In the Flesh

In the Flesh es una miniserie de televisión británica creada por Dominic Mitchell y transmitida por BBC Three. Está ambientada con posterioridad a un apocalipsis zombi. Kieren Walker es un adolescente británico que forma parte del grupo de personas que volvió a la vida durante los acontecimientos de un apocalipsis zombi, llegando a convertirse en muertos vivientes de carácter violento y caníbal. Una vez que el ataque de los zombis es controlado, la condición sufrida por ellos -denominada Síndrome del Parcialmente Muerto (Partially Deceased Syndrome o PDS)- es curada por el gobierno británico y se realizan esfuerzos por su reintegración en la comunidad. Kieren es enviado de vuelta con su familia, en el pueblo de Roarton (Lancashire). Sin embargo, su reintegración no será sencilla, ya que deben lidiar con los prejuicios de los demás. En Roarton hay una fuerte presencia de la Human Volunteer Force (HVF), una agrupación paramilitar que enfrentó a los zombis durante el ataque, por lo que debe mantener en secreto su condición.

Ficha en Filmaffinity

Grandes momentos de Star Wars (I)

La lucha entre Luke y Darth Vader

La última batalla entre Luke Skywalker y Darth Vader. Aquí ya no peleaban como Lord Sith y caballero Jedi, sino como padre e hijo. 

0021. Ray Charles - The Genius of Ray Charles (1959)

Grabación y publicación:

Publicado por Atlantic Records en octubre de 1959, The Genius of Ray Charles marca una transición clave en la carrera del artista: deja atrás parcialmente el R&B crudo y de raíces para lanzarse a explorar territorios más amplios como el jazz, el pop orquestal y el soul sin etiquetas. Aquí, Ray Charles se reinventa sin dejar de ser él mismo.

Grabado en dos sesiones diferenciadas, el disco divide sus intenciones: en la primera cara, Ray se rodea de una big band explosiva con arreglos vibrantes de Quincy Jones y Ernie Wilkins. En la segunda, cambia radicalmente el tono y se apoya en una orquesta de cuerdas, dirigida por Ralph Burns, para interpretar baladas románticas con una voz desgarradora, más cercana a Sinatra que al gospel. El resultado es un disco tan versátil como audaz, que confirmó que lo de “genio” no era solo un apodo publicitario.

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Contexto:

1959 fue un año trascendental para la música moderna (con lanzamientos como Kind of Blue de Miles Davis o Time Out de Dave Brubeck), y Ray Charles no se quedó atrás. Con este álbum, dejó claro que no iba a ser encasillado: ni como cantante de rhythm and blues, ni como heredero exclusivo del góspel. En The Genius of Ray Charles, toma composiciones de Harold Arlen, George Gershwin o Jimmy Van Heusen, y las hace suyas.

Este álbum se adelanta al soul sin necesidad de nombrarlo: es un cruce entre emoción popular y sofisticación formal, entre la tierra y el cielo, entre el club y la sala de conciertos.

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Análisis de temas destacados:

1. Let the Good Times Roll
   Abre el disco con potencia: una big band lanzada al swing desenfrenado, mientras Ray canta con energía pura. Puro gozo y desparpajo.

2. It Had to Be You
   Aquí comienza la demostración de su capacidad de convertir un estándar clásico en una experiencia emocional. La voz arrastra las palabras con una mezcla de ternura y desilusión que le es única.

3. Alexander’s Ragtime Band
   Otra pieza para la fiesta. Ray se mete con el ragtime de Irving Berlin y lo convierte en una bomba de swing con sabor a Nueva Orleans.

4. When Your Lover Has Gone
   Primera incursión seria en el universo crooner. Su interpretación es intensa y dolorosa, pero sin caer en el sentimentalismo barato.

5. Come Rain or Come Shine
   Posiblemente el momento más emblemático del disco. Ray Charles desnuda la canción, la reconstruye desde el alma. Cada inflexión vocal transmite vulnerabilidad y poder.

6. Don’t Let the Sun Catch You Cryin’
   Una joya de interpretación vocal. Aquí, la emoción está contenida, como si no quisiera llorar pero no pudiera evitarlo. Su fraseo es todo humanidad.

7. Deed I Do
   Regreso al swing sabroso con una sonrisa en los labios. El piano de Ray se asoma y baila con la banda.

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Conclusión:

The Genius of Ray Charles no es un álbum cualquiera. Es la declaración artística de alguien que sabía que podía hacerlo todo: cantar como un predicador, tocar como un jazzista, frasear como un crooner, sentir como un bluesman. Y lo hizo. Aquí se distancia del R&B más puro, pero en vez de perder autenticidad, gana en ambición y profundidad emocional.

El disco es una bisagra: abre la puerta al soul de los años 60, pero también mira hacia atrás, hacia Gershwin y Sinatra, con respeto y rebeldía. Ray no imita: transforma. Ese es el sello del genio.

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Listado de temas (versión original LP):

1. Let the Good Times Roll

2. It Had to Be You

3. Alexander’s Ragtime Band

4. Two Years of Torture

5. When Your Lover Has Gone

6. Deed I Do

7. Just for a Thrill

8. You Won’t Let Me Go

9. Tell Me You’ll Wait for Me

10. Don’t Let the Sun Catch You Cryin’

11. Am I Blue?

12. Come Rain or Come Shine

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0180. The Doors – Morrison Hotel (1970)

0180. The Doors – Morrison Hotel (1970)

Sello discográfico: Elektra

Producción: Paul A. Rothchild

Dirección artística: Gary Burden

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 37:24

El penúltimo disco de los Doors con la presencia de su líder Jim Morrison. Con este trabajo, el grupo californiano se aleja de la faceta más psicodélica de su primera etapa y experimental pop de "Soft Parade" para ofrecer un disco alimentado desde la particular poética de su vocalista en las raíces de la sonoridad tradicional estadounidense, especialmente en el rock'n'roll, el blues y algunos apuntes jazzísticos.

El grupo se hallaba sometido a una presión considerable, sobre todo porque el vocalistay líder Jim Morrison debía presentarse ante la justicia acusado de obscenidad

Blues-rock de ardoroso intensidad, baladas de fuerte amarre sentimental y evocaciones líricas contenidas en un Lp que presenta un pletórico Morrison a la voz y unos músicos inmejorables a la ejecución instrumental, destacando Krieger, aquí aportando un sonido muy bluesy en su guitarra y los atmosféricos teclados siempre omnipresentes de Ray Manzarek.

Los mejores temas son el clásico "Roadhouse blues", "Waiting for the sun", "You make me real", "The spy", "Peace Frog", "Blue sunday", "Land Ho!" y "Queen of the highway", una elegante percepción de los amoríos entre Jim Morrison y su mujer Pam.

El sentimiento blues que caracteriza este álbum proseguiría, si cabecon mayor firmeza, en su siguiente trabajo, "L.A. Woman".

Listado de temas:
1. Roadhouse Blues
2. Waiting For The Sun
3. You Make Me Real
4. Peace Frog
5. Blue Sunday
6. Ship Of Fools
7. Land Ho!
8. The Spy
9. Queen Of The Highway
10. Indian Summer

0464. Circle Jerks - Group Sex (1980)

Grabación y publicación:

Group Sex fue grabado en agosto de 1980 en Studio City, California, y publicado ese mismo año a través del pequeño sello independiente Frontier Records. La producción estuvo a cargo de Spot, ingeniero clave en el desarrollo del sonido punk de la Costa Oeste, y la banda misma.

El disco fue grabado en apenas unas horas, con un presupuesto ínfimo y una energía cruda que quedó plasmada sin filtros ni edulcorantes. Su brevedad (apenas 15 minutos y 21 segundos para 14 canciones) es un manifiesto punk en sí mismo.

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Contexto y estilo:

Group Sex es uno de los discos fundacionales del hardcore punk de Los Ángeles, y una piedra angular del punk estadounidense. Circle Jerks se formó a partir de las cenizas de Black Flag, cuando Keith Morris (voz original de esa banda) se unió con el guitarrista Greg Hetson (futuro miembro de Bad Religion).

A diferencia del punk británico más politizado, el hardcore angelino era más nihilista, sarcástico, violento y veloz. Circle Jerks llevaron esto al extremo: canciones cortas, letras absurdas o directas, riffs sucios y actitud provocadora.

Lo que Group Sex aporta al género es una energía urgente y una estética que mezcla humor negro, rabia juvenil y una visión despiadada del entorno urbano. No es solo velocidad: es una explosión de descontento lanzada como metralla.

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Análisis de temas destacados:

• “Deny Everything”: Un inicio demoledor. En solo 27 segundos, marca el tono: negación, sarcasmo y ataque frontal a las instituciones y a la realidad impuesta.

• “Back Against the Wall”: Uno de los temas más “estructurados”, casi una canción completa, con riffs frenéticos y una letra sobre la alienación personal. El estribillo es puro grito de supervivencia.

• “Wasted”: Versión rápida del tema de Black Flag coescrito por Keith Morris. Aquí adquiere un tono aún más crudo, como un regreso a su etapa inicial pero sin restricciones.

• “World Up My Ass”: Descaro y desprecio absoluto. Una sátira al conformismo y al sistema, escupida con velocidad y furia. Su título es prácticamente un lema generacional del hardcore.

• “Red Tape”: Un ataque frontal a la burocracia y al orden social. Agresiva, rítmicamente pegajosa y una muestra de cómo el grupo combina caos con cierta inteligencia rítmica.

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Conclusión:

Group Sex no solo es uno de los álbumes seminales del hardcore punk estadounidense, es también una de las expresiones más puras del descontento juvenil de su época. Su brevedad no es una carencia, sino una declaración estética: aquí no hay espacio para adornos ni sutilezas, solo para verdades gritadas a toda velocidad.

Su influencia se extiende a bandas como Minor Threat, Dead Kennedys, Bad Brains y más allá, ayudando a definir el lenguaje sonoro y visual del hardcore durante décadas. Incluso hoy, Group Sex suena con la misma urgencia que en 1980.

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Listado de temas:

1. Deny Everything

2. I Just Want Some Skank

3. Beverly Hills

4. Operation

5. Back Against the Wall

6. Wasted

7. Behind the Door

8. World Up My Ass

9. Paid Vacation

10. Don’t Care

11. Live Fast Die Young

12. What’s Your Problem

13. Group Sex

14. Red Tape

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El Museo Reina Sofía expondrá el cuadro más caro del mundo

El Museo Reina Sofía dará cobijo al cuadro más caro del mundo. Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás conmigo?) de Paul Gauguin fue subastado recientemente por 265 millones de euros. 

En julio, llegará a Madrid dentro de la colección del Kunstmuseum de Basilea. La obra de 1892, propiedad del coleccionista suizo Rudolf Staechelin, fue vendida a un museo de Qatar y posteriormente donada a la pinacoteca suiza. Superó en la puja a Los jugadores de Cartas, de Paul Cezanne, vendido por 228 millones. 

El óleo fue pintado por el artista francés durante su estancia en Tahití.

Fuente: Libertad Digital

Ha muerto Daevid Allen

Daevid Allen, el que fuera fundador de Soft Machine y Gong, dos de los puntales del denominado rock progresivo y pscicodélico, murió a los 77. Daevid Allen había nacido en Melbourne en 1938 y tras pasar por París en los 60 y fundar Daevid Allen Trío, una banda de free jazz, se mudó a Canterbury (Inglaterra), donde formó Soft Machine.

De nuevo en París formó en 1967 Gong, una banda que combinaba space-rock, jazz y fusión progresiva.

El maestro de almas de Irène Némirovsky

Novela sobre el desarraigo y la azarosa búsqueda de reconocimiento social. 

Dario Asfar, un joven médico originario de Crimea , llega a Niza acompañado de su mujer y de su hijo recién nacido. Atormentado por las deudas, Dario lucha desesperadamente por conseguir una clientela, pero su origen levantino sólo inspira desconfianza y rechazo. La precaria situación de su familia lo empuja entonces a emprender el único camino que se le ofrece para escapar de la miseria: aprovechándose del creciente auge del psicoanálisis, Dario se transforma en terapeuta, una suerte de charlatán dispuesto a ofrecer a los ricos burgueses el sosiego del alma y la felicidad que tanto anhelan. Sin embargo, el éxito y la fortuna tan ansiados tendrán para él consecuencias insospechadas. 

El maestro de almas fue publicada por entregas en el semanario Gringoire entre mayo y agosto de 1939, apenas tres años antes de la desaparición de la autora, y reeditada en forma de libro por primera vez en el año 2006.

Otra gran obra de Irène Némirovsky

0020. Ella Fitzgerald - Sings The Gershwin Songbook (1959)

Grabación y publicación:

Grabado entre enero y julio de 1959, y publicado ese mismo año por Verve Records, este monumental proyecto abarca nada menos que 59 canciones en cinco discos (en su edición original en vinilo). The Gershwin Songbook es quizá el pináculo de la serie de “Songbooks” que Ella Fitzgerald grabó entre 1956 y 1964, donde se propuso rendir tributo definitivo a los grandes compositores del cancionero estadounidense.

En este caso, el homenaje es doble: George Gershwin, el genio musical, y Ira Gershwin, el maestro de las palabras. Al timón de los arreglos y dirección de orquesta: Nelson Riddle, quien con su orquestación luminosa y moderna viste a Ella con elegancia sin eclipsarla jamás.

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Contexto:

Para 1959, Ella Fitzgerald era la primera dama del jazz, una artista consolidada que podía moverse entre el scat vertiginoso y la balada más delicada. Lo que hace aquí es más que cantar canciones famosas: las vuelve definitivas. No hay apuro, no hay artificio. Solo una cantante en total control de su voz, navegando las melodías de Gershwin con inteligencia, ternura y swing.

Este Songbook no es un recital de estándares, es una catedral sonora construida sobre la grandeza del teatro musical y el jazz vocal. Cada canción es tratada con respeto y frescura, como si se acabara de escribir ayer.

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Análisis de temas destacados:

1. "But Not for Me"
   Ligera, conversacional, con un swing relajado. Ella hace que el dolor de la letra parezca casi irónico. Riddle le da espacio para flotar entre las frases.

2. "Someone to Watch Over Me"
   Una de las versiones más bellas jamás grabadas de esta balada. Aquí, Ella canta como quien susurra una plegaria, con un control emocional que estremece.

3. "I Got Rhythm"
   Aquí aparece la Ella juguetona, rítmica, la que sabe dialogar con la orquesta como si fueran viejos amigos. Una clase de swing puro.

4. "Let's Call the Whole Thing Off"
   Una joya de humor y química. Fitzgerald convierte el ingenio verbal de Ira Gershwin en un ejercicio de encanto vocal. Puro deleite lúdico.

5. "A Foggy Day"
   Suave y melancólica, con ese punto justo entre nostalgia y esperanza. Ella no exagera, simplemente deja que la canción se respire sola.

6. "Embraceable You"
   No hay prisa, ni exageración. Solo una voz acariciando cada sílaba, cada nota. Romanticismo sin azúcar.

7. "They Can't Take That Away from Me"
   Aquí brilla la madurez interpretativa de Fitzgerald. Canta con ternura resignada, y cada frase cae como una reflexión que solo puede hacer alguien que ha amado y perdido.

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Conclusión:

Sings the George and Ira Gershwin Songbook no es solo uno de los mejores álbumes de Ella Fitzgerald: es uno de los discos más ambiciosos y logrados de la historia de la música popular estadounidense. No hay en toda la colección una nota desentonada, una frase poco pensada. Todo está interpretado con dignidad, dulzura, y una técnica que no grita, sino que susurra y seduce.

Este es un álbum que requiere tiempo y atención. No es para escuchas rápidas: es para quedarse, una noche entera, acompañando cada canción como si fuese un viejo recuerdo.

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Selección del extenso listado de canciones:

1. Sam and Delilah

2. But Not for Me

3. My One and Only

4. Let's Call the Whole Thing Off

5. Embraceable You

6. They All Laughed

7. Someone to Watch Over Me

8. I Got Rhythm

9. A Foggy Day

10. Love Is Here to Stay

11. Nice Work If You Can Get It

12. They Can't Take That Away from Me

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La torre vigía de Ana María Matute

La torre vigía es la primera novela de la trilogía medieval de Ana María Matute. Situada en el mundo tenebroso, mágico y sensual de la Alta Edad media, hecha de heroísmo y superstición, violencia y barbarie, esta novela es, en realidad, un auténtico libro de caballerías escrito en forma autobiográfica, en el que se narran, desde dentro, los años de formación y aprendizaje de un joven héroe caballeresco a la luz de la sensibilidad moderna.

Sinceramente esperaba más del libro, me ha costado.

Doctor en Alaska (Northern Exposure)

Se emitió entre 1990 y 1995. Consta de 110 capítulos distribuidos en seis temporadas. Narra las peripecias de Joel Fleischman (Rob Morrow), un joven médico judío, que ha crecido en Nueva York, ambicioso, neurótico, inteligente, republicano, aficionado al golf y el baloncesto, se costeó la carrera con una beca que le obligaba a prestar sus primeros cuatro años de ejercicio profesional en el Hospital General de Anchorage. Sin embargo, sus servicios no son necesarios en Anchorage y se le envía a Cicely, la Costa Azul de Alaska, donde no hay médico local. Cuando Joel llega a su inesperado destino, descubre que Cicely es un pequeño pueblo, cuya oferta comercial y cultural se reduce a un pequeño comercio, un bar y una rudimentaria sala de cine.

"Doctor en Alaska" dejó multitud de momentos memorables, de homenajes cinéfilos y televisivos (como uno muy célebre a Twin Peaks), de personajes muy bien construidos y muy diferentes que, sin embargo, funcionaban a la perfección juntos y, sobre todo, consiguió una relación entre su pareja protagonista, Fleischmann y O’Connell realmente compleja y muy lograda.

En España, La 2 emitió esta serie a unos horarios bastante tardíos, cambiándola a menudo de día y no programándola casi nunca antes de las 23:30 de la noche. 

Razones para ver esta maravillosa serie:

• Porque es toda una filosofía de vida, proponiendo una mirada distinta a todo lo que nos rodea.
• Porque te reconforta con la vida. 
• Porque te devuelve la esperanza en el ser humano, mostrando todo lo que el mismo potencialmente podría llegar a ser si realmente se lo propusiera. 
• Porque consigue que observes la vida desde una óptica diferente
• Porque demuestra que el ser humano posee materia gris en un lugar de la cabeza que algunos considerábamos hueca. 
• Porque a pesar de ya tener cierta antigüedad se mantiene muy fresca en sus planteamientos
• Porque es políticamente incorrecta desde el punto de vista de la sociedad actual. 

Maratón Star Wars

Con motivo del próximo estreno de Star wars VII, desde el Sitio de mi Recreo quieren rendir homenaje a la trilogía original con la proyección de los Episodios IV, V y VI. Puedes ir disfrazado y optar al premio del concurso de disfraces. ¡ Que la fuerza te acompañe! 

Lugar de celebración: Centro Juvenil El Sitio de mi Recreo (Villa de Vallecas) 

Fecha: sábado 14 de febrero de 2015 a las 12 horas 

Gratuito

Asteroide 2004 BL86

Ayer paso cerca de la Tierra el asteroide 2004 BL86 que tiene unos 325 metros de diámetro. Su tamaño permite que 2004 BL86 tenga su propio pequeño satélite orbitando a su vez el cuerpo central. Tal y como se aprecia en la imagen, "la luna" de 2004 BL86 es otro pequeño asteroide que gira alrededor. La imagen animada ha sido compuesta a partir de otras 20 tomadas con una resolución de 4 metros por pixel.

El cometa 2004B L86 con su luna. Fuente: NASA

El satélite tiene solo unos 70 metros de diámetro, tal y como muestran los datos del observatorio Goldstone. La existencia de una luna no es demasiado rara para un asteroide tan grande. El 16% de los asteroides de 200 o más metros de diámetro suelen presentar un sistema binario, es decir con un satélite orbitando a su alrededor, o incluso terciario, con dos satélites. La información fue obtenida mediante radar, con el cual se puede estudiar todo tipo de información: tamaño, forma, rotación o incluso la superficie que tienen los asteroides. Aunque con el radar es imposible obtener más datos sobre la composición o la evolución de 2004 BL86, podemos conocer perfectamente la trayectoria que lleva el asteroide y cual será su posición aproximada en el futuro.

0019. Sarah Vaughan - Sarah Vaughan At Mister Kelly's (1958)

Grabación y publicación:

Grabado en vivo en agosto de 1957 en el mítico club Mister Kelly’s de Chicago y lanzado ese mismo año por Mercury Records, este álbum capta a Sarah Vaughan en un momento de madurez plena, dominando cada nota con una mezcla de técnica, libertad y carisma escénico inigualable.

A diferencia de sus grabaciones de estudio, donde las cuerdas y los arreglos orquestales suelen rodearla con elegancia, aquí la acompañan sólo un trío de jazz: piano (Jimmy Jones), bajo (Richard Davis) y batería (Roy Haynes). Este entorno íntimo y crudo le da espacio a Sarah para experimentar, improvisar, bromear y deslumbrar.

Este disco no es solo una exhibición de virtuosismo vocal: es una clase magistral de cómo habitar una canción.

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Contexto:

Mediados de los años 50 fue una época de oro para los clubes de jazz en Estados Unidos. Mister Kelly's, ubicado en Chicago, era uno de esos lugares donde la intimidad del espacio creaba una conexión mágica entre artista y público. Y Sarah Vaughan —"Sassy" o "La Divina", como era conocida— era en ese momento una de las voces más importantes y técnicamente asombrosas del jazz vocal.

Con este álbum, Vaughan se despoja de los artificios y deja que su voz juegue en libertad absoluta: se mueve entre el bop, la balada, el swing, el scat, y lo hace todo con naturalidad insultante. Lo que otros hacen con esfuerzo, ella lo canta como si respirara.

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Análisis de temas destacados:

1. Willow Weep for Me
   Una de las baladas más hermosas del repertorio jazzístico. Sarah la convierte en un río de melancolía donde cada inflexión, cada pequeña caída tonal parece un suspiro controlado. El fraseo es pura emoción elegante.

2. Just One of Those Things
   Aquí empieza el swing desenfrenado. Vaughan va doblando las palabras, adelantándose, retrasando, rompiendo el compás sin perder nunca el hilo. Pura elasticidad rítmica.

3. Be Anything (But Be Mine)
   Un ejemplo perfecto de su capacidad para hacer íntimo lo teatral. La melodía se vuelve una súplica contenida, y cada nota es lanzada con una intención emocional quirúrgica.

4. Thou Swell
   Ligera, juguetona, casi caprichosa. Sarah se divierte, improvisa, convierte lo clásico en moderno sin esfuerzo. El público se ríe, la sigue, se deja llevar.

5. How High the Moon
   El momento más deslumbrante en términos de scat vocal. Su voz se convierte en un instrumento de viento, y Sarah demuestra que puede improvisar con la precisión de un saxofonista bebop.

6. Poor Butterfly
   Más que cantar, aquí narra. Es un lamento orientalista, interpretado con contención exquisita. Sarah no necesita elevar la voz para hacerte sentir cada palabra como un cuchillo suave.

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Conclusión:

Sarah Vaughan at Mister Kelly’s es uno de esos discos en vivo donde uno siente que algo especial está pasando frente al micrófono. No hay artificios, no hay multitracks, no hay segundas tomas: sólo una cantante en control absoluto de su instrumento, jugando con él, desafiándolo y acariciándolo a la vez.

Es también una fotografía sonora de la noche, del club, del jazz como experiencia viva. En este álbum, Sarah no solo canta: se comunica, se ríe, respira con el público. Pocas veces un disco en directo logra capturar tanta humanidad y virtuosismo a la vez.

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Listado de temas (edición original en LP):

1. September in the Rain

2. Willow Weep for Me

3. Just One of Those Things

4. Be Anything (But Be Mine)

5. Thou Swell

6. Stairway to the Stars

7. Honeysuckle Rose

8. Just a Gigolo

9. How High the Moon

10. Like Someone in Love

11. Poor Butterfly

12. Linger Awhile

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Greenpace en Perú

Una vez más los chic@s de Greenpace han conseguido llamar la atención. En está imagen se puede apreciar el daño causado en las líneas de Nazca en Perú.

Según el ministerio de cultura de Perú el daño causado a las líneas de Nazca por parte de activistas de Greenpeace que invadieron la zona prohibida ppuede que sea permanente.

En un vídeo publicado (y después eliminado) por Greenpeace se puede apreciar con mucho más detalle el daño causado a los jeroglíficos trazados hace miles de años por la cultura Nazca.

Tren directo de China a España

Ya está en camino el primer tren entre China y España, lo que supone uno de los servicios ferroviarios más largos del mundo, al recorrer nada menos que más de 10 mil kilometros en sus 21 días de viaje, para llegar desde la ciudad de Yiwu, conocida por ser una de las capitales mundiales de fabricación de productos para el consumo doméstico, hasta la capital de España, Madrid. En el camino, atravesará otros seis países: Kazajistán, Rusia, Bielorrusia, Polonia, Alemania y finalmente Francia. 

Con sus 82 vagones de carga promete ser una nueva conexión importante entre Europa y Asia a nivel de comercio e importación de productos de consumo básico.

0179. Black Sabbath – Black Sabbath (1970)

0179. Black Sabbath – Black Sabbath (1970)

Sello discográfico: Warner Bros.

Producción: Varios

Dirección artística: No consta

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 40:16

Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal, con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas y basamento temático en universos tétricos y místicosatánicos. Surgidos en 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael "Ozzy" Osbourne (nacido el 3 de diciembre de 1948), el guitarrista Tony Iommi (nacido el 19 de febrero de 1948), el bajista y letrista Terry "Geezer" Butler (nacido el 17 de julio de 1949) y el batería Bill Ward (nacido el 5 de mayo de 1948) comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente, interpretando sus primeras muestras ubicadas en patrones clásicos del blues-rock. En 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias imbuidas de magia, fantasía y ocultismo.

La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes según varias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava "Las tres caras del miedo" (1963) o emanado de la canción homónima escrita por Geezer Butler. 

Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo "Evil Woman/Wicked World", que pasaría desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su Lp debut, producido por Rodger Bain. "Black Sabbath" (1970) mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de su pétrea y atmosférica sonoridad, que nos  regalaba piezas maestras como "The Wizard","N.I.B." o el título homónimo. El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas, llegando al puesto número 8 en listas británicas.

Listado de temas:

1. Black Sabbath

2. Wizard

3. Behind the Wall of Sleep

4. N.I.B.

5. Evil Woman

6. Sleeping Village

7. The Warning

8. Wicked World

Opinión personal: Álbum agradable de principios de hard rock, metal. Creo que el álbum puede ser un poco repetitivo.

0171. Alexander 'Skip' Spence – Oar (1969)

Grabación y producción:

Grabado en Nashville, Tennessee, durante apenas dos semanas en diciembre de 1968, tras la salida de Spence de un hospital psiquiátrico. Fue producido por Spence mismo con mínima supervisión de Columbia Records, quien prácticamente abandonó el proyecto desde el inicio.

Publicación:

19 de mayo de 1969, por Columbia Records.

Concepto:

Oar es uno de los álbumes más extraños, frágiles y hermosos del siglo XX. Concebido por Spence tras un colapso psicótico (que incluyó un intento de derribar la puerta del baterista de Moby Grape con un hacha), este disco fue grabado en total soledad: Skip tocó todos los instrumentos y grabó las voces él mismo, en un aislamiento casi clínico.

No es un álbum que busca complacer. Es una confesión grabada, una libreta de pensamientos rotos, a medio camino entre el folk, el blues, la psicodelia y la demencia lúcida. Su vulnerabilidad, lejos de ser un defecto, lo ha convertido en un disco de culto y un precursor de todo el movimiento lo-fi, outsider y anti-folk.

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Análisis de temas destacados:

1. Little Hands
   Abre el disco con aparente ligereza, pero ya asoma la disonancia. Es una canción de cuna torcida, con tintes infantiles y al mismo tiempo perturbadores. Los coros desafinados y la instrumentación minimalista anuncian el tono general.

2. Cripple Creek
   Una reinterpretación libre de la canción tradicional. Aquí, Spence fragmenta el folk y lo presenta como un recuerdo deteriorado. La voz parece provenir de otra habitación, como si él mismo no supiera que está siendo grabado.

3. Weighted Down (The Prison Song)
   Una de las piezas más oscuras y reveladoras del disco. Habla de la opresión mental y física con una honestidad que duele. Las guitarras están afinadas de forma no estándar, el tempo es errático. El resultado es claustrofóbico y magnético.

4. Diana
   Posiblemente el momento más desgarrado del disco. Aquí Spence grita, susurra y aúlla con una emoción cruda, primitiva. Es un exorcismo más que una canción. Difícil de escuchar, imposible de olvidar.

5. War in Peace
   Psicodelia etérea y ambiente desorientador. Un viaje que recuerda a Syd Barrett, pero menos juguetón y más existencialmente perdido.

6. All Come to Meet Her
   Una breve pieza que roza lo celestial. Aquí el tono cambia momentáneamente: luz entre el humo, como una aparición fugaz de ternura y aceptación.

7. Broken Heart
   Quizás la más "canción" del disco. Melódica, triste, hermosa. La voz de Spence aquí es transparente, como si hablara desde otro plano. Es la confesión de alguien que ya no espera redención, solo comprensión.

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Conclusión:

Oar no es un álbum para todos. Es crudo, errático, profundamente humano. Pero para quienes se adentran en él, se convierte en una experiencia emocional devastadora y reveladora. Spence grabó este álbum como si fuera su testamento personal, sin expectativa comercial, sin filtros.

Más que un disco, Oar es un documento sonoro de la fragilidad mental, un álbum que convirtió el colapso psicológico en arte sin artificio. En el panorama musical actual, sigue siendo una pieza insustituible, valiente y adelantada a su tiempo.

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Listado de temas:

1. Little Hands

2. Cripple Creek

3. Diana

4. Margaret - Tiger Rug

5. Weighted Down (The Prison Song)

6. War in Peace

7. Broken Heart

8. All Come to Meet Her

9. Books of Moses

10. Dixie Peach Promenade (Yin for Yang)

11. Lawrence of Euphoria

12. Grey / Afro

13. This Time He Has Come

14. It's the Best Thing for You

15. Furry Heroine (Halo of Gold)

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0018. Ramblin' Jack Elliott - Jack Takes the Floor (1958)

Grabación y publicación:

Publicado originalmente por el sello británico Topic Records en 1958, Jack Takes the Floor fue el primer disco de larga duración de Ramblin’ Jack Elliott, un joven neoyorquino con alma de vaquero y corazón de trovador. Grabado en Londres mientras recorría Europa como un auténtico vagabundo folk, el álbum es una cápsula sonora de la tradición norteamericana, contada desde la voz de un joven que bebió directamente de la fuente: Woody Guthrie.

El título no engaña: Jack toma el piso, la escena, el micrófono… y cuenta historias. Solo con su guitarra y su voz nasal y arrastrada, va desgranando baladas, canciones tradicionales, cuentos y chistes con una naturalidad que parece improvisada pero está cargada de saber oral.

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Contexto:

A fines de los años 50, la música folk aún era un fenómeno marginal, rural y anticomercial. Elliott, discípulo directo de Guthrie, ayudó a mantener viva esa llama entre Europa y Estados Unidos cuando pocos se interesaban. Su estilo era rústico, sincero, profundamente informal. No buscaba pulido ni perfección: buscaba verdad.

Su influencia sería decisiva. Sin Elliott, probablemente no habría Bob Dylan tal como lo conocemos. Dylan lo imitó al principio hasta en el tono de voz. Pero más allá de ese legado, Jack Takes the Floor es importante por derecho propio: un mapa acústico de la cultura popular norteamericana.

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Análisis de temas destacados:

1. San Francisco Bay Blues
   Abre el disco con humor y ritmo, mezclando blues con swing campestre. Es un clásico del repertorio folk-blues y Elliott lo canta con naturalidad juguetona, como si lo hubiera compuesto ayer.

2. Bed Bug Blues
   Otra muestra de su amor por las canciones con personajes pintorescos. Elliott no solo canta, actúa los temas, los conversa, los revive.

3. Cocaine Blues
   Clásico de la tradición oral estadounidense, donde Jack narra con un tono desenfadado una historia trágica. La tensión entre la gravedad de la letra y su manera casi burlona de interpretarla le da fuerza narrativa.

4. Talking Blues
   Aquí brilla su herencia Guthrie. Más que cantar, declama, conversa, improvisa. El “talking blues” es una forma libre, una mezcla de canción y monólogo humorístico. Elliott lo domina como un trovador moderno.

5. I’m Gonna Tell God How You Treat Me
   Uno de los pocos momentos donde se asoma la solemnidad espiritual del folk negro. Su versión es cruda, casi desnuda, como un canto de fogata en la noche.

6. Roll on, Buddy
   Himno ferroviario que recuerda a los obreros, a los trenes y al movimiento perpetuo. La cadencia rítmica es hipnótica, y la interpretación tiene sabor a polvo de carretera.

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Conclusión:

Jack Takes the Floor no es un disco hecho para impresionar, sino para acompañar. Es como sentarse con alguien que ha recorrido miles de millas a dedo y tiene historias que contar. No hay arreglos, ni producción brillante, ni técnica vocal deslumbrante. Hay honestidad, humor, y herencia. Y eso es todo lo que necesita.

Ramblin’ Jack Elliott fue un eslabón fundamental entre la vieja tradición oral de Estados Unidos y el revival folk que estaba por llegar. Este disco es una de las grabaciones más puras y fieles a ese espíritu nómada, contestatario y profundamente humano del folk primitivo.

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Listado de temas (versión original del LP):

1. San Francisco Bay Blues

2. Bed Bug Blues

3. New York Town

4. Candy Man

5. I Belong to Glasgow

6. Salty Dog

7. Cocaine

8. Boll Weevil

9. Talking Blues

10. I’m Gonna Tell God How You Treat Me

11. Roll on, Buddy

12. Jack O' Diamonds

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Legado de Christopher Paolini

El último libro da título a la serie formada por: Eragon, Eldest, Brisingr y Legado.

El libro resulta aburrido hasta aproximadamente la página 300 mientras sitúa la acción final.

De Eragon y de los personajes no hay mucho que decir. Pienso que Roran  recibe demasiada importancia en la historia, pero lo entiendo si se mira desde la perspectiva de querer dar a entender que se puede ser decisivo en la batalla sin ser elfo o jinete… y mucho menos mago, y ahí entra Roran. El cambio de Eragon está justificado, ya que se había habituado a la batalla y la guerra coincidió con su paso a la edad madura, recordad que era un chiquillo cuando se abrió el huevo de Saphira y estos cambios en el carácter no son extraños… y lo de sus problemas en los enfrentamientos fue innecesario.

El final me ha gustado sin ser el que todos hubiésemos deseado, eso demuestra que hasta en la victoria uno no tiene por que ser feliz.