales de primer orden.

El sonido de un automóvil abre “Animal Zoo”, diatriba hippiesca en tono satírico en contra del mundo urbano. Está compuesta por Ferguson y desarrolla, con un excelente trabajo en al bajo de Mark Andes, una notable pieza rock con trazas funk, country y blues. “Love Has Found a Way” combinando efectos psicodélicos con alguna voz de corte soul y el sonido de un vibráfono, enlaza con la preciosa balada (no puede ser mejor a nivel melódico) “Why Can’t I Be Free”, corta canción acústica en la cual Randy, con armonías ejemplares de Ferguson y Andes, se lamenta ante la falta de libertad. Ferguson aporta dosis de funk con “Mr. Skin”, apodo del batería Ed Cassidy, rítmico tema con exuberantes arreglos de viento y un vibrante “na,na,na,na,na…”, imposible no cantar acompañando el estribillo.

“Space Child” es un instrumental escrito por el teclista John Locke (nada que ver con el filósofo) en donde con piano y el moog logra una atrapante atmósfera de corte (haciendo honor al título) espacial-psicodélica, con algún pasaje jazz y eco agaviotado similar al “Tomorrow Never Knows” de los Beatles.

El medio tiempo “When I Touch You”, otro corte de Ferguson, es uno de los temas, con basamento psicodélico, con sonidos más hard rock del álbum. Detenta unas hechizantes texturas en su mágico desarrollo y una misteriosa atmósfera parecida a lo que podrían ofertar los Black Sabbath en el mismo año. El aporte a la creación de la misma de California en las seis cuerdas resulta más que decisivo para el éxito de esta gran pieza.

Un animado piano ocupa la intro de “Street Worm”, otra grancanción rock de Ferguson sobre la libertad y un miramiento optimista, se supone que irónico, a la vida urbana, con sonidos que parecen mezclar a Traffic con los Who. 

Randy California escribe la acústica “Life Has Just Begun” y retoma pautas de folk psicodélico con sensacionales armonías vocales y variantes melódicas de excepción. Magnífico tema con evocativo piano de Locke. También Randy es el responsable de las dos últimas canciones de este esencial disco. “Morning Will Come” es una pieza optimista y magistral de power pop con sonidos soul de Stax (incluso en dejes vocales y empleo del boogie-rock parece preludiar el glamrock de T. Rex y compañía). Posee sentido melódico, fuerza, un sensacional estribillo, arreglos sublimes de viento….obra maestra.

El álbum, otra joya del mejor período de la historia del rock, se cierra con la balada de piano “Soldier”. De tono melancólico es una auténtica beldad y la delicada combinación vocal la podrían formar los mismísimos Zombies del “Odessey & Oracle”. o los ya míticos hermanos Brian Wilson de su etapa psicodélica.

Listado de temas
01. Prelude - Nothin' To Hide
02. Nature's Way
03. Animal Zoo
04. Love Has Found A Way
05. Why Can't I Be Free
06. Mr. Skin
07. Space Child
08. When I Touch You
09. Street Worm
10. Life Has Just Begun
11. Morning Will Come
12. Soldier
13. Rougher Road
14. Animal Zoo [Mono Single Version]
15. Morning Will Come

0027. Muddy Waters – At Newport (1960)

Grabado en vivo el 3 de julio de 1960 durante el Newport Jazz Festival y publicado ese mismo año por Chess Records, este álbum captura algo más que una simple actuación: es la electrificación ceremonial del blues frente al mundo. En un momento donde los Estados Unidos se debatían entre la tradición y el cambio, Muddy Waters —el gran arquitecto del blues de Chicago— subió al escenario como un huracán en carne viva, y dejó registrado uno de los discos en vivo más legendarios de la música afroamericana del siglo XX.

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Contexto histórico y simbólico

El Newport Jazz Festival había comenzado a abrir tímidamente sus puertas al blues, pero la inclusión de Muddy fue aún vista por algunos como una apuesta arriesgada. La noche anterior a su presentación, disturbios provocaron tensión en el evento. Al día siguiente, cuando Muddy y su banda tomaron el escenario, no solo estaban tocando música: estaban reivindicando una cultura.

Frente a una audiencia mayoritariamente blanca e intelectualizada, Muddy rompió cualquier barrera cultural con fuerza cruda y elegancia rítmica. La potencia de su voz, la electricidad de su slide guitar y la intensidad de su banda marcaron el momento en que el blues dejó de ser considerado una curiosidad folclórica para convertirse en una fuerza legítima y moderna.

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Análisis musical

El disco es un manifiesto eléctrico. La banda —compuesta por gigantes como Otis Spann (piano), James Cotton (armónica), Pat Hare (guitarra), Andrew Stephenson (bajo) y Francis Clay (batería)— funciona como una sola criatura rítmica, afilada, explosiva.

• “I’ve Got My Brand on You” abre con un tempo lento y sensual, donde Muddy canta con una mezcla de amenaza y carisma. El piano de Spann marca un tono íntimo y poderoso.

• “I’m Your Hoochie Coochie Man” irrumpe como un ritual de masculinidad: declarativo, grave, innegociable. Cada pausa es una bomba de tensión.

• “Baby, Please Don’t Go” acelera el pulso. Cotton ruge con su armónica y la banda suena como una locomotora.

• “Got My Mojo Working (Parts 1 y 2)” es el clímax absoluto. Es herejía llamarlo “sólo” blues: es energía pura, llamada y respuesta, trance eléctrico. La audiencia responde, grita, se incorpora al rito.

• “Tiger in Your Tank” y “I Feel So Good” muestran a Muddy en su faceta más lúdica y vibrante, con un ritmo que coquetea con el rock primitivo.

• “Soon Forgotten” aporta un color más introspectivo, casi jazzístico, donde Spann se luce al piano y Muddy canta como un crooner del delta.

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Legado y trascendencia

Este disco no solo confirmó la estatura de Muddy Waters; redibujó los límites del blues. Fue piedra angular para el renacimiento del género en los 60, especialmente entre músicos británicos como The Rolling Stones, Led Zeppelin o Eric Clapton, quienes escucharon este álbum como un llamado iniciático.

La famosa portada —con Muddy blandiendo su guitarra como si fuera un arma— se convirtió en símbolo visual de una música que ya no pedía permiso, sino que reclamaba su lugar en la historia.

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Listado de temas:

1. I’ve Got My Brand on You

2. I’m Your Hoochie Coochie Man

3. Baby, Please Don’t Go

4. Soon Forgotten

5. Tiger in Your Tank

6. I Feel So Good

7. I've Got My Mojo Working

8. I've Got My Mojo Working, Part 2

9. Goodbye Newport Blues

10. I Got My Brand on You - (bonus track)

11. Soon Forgotten - (bonus track)

12. Tiger in Your Tank - (bonus track)

13. Meanest Woman - (bonus track)

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0017. Billie Holiday – Lady in Satin (1958)

Grabación y publicación:

Grabado entre febrero y marzo de 1958 y publicado ese mismo año por Columbia Records, Lady in Satin es el penúltimo álbum de estudio de Billie Holiday y, sin duda, uno de los más dolorosamente bellos de toda su carrera. A diferencia de los registros más crudos y jazzeros de su juventud, aquí la acompañan cuidadosos arreglos orquestales del maestro Ray Ellis, pensados como un marco lujoso, incluso cinematográfico, para una voz rota, temblorosa y completamente humana.

Este no es un disco para encontrar virtuosismo técnico. Es un álbum donde la emoción está desnuda, sin filtros, y donde cada grieta vocal se convierte en verdad emocional. Holiday, enferma, frágil, marcada por las adicciones y por una vida de racismo, abuso y desamor, canta aquí como quien se despide de todo.

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Contexto:

A finales de los años 50, Billie ya era una leyenda viva, pero también una figura trágica. Sus días de gloria con Lester Young y Teddy Wilson habían quedado atrás. Su voz —que en los años 30 y 40 era ligera, irónica, ágil— ahora era áspera, baja, casi resquebrajada. Sin embargo, fue justamente en ese momento cuando ella decidió grabar Lady in Satin, no como un regreso, sino como un testamento emocional.

Lo hizo con una gran orquesta, con cuerdas, coros y arreglos que remiten más al pop vocal tradicional que al jazz, pero lo importante aquí no es el estilo, sino la entrega emocional total. Holiday transforma baladas sentimentales y estándares románticos en confesiones existenciales.

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Análisis de temas destacados:

1. I'm a Fool to Want You
   Abre el disco como un lamento sin escudo. Su voz entra como si ya estuviera llorando antes de que suene la primera nota. La canción —compuesta por Frank Sinatra, entre otros— se vuelve, en su boca, una súplica desolada.

2. For Heaven's Sake
   Aquí canta no para seducir, sino para implorar, con una dulzura rota. La fragilidad de su voz, sostenida por las cuerdas, parte el alma.

3. You Don't Know What Love Is
   Uno de los puntos más conmovedores del disco. Billie no solo canta la letra: la vive, la encarna, como si cada palabra hubiera sido escrita para ella y por ella. La orquesta flota detrás, sin interferir.

4. I Get Along Without You Very Well
   El sarcasmo del título se desvanece al oírla. Billie no se engaña ni engaña al oyente: no se está recuperando, sigue rota.

5. Violets for Your Furs
   Menos oscura, con cierto aire de melancolía elegante. Pero incluso aquí, el vibrato tembloroso de Holiday hace que cada frase parezca una despedida.

6. I'll Be Around
   Quizás la canción más estoica del álbum. Hay una cierta dignidad en su entrega, como si dijera: “me iré, pero quedaré aquí, en tu recuerdo”.

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Conclusión:

Lady in Satin no es un disco de jazz en el sentido clásico. Es un réquiem emocional, un diario íntimo musicalizado, un susurro al oído del oyente. La voz de Billie Holiday ya no es la que fue, pero eso no importa: es mucho más expresiva, más real, más humana. Cada temblor, cada nota fuera de tono, cada suspiro, cuenta una historia de vida y de pérdida.

Este álbum no busca entretener ni brillar: busca herirte, pero con belleza. Es Billie al borde del abismo, pero con una elegancia insoportable.

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Listado de temas:

1. I'm a Fool to Want You

2. For Heaven's Sake

3. You Don't Know What Love Is

4. I Get Along Without You Very Well

5. For All We Know

6. Violets for Your

7. You've Changed

8. It's Easy to Remember

9. But Beautiful

10. Glad to Be Unhappy

11. I'll Be Around

12. The End of a Love Affair (Mono)

13. I'm a Fool to Want You (take 3)

14. I'm a Fool to Want You (take 2)

15. The End of a Love Affair (stereo)

16. Pause Track

Cuentos desde el reino peligroso

Cuentos desde el Reino Peligroso reúne en un único volumen cinco relatos de fantasía y aventuras escritos por J. R. R. Tolkien que reafirman su papel como contador de historias para lectores de todas las edades. Las aventuras de «Roverandom», un perro de juguete; de «Egidio, el granjero de Ham» elegido para luchar contra el dragón; «Las aventuras de Tom Bombadil» con hobbits, princesas, enanos y trolls; de «El herrero de Wootton Mayor» en el País de las Hadas y de «Hoja de Niggle», un pintor que emprende la imposible tarea de pintar el árbol perfecto, se presentan en esta colección ilustrada por el reconocido artista Alan Lee, quien también aporta un epílogo.

Se incluye además una introducción del experto en Tolkien, Tom Shippey, y el ensayo «Sobre los cuentos de hadas», escrito por Tolkien, que ofrece una cautivadora mirada a la imaginación del autor de El Hobbit.

Los que más me han gustado han sido Roverandom y Hoja de Niggle

0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)

0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)

El jazz ha sido siempre una música de fusión. Desde sus inicios a fines del siglo XIX, el jazz se desarrolla y evoluciona sin mayores pretensiones mezclando con gran facilidad la música popular norteamericana, el son cubano, la samba brasilero, el tango argentino, entre otros géneros. En su enfoque contemporáneo, el jazz mantiene las huellas que dejaron estos estilos. Sin embargo, el concepto de fusión en el jazz se torna más evidente y relevante hacia fines de la década de los años 60 y especialmente por Miles Davis y su obra Bitches Brew. Este álbum es el resultado de la combinación de ideas que venía forjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya había usado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como también post producciones en el estudio. (In a Silent Way y Filles de Kilimanjaro).

En Bitches Brew usa todos estos elementos y crea un álbum de improvisaciones. En vez de preocuparse de crear armonías sofisticadas o experimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodías sobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos. En su autobiografía Miles relata: "Yo conducía, como un

director de orquesta, cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien o le indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la música crecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un proceso del desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o un motif, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta cierto punto, le pedía a un músico que tocara algo diferente". Una jam session magistral.

El surco más interesante es Bitches Brew dura 26 minutos – es un resumen del disco. Dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso. El tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero en grabarse. Ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a los músicos mientras improvisan. Un ejemplo ocurre en el séptimo minuto. El grupo aparentemente ha perdido el hilo de la improvisación y está a punto de fracasar. Miles dice: "Keep it like that!", segundos después, cuando el tema recobra brío, se dirige a McLaughlin : "John!", éste se hace cargo y el tema resucita. En Bitches Brew hubo un brillante e innovador trabajo de postproducción; obra de Teo Macero quien, junto a Miles, pero más veces por si solo, escogió las tomas, las editó y creó de todo eso el producto final. Usó cámaras de eco, reverberación y "loops" o repeticiones para alargar ciertos trozos de cinta. En Pharaohs's Dance de Zawinul, un tema con toques orientales y un ritmo casi inexplicable, Davis y Shorter crean un mantra jazzístico; el piano rhodes de Zawinul es lúgubre. McLaughlin y Maupin también participan en la improvisación. Las ventas de LP durante el primer año llegaron a 400 mil copias, algo sin precedente para Davis, su álbum que más había vendido hasta entonces sólo alcanzó a vender 100 mil copias. Algunos críticos acusaron a Davis de haberse vendido al mercado pop. Sin embargo, lo extraordinario de Bitches Brew es que Miles en ningún momento imita las tendencias del pop o del rock de la época.

Todos los surcos del LP doble original duran más de 10 minutos, excepto "John McLaughlin" con poco más de 4 minutos. Esto eliminó las posibilidades de exposición en las radios pop. No hay arreglos, ni melodías, ni ritmos bailables, ni canciones con letras fáciles de memorizar. Con Bitches Brew Miles agregó a su público hordas de fans del rock, pero también perdió el apoyo de sus fieles seguidores. El nuevo vocabulario musical e instrumentación electrónica que Davis introdujo no les interesó y lo abandonaron permanentemente. Después de casi 40 años, Bitches Brew se mantiene como una obra sólida que exige el respeto de críticos y aficionados. Se puede decir tanto de esta música, pero prefiero que hable por si sola. He pasado muchas sesiones escuchando las distintas ediciones de Bitches Brew, y me vienen tantas imágenes e ideas mientras escucho. Cada sesión es diferente, siempre descubro algo nuevo y fascinante.

Listado de temas:
1. Pharaoh's Dance
2. Bitches Brew
3. Spanish Key
4. John Mclaughlin
5. Miles Runs The Voodoo Down
6. Sanctuary

0463. Judas Priest - British Steel

Grabación y publicación:

British Steel fue grabado en los estudios Startling Studios de Ringo Starr (ubicados en la campiña inglesa de Berkshire) durante febrero de 1980, y se publicó el 14 de abril de ese mismo año a través de Columbia Records. Fue producido por Tom Allom, quien ya había trabajado con la banda en Unleashed in the East (1979) y se consolidó aquí como un arquitecto del sonido más directo y accesible de Judas Priest.

Este fue el primer álbum grabado con el baterista Dave Holland, y marcó un cambio de rumbo: una simplificación del sonido, sin perder fuerza, pensada para alcanzar un público más amplio.

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Contexto y estilo:

A fines de los 70s, el heavy metal tradicional británico comenzaba a consolidarse como una fuerza global, pero enfrentaba una identidad difusa entre los excesos del hard rock y la llegada del punk. Con British Steel, Judas Priest destiló el heavy metal en su forma más pura y accesible, convirtiéndose en pioneros del sonido que luego definiría a la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), junto a Iron Maiden y Saxon.

Este disco esencializó los riffs metálicos, eliminando adornos progresivos y dándole prioridad al gancho melódico, las letras combativas y los coros poderosos. La portada, con una cuchilla de afeitar sostenida entre los dedos, es ya parte del canon visual del género.

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Análisis de temas destacados:

• “Breaking the Law”: Uno de los himnos más icónicos del heavy metal. Riff simple y explosivo, letra de rebelión urbana, y una duración perfecta para las radios. Su influencia se extiende mucho más allá del metal: es puro arquetipo de actitud.

• “Rapid Fire”: Abre el álbum a toda velocidad. Anticipa, de hecho, la agresividad del thrash metal con un ritmo galopante y guitarras gemelas afiladas. Rob Halford escupe las letras con una energía casi punk.

• “Metal Gods”: Tema de cadencia marcial y sonido futurista. Las letras —una metáfora de los dioses metálicos que destruyen a la humanidad— se convertirían en una de las marcas de identidad de la banda. Aquí comienza el culto a los “metal gods” que perdura hasta hoy.

• “Living After Midnight”: Otro éxito rotundo. Más hard rock que metal puro, con un riff pegajoso y espíritu festivo. Se convirtió en un clásico inmediato en vivo y mostró el costado más comercial de Judas Priest sin perder credibilidad.

• “Grinder”: Duro, oscuro, con un riff pesado que anticipa el groove metal de los 90. Letra en clave de lucha por la libertad individual.

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Conclusión:

British Steel no solo es un hito en la discografía de Judas Priest, es una piedra angular en la historia del heavy metal. Aporta una fórmula que inspiraría décadas de metal clásico y moderno: riffs gancheros, producción pulida, actitud desafiante y estribillos coreables.

Es un disco que equilibra la agresividad con la accesibilidad y que transformó a Judas Priest en una banda de estadios. Sin British Steel, probablemente el heavy metal no habría alcanzado el mismo nivel de penetración en la cultura popular de los 80s.

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Listado de temas:

1. Rapid Fire

2. Metal Gods

3. Breaking the Law

4. Grinder

5. United

6. You Don't Have to Be Old to Be Wise

7. Living After Midnight

8. The Rage

9. Steeler

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Superluna

Superluna es un fenómeno curioso por el que vemos a la luna más grande y brillante que otros días. Este fenómeno se da cuando la luna llena coincide con el momento del perigeo, es decir cuando su órbita la acerca más a la Tierra (unos 356.000 kilómetros) causando que se vea más grande y brillante de lo normal. 

La razón por la cual la luna no siempre está a la misma distancia de nuestro planeta es porque su órbita es elíptica y el centro no corresponde con el centro de la Tierra, por lo tanto hay momentos en que está más cerca y otros en que está más lejos. 

En 2014 podemos disfrutar de tres superlunas consecutivas en periodos relativamente cortos de tiempo: 12 de julio, 10 de agosto y 9 de septiembre 

La superluna de agosto es especialmente importante pues será luna llena a menos de una hora del perigeo por lo que será posible verla ligeramente más grande y brillante. La última vez que paso algo similar fue el 19 de marzo de 2011 cuando la superluna llena estuvo a menos de una hora del perigeo.