Ola gigante de 28 metros en España

La Red de boyas de Aguas Profundas de Puertos del Estado midió en enero de este año una ola de 27,81 metros de altura, que supone un récord en las registradas en aguas españolas, ha informado este miércoles el Ministerio de Fomento. El dato se tomó en la boya de Vilán-Sisargas (Cabo Vilán).

El anterior récord se había registrado en la boya Augusto González Linares, del IEO, con 26,13 metros, cerca de Santander, al paso de la ciclogénesis explosiva Klaus, el 24 de enero de 2009. 

Puertos del Estado explica en su escrito que la enorme ola medida por la boya de Vilán-Sisargas tiene la particularidad de tratarse de una freak weave (ola insólita o gigante), ya que la relación entre el valor de altura máxima y el de altura significante (en este caso, 12,4 metros), es mayor que 2.

0662. The Shamen - En-Tact (1990)

The Shamen

En-Tact (Edición Internacional)

Periodo: 1990–1991

Productores: The Shamen

Sello: One Little Indian / Epic

Contexto

Esta edición reposiciona el material para priorizar el impacto del sonido rave comercial. La colocación de Move Any Mountain como apertura define una nueva narrativa donde el hedonismo de club guía al oyente antes de adentrarse en la experimentación.

Análisis de Estilo

Un ejercicio de síntesis donde la vanguardia electrónica se alinea con la accesibilidad del pop. La producción destaca por su uso del sampling y una arquitectura rítmica que equilibra el hedonismo de club con estructuras de canción convencional.

Selección Temática

• Move Any Mountain (Progen 91): Motor del disco y paradigma crossover.
• Hyperreal: Puente estético entre radio y club.
• Human NRG: La crudeza del rave puro.
• Progen: Cierre circular hacia el origen sonoro.

Tracklist

1. Move Any Mountain 
2. Human NRG (Massey)
3. Possible Worlds: Deep PSI
4. Omega Amigo
5. Evil Is Even - Edit
6. Hyperreal Orbit
7. Lightspan
8. Make It Mine 
9. Oxigen Restriction
10. Hear Me
11. 666 Edit
12. Make It Minimal
13. Hyperrreal Selector.
14. Lightspan Soundwave
15. Progen 91 (I.R.P. In The Land Of Oz)

0457. Cramps – Songs the Lord Taught Us (1980)

0457. Cramps – Songs the Lord Taught Us (1980)

Otro de los grandes discos de este grupo de punk rock de todos los tiempos como son los inigualables The Cramps, cuarteto compuesto en un principio por dos chicas y dos chicos, siendo una de ellas al bajo y la otra a la guitarra y los otros dos como cantante y el otro como bateria, tomando las riendas del grupo como lideres principales de la banda, tanto la guitarrista poison ivy, como el cantante lux interior, dos jóvenes intrepidos que en el año 1971, que se conocieron en el High School, y con gustos similares en lo referente a la música por temas como el rockabilly sucio y menos comercial de los años 50´s, más el sonido garage de los 60´s, ellos quisieron desde un principio juntar esos dos sonidos mezclado con la gran esencia del rockabilly al estilo de jhonny burnette y otros de aquella época, junto con el estilo de Link wray con temas muy parecidos.

El sonido que querian lo sacaron a la primera y con toques de punk rock luego bien reconocidos más tarde por los grandes grupos de punk rock de la escena, como es el caso de los Sex Pistols y de los Clash, ya que se influenciaban mucho en el principio de los cramps estos y otros muchos grupos, prueba de ello, es que ha versiones de los cramps sacadas en mitad de los años 70´s, antes de la aparición del punk

rock, de viejas canciones gloriosas de los años 50´s, hechas al estilo cramps, pero que en los finales de esa década y principio de los 80´s, pusieron de moda grupos como Sex Pistols, Cramps, Ramones, etc...; pero antes ya la habían grabado este grupo Americano llamado The Cramps.

Las versiones que meten de canciones de otras épocas pasadas a la suya, son el tema de Tear It Up, Twist and Shout y la de Fever de Elvis, pero al estilo rockabilly oscuro como bien sabían hacer este grupo de más connotaciones de punk rock que de rockabilly, lo demás son canciones de ellos, con letras sucias, y nada de letras de amores y tal como siempre pasa con la mayoría de canciones, ya que aquí los cramps se recrean más sus letras basadas en peliculas de la serie B.

Listado de temas:

1.TV Set
2.Rock on the Moon
3.Garbageman
4.I Was a Teenage Werewolf
5.Sunglasses After Dark
6.Mad Daddy, The
7.Mystery Plane
8.Zombie Dance
9.What's Behind the Mask
10.Strychnine
11.I'm Cramped
12.Tear It Up
13.Fever
14.I Was a Teenage Werewolf - (original mix)
15.Mystery Plane - (original mix)
16.Twist and Shout - (previously unreleased)
17.I'm Cramped - (original mix)
18.Mad Daddy, The - (original mix)

Opinión personal: El punk comienza aquí, no es lo que más me gusta. No sé, esperaba que me gustara y me ha decepcionado.

¿Calentamiento Global?

El hielo alrededor de la Antártida bate su récord de extensión desde que se realizan mediciones. Durante el pasado mes de septiembre la capa de hielo alrededor de la Antártida ha alcanzado la mayor extensión desde que se realizan mediciones fiables hace más de tres décadas, a finales de los 70. 

También hay que señalar que en los dos últimos años la extensión de hielo en el Polo Norte ha crecido de forma significativa: el mínimo de verano alcanzado también en el mes de septiembre fue de 5.02 millones de metros cuadrados, 1,6 millones más que en 2012. 

Esta tendencia al crecimiento del hielo antártico no había sido prevista por ningún modelo científico de los que se manejan habitualmente para demostrar el cambio climático y, en última instancia, el calentamiento del planeta.

0178. Spirit – Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)

0178. Spirit – Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)

Sello discográfico: Epic

Producción: David Briggs

Dirección artística: John Locke • Bruce McCauley

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 38:50

Este álbum es uno de los trabajos imprescindibles de este gran grupo psicodélico angelino surgido a mediados de los años 60 y que nos ha legado gemas como “Spirit” (1968), “That Family that Plays Together” (1968) o este “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (1970), probablemente la cumbre del grupo de Jay Ferguson y Randy California. Bueno, y también de Ed Cassidy, un veterano del jazz y padrastro del propio California.

Se trata de un disco conceptual en base a los pasajes oníricosecológicos del tal doctor sarcástico. La producción corre a cargo de David Briggs, y el disco es una maravilla psicoprogresiva que contiene hermosos pasajes acústicos folk con grandes melodías pop y encantadoras armonías vocales que comparten sitio con escenarios hard rock de aliento blues, funk, country y jazz, con influencias clave de la Jimi Hendrix Experience, de Traffic y de Cream.

El disco se inicia en un tono calmo con un preludio folk, muy bello a nivel melódico, para enardecerse en la sección de “Nothin’ to Hide” (“no tenemos nada que esconder, estamos casados con la misma novia”) y facturar un acid-rock con grata combinación de voces y arreglos imponentes de viento fusionados que impulsan la pieza en una coda final llena de energía con un trasfondo noise de guitarras de tipo lisérgico.

“Nature’s Way” es una pieza folk de sobresaliente melodía, voz cáliday confesional, y preocupación ecológica con percusión a lo Phil Spector. También la canción, escrita por California, depara armonías y juegos vocales de primer orden.

El sonido de un automóvil abre “Animal Zoo”, diatriba hippiesca en tono satírico en contra del mundo urbano. Está compuesta por Ferguson y desarrolla, con un excelente trabajo en al bajo de Mark Andes, una notable pieza rock con trazas funk, country y blues. “Love Has Found a Way” combinando efectos psicodélicos con alguna voz de corte soul y el sonido de un vibráfono, enlaza con la preciosa balada (no puede ser mejor a nivel melódico) “Why Can’t I Be Free”, corta canción acústica en la cual Randy, con armonías ejemplares de Ferguson y Andes, se lamenta ante la falta de libertad. Ferguson aporta dosis de funk con “Mr. Skin”, apodo del batería Ed Cassidy, rítmico tema con exuberantes arreglos de viento y un vibrante “na,na,na,na,na…”, imposible no cantar acompañando el estribillo.

“Space Child” es un instrumental escrito por el teclista John Locke (nada que ver con el filósofo) en donde con piano y el moog logra una atrapante atmósfera de corte (haciendo honor al título) espacial-psicodélica, con algún pasaje jazz y eco agaviotado similar al “Tomorrow Never Knows” de los Beatles.

El medio tiempo “When I Touch You”, otro corte de Ferguson, es uno de los temas, con basamento psicodélico, con sonidos más hard rock del álbum. Detenta unas hechizantes texturas en su mágico desarrollo y una misteriosa atmósfera parecida a lo que podrían ofertar los Black Sabbath en el mismo año. El aporte a la creación de la misma de California en las seis cuerdas resulta más que decisivo para el éxito de esta gran pieza.

Un animado piano ocupa la intro de “Street Worm”, otra grancanción rock de Ferguson sobre la libertad y un miramiento optimista, se supone que irónico, a la vida urbana, con sonidos que parecen mezclar a Traffic con los Who. 

Randy California escribe la acústica “Life Has Just Begun” y retoma pautas de folk psicodélico con sensacionales armonías vocales y variantes melódicas de excepción. Magnífico tema con evocativo piano de Locke. También Randy es el responsable de las dos últimas canciones de este esencial disco. “Morning Will Come” es una pieza optimista y magistral de power pop con sonidos soul de Stax (incluso en dejes vocales y empleo del boogie-rock parece preludiar el glamrock de T. Rex y compañía). Posee sentido melódico, fuerza, un sensacional estribillo, arreglos sublimes de viento….obra maestra.

El álbum, otra joya del mejor período de la historia del rock, se cierra con la balada de piano “Soldier”. De tono melancólico es una auténtica beldad y la delicada combinación vocal la podrían formar los mismísimos Zombies del “Odessey & Oracle”. o los ya míticos hermanos Brian Wilson de su etapa psicodélica.

Listado de temas
01. Prelude - Nothin' To Hide
02. Nature's Way
03. Animal Zoo
04. Love Has Found A Way
05. Why Can't I Be Free
06. Mr. Skin
07. Space Child
08. When I Touch You
09. Street Worm
10. Life Has Just Begun
11. Morning Will Come
12. Soldier
13. Rougher Road
14. Animal Zoo [Mono Single Version]
15. Morning Will Come

0027. Muddy Waters – At Newport (1960)

Grabado en vivo el 3 de julio de 1960 durante el Newport Jazz Festival y publicado ese mismo año por Chess Records, este álbum captura algo más que una simple actuación: es la electrificación ceremonial del blues frente al mundo. En un momento donde los Estados Unidos se debatían entre la tradición y el cambio, Muddy Waters —el gran arquitecto del blues de Chicago— subió al escenario como un huracán en carne viva, y dejó registrado uno de los discos en vivo más legendarios de la música afroamericana del siglo XX.

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Contexto histórico y simbólico

El Newport Jazz Festival había comenzado a abrir tímidamente sus puertas al blues, pero la inclusión de Muddy fue aún vista por algunos como una apuesta arriesgada. La noche anterior a su presentación, disturbios provocaron tensión en el evento. Al día siguiente, cuando Muddy y su banda tomaron el escenario, no solo estaban tocando música: estaban reivindicando una cultura.

Frente a una audiencia mayoritariamente blanca e intelectualizada, Muddy rompió cualquier barrera cultural con fuerza cruda y elegancia rítmica. La potencia de su voz, la electricidad de su slide guitar y la intensidad de su banda marcaron el momento en que el blues dejó de ser considerado una curiosidad folclórica para convertirse en una fuerza legítima y moderna.

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Análisis musical

El disco es un manifiesto eléctrico. La banda —compuesta por gigantes como Otis Spann (piano), James Cotton (armónica), Pat Hare (guitarra), Andrew Stephenson (bajo) y Francis Clay (batería)— funciona como una sola criatura rítmica, afilada, explosiva.

• “I’ve Got My Brand on You” abre con un tempo lento y sensual, donde Muddy canta con una mezcla de amenaza y carisma. El piano de Spann marca un tono íntimo y poderoso.

• “I’m Your Hoochie Coochie Man” irrumpe como un ritual de masculinidad: declarativo, grave, innegociable. Cada pausa es una bomba de tensión.

• “Baby, Please Don’t Go” acelera el pulso. Cotton ruge con su armónica y la banda suena como una locomotora.

• “Got My Mojo Working (Parts 1 y 2)” es el clímax absoluto. Es herejía llamarlo “sólo” blues: es energía pura, llamada y respuesta, trance eléctrico. La audiencia responde, grita, se incorpora al rito.

• “Tiger in Your Tank” y “I Feel So Good” muestran a Muddy en su faceta más lúdica y vibrante, con un ritmo que coquetea con el rock primitivo.

• “Soon Forgotten” aporta un color más introspectivo, casi jazzístico, donde Spann se luce al piano y Muddy canta como un crooner del delta.

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Legado y trascendencia

Este disco no solo confirmó la estatura de Muddy Waters; redibujó los límites del blues. Fue piedra angular para el renacimiento del género en los 60, especialmente entre músicos británicos como The Rolling Stones, Led Zeppelin o Eric Clapton, quienes escucharon este álbum como un llamado iniciático.

La famosa portada —con Muddy blandiendo su guitarra como si fuera un arma— se convirtió en símbolo visual de una música que ya no pedía permiso, sino que reclamaba su lugar en la historia.

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Listado de temas:

1. I’ve Got My Brand on You

2. I’m Your Hoochie Coochie Man

3. Baby, Please Don’t Go

4. Soon Forgotten

5. Tiger in Your Tank

6. I Feel So Good

7. I've Got My Mojo Working

8. I've Got My Mojo Working, Part 2

9. Goodbye Newport Blues

10. I Got My Brand on You - (bonus track)

11. Soon Forgotten - (bonus track)

12. Tiger in Your Tank - (bonus track)

13. Meanest Woman - (bonus track)

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0017. Billie Holiday – Lady in Satin (1958)

Grabación y publicación:

Grabado entre febrero y marzo de 1958 y publicado ese mismo año por Columbia Records, Lady in Satin es el penúltimo álbum de estudio de Billie Holiday y, sin duda, uno de los más dolorosamente bellos de toda su carrera. A diferencia de los registros más crudos y jazzeros de su juventud, aquí la acompañan cuidadosos arreglos orquestales del maestro Ray Ellis, pensados como un marco lujoso, incluso cinematográfico, para una voz rota, temblorosa y completamente humana.

Este no es un disco para encontrar virtuosismo técnico. Es un álbum donde la emoción está desnuda, sin filtros, y donde cada grieta vocal se convierte en verdad emocional. Holiday, enferma, frágil, marcada por las adicciones y por una vida de racismo, abuso y desamor, canta aquí como quien se despide de todo.

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Contexto:

A finales de los años 50, Billie ya era una leyenda viva, pero también una figura trágica. Sus días de gloria con Lester Young y Teddy Wilson habían quedado atrás. Su voz —que en los años 30 y 40 era ligera, irónica, ágil— ahora era áspera, baja, casi resquebrajada. Sin embargo, fue justamente en ese momento cuando ella decidió grabar Lady in Satin, no como un regreso, sino como un testamento emocional.

Lo hizo con una gran orquesta, con cuerdas, coros y arreglos que remiten más al pop vocal tradicional que al jazz, pero lo importante aquí no es el estilo, sino la entrega emocional total. Holiday transforma baladas sentimentales y estándares románticos en confesiones existenciales.

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Análisis de temas destacados:

1. I'm a Fool to Want You
   Abre el disco como un lamento sin escudo. Su voz entra como si ya estuviera llorando antes de que suene la primera nota. La canción —compuesta por Frank Sinatra, entre otros— se vuelve, en su boca, una súplica desolada.

2. For Heaven's Sake
   Aquí canta no para seducir, sino para implorar, con una dulzura rota. La fragilidad de su voz, sostenida por las cuerdas, parte el alma.

3. You Don't Know What Love Is
   Uno de los puntos más conmovedores del disco. Billie no solo canta la letra: la vive, la encarna, como si cada palabra hubiera sido escrita para ella y por ella. La orquesta flota detrás, sin interferir.

4. I Get Along Without You Very Well
   El sarcasmo del título se desvanece al oírla. Billie no se engaña ni engaña al oyente: no se está recuperando, sigue rota.

5. Violets for Your Furs
   Menos oscura, con cierto aire de melancolía elegante. Pero incluso aquí, el vibrato tembloroso de Holiday hace que cada frase parezca una despedida.

6. I'll Be Around
   Quizás la canción más estoica del álbum. Hay una cierta dignidad en su entrega, como si dijera: “me iré, pero quedaré aquí, en tu recuerdo”.

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Conclusión:

Lady in Satin no es un disco de jazz en el sentido clásico. Es un réquiem emocional, un diario íntimo musicalizado, un susurro al oído del oyente. La voz de Billie Holiday ya no es la que fue, pero eso no importa: es mucho más expresiva, más real, más humana. Cada temblor, cada nota fuera de tono, cada suspiro, cuenta una historia de vida y de pérdida.

Este álbum no busca entretener ni brillar: busca herirte, pero con belleza. Es Billie al borde del abismo, pero con una elegancia insoportable.

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Listado de temas:

1. I'm a Fool to Want You

2. For Heaven's Sake

3. You Don't Know What Love Is

4. I Get Along Without You Very Well

5. For All We Know

6. Violets for Your

7. You've Changed

8. It's Easy to Remember

9. But Beautiful

10. Glad to Be Unhappy

11. I'll Be Around

12. The End of a Love Affair (Mono)

13. I'm a Fool to Want You (take 3)

14. I'm a Fool to Want You (take 2)

15. The End of a Love Affair (stereo)

16. Pause Track

Cuentos desde el reino peligroso

Cuentos desde el Reino Peligroso reúne en un único volumen cinco relatos de fantasía y aventuras escritos por J. R. R. Tolkien que reafirman su papel como contador de historias para lectores de todas las edades. Las aventuras de «Roverandom», un perro de juguete; de «Egidio, el granjero de Ham» elegido para luchar contra el dragón; «Las aventuras de Tom Bombadil» con hobbits, princesas, enanos y trolls; de «El herrero de Wootton Mayor» en el País de las Hadas y de «Hoja de Niggle», un pintor que emprende la imposible tarea de pintar el árbol perfecto, se presentan en esta colección ilustrada por el reconocido artista Alan Lee, quien también aporta un epílogo.

Se incluye además una introducción del experto en Tolkien, Tom Shippey, y el ensayo «Sobre los cuentos de hadas», escrito por Tolkien, que ofrece una cautivadora mirada a la imaginación del autor de El Hobbit.

Los que más me han gustado han sido Roverandom y Hoja de Niggle

0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)

0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)

El jazz ha sido siempre una música de fusión. Desde sus inicios a fines del siglo XIX, el jazz se desarrolla y evoluciona sin mayores pretensiones mezclando con gran facilidad la música popular norteamericana, el son cubano, la samba brasilero, el tango argentino, entre otros géneros. En su enfoque contemporáneo, el jazz mantiene las huellas que dejaron estos estilos. Sin embargo, el concepto de fusión en el jazz se torna más evidente y relevante hacia fines de la década de los años 60 y especialmente por Miles Davis y su obra Bitches Brew. Este álbum es el resultado de la combinación de ideas que venía forjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya había usado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como también post producciones en el estudio. (In a Silent Way y Filles de Kilimanjaro).

En Bitches Brew usa todos estos elementos y crea un álbum de improvisaciones. En vez de preocuparse de crear armonías sofisticadas o experimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodías sobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos. En su autobiografía Miles relata: "Yo conducía, como un

director de orquesta, cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien o le indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la música crecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un proceso del desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o un motif, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta cierto punto, le pedía a un músico que tocara algo diferente". Una jam session magistral.

El surco más interesante es Bitches Brew dura 26 minutos – es un resumen del disco. Dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso. El tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero en grabarse. Ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a los músicos mientras improvisan. Un ejemplo ocurre en el séptimo minuto. El grupo aparentemente ha perdido el hilo de la improvisación y está a punto de fracasar. Miles dice: "Keep it like that!", segundos después, cuando el tema recobra brío, se dirige a McLaughlin : "John!", éste se hace cargo y el tema resucita. En Bitches Brew hubo un brillante e innovador trabajo de postproducción; obra de Teo Macero quien, junto a Miles, pero más veces por si solo, escogió las tomas, las editó y creó de todo eso el producto final. Usó cámaras de eco, reverberación y "loops" o repeticiones para alargar ciertos trozos de cinta. En Pharaohs's Dance de Zawinul, un tema con toques orientales y un ritmo casi inexplicable, Davis y Shorter crean un mantra jazzístico; el piano rhodes de Zawinul es lúgubre. McLaughlin y Maupin también participan en la improvisación. Las ventas de LP durante el primer año llegaron a 400 mil copias, algo sin precedente para Davis, su álbum que más había vendido hasta entonces sólo alcanzó a vender 100 mil copias. Algunos críticos acusaron a Davis de haberse vendido al mercado pop. Sin embargo, lo extraordinario de Bitches Brew es que Miles en ningún momento imita las tendencias del pop o del rock de la época.

Todos los surcos del LP doble original duran más de 10 minutos, excepto "John McLaughlin" con poco más de 4 minutos. Esto eliminó las posibilidades de exposición en las radios pop. No hay arreglos, ni melodías, ni ritmos bailables, ni canciones con letras fáciles de memorizar. Con Bitches Brew Miles agregó a su público hordas de fans del rock, pero también perdió el apoyo de sus fieles seguidores. El nuevo vocabulario musical e instrumentación electrónica que Davis introdujo no les interesó y lo abandonaron permanentemente. Después de casi 40 años, Bitches Brew se mantiene como una obra sólida que exige el respeto de críticos y aficionados. Se puede decir tanto de esta música, pero prefiero que hable por si sola. He pasado muchas sesiones escuchando las distintas ediciones de Bitches Brew, y me vienen tantas imágenes e ideas mientras escucho. Cada sesión es diferente, siempre descubro algo nuevo y fascinante.

Listado de temas:
1. Pharaoh's Dance
2. Bitches Brew
3. Spanish Key
4. John Mclaughlin
5. Miles Runs The Voodoo Down
6. Sanctuary

0463. Judas Priest - British Steel

Grabación y publicación:

British Steel fue grabado en los estudios Startling Studios de Ringo Starr (ubicados en la campiña inglesa de Berkshire) durante febrero de 1980, y se publicó el 14 de abril de ese mismo año a través de Columbia Records. Fue producido por Tom Allom, quien ya había trabajado con la banda en Unleashed in the East (1979) y se consolidó aquí como un arquitecto del sonido más directo y accesible de Judas Priest.

Este fue el primer álbum grabado con el baterista Dave Holland, y marcó un cambio de rumbo: una simplificación del sonido, sin perder fuerza, pensada para alcanzar un público más amplio.

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Contexto y estilo:

A fines de los 70s, el heavy metal tradicional británico comenzaba a consolidarse como una fuerza global, pero enfrentaba una identidad difusa entre los excesos del hard rock y la llegada del punk. Con British Steel, Judas Priest destiló el heavy metal en su forma más pura y accesible, convirtiéndose en pioneros del sonido que luego definiría a la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), junto a Iron Maiden y Saxon.

Este disco esencializó los riffs metálicos, eliminando adornos progresivos y dándole prioridad al gancho melódico, las letras combativas y los coros poderosos. La portada, con una cuchilla de afeitar sostenida entre los dedos, es ya parte del canon visual del género.

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Análisis de temas destacados:

• “Breaking the Law”: Uno de los himnos más icónicos del heavy metal. Riff simple y explosivo, letra de rebelión urbana, y una duración perfecta para las radios. Su influencia se extiende mucho más allá del metal: es puro arquetipo de actitud.

• “Rapid Fire”: Abre el álbum a toda velocidad. Anticipa, de hecho, la agresividad del thrash metal con un ritmo galopante y guitarras gemelas afiladas. Rob Halford escupe las letras con una energía casi punk.

• “Metal Gods”: Tema de cadencia marcial y sonido futurista. Las letras —una metáfora de los dioses metálicos que destruyen a la humanidad— se convertirían en una de las marcas de identidad de la banda. Aquí comienza el culto a los “metal gods” que perdura hasta hoy.

• “Living After Midnight”: Otro éxito rotundo. Más hard rock que metal puro, con un riff pegajoso y espíritu festivo. Se convirtió en un clásico inmediato en vivo y mostró el costado más comercial de Judas Priest sin perder credibilidad.

• “Grinder”: Duro, oscuro, con un riff pesado que anticipa el groove metal de los 90. Letra en clave de lucha por la libertad individual.

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Conclusión:

British Steel no solo es un hito en la discografía de Judas Priest, es una piedra angular en la historia del heavy metal. Aporta una fórmula que inspiraría décadas de metal clásico y moderno: riffs gancheros, producción pulida, actitud desafiante y estribillos coreables.

Es un disco que equilibra la agresividad con la accesibilidad y que transformó a Judas Priest en una banda de estadios. Sin British Steel, probablemente el heavy metal no habría alcanzado el mismo nivel de penetración en la cultura popular de los 80s.

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Listado de temas:

1. Rapid Fire

2. Metal Gods

3. Breaking the Law

4. Grinder

5. United

6. You Don't Have to Be Old to Be Wise

7. Living After Midnight

8. The Rage

9. Steeler

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Superluna

Superluna es un fenómeno curioso por el que vemos a la luna más grande y brillante que otros días. Este fenómeno se da cuando la luna llena coincide con el momento del perigeo, es decir cuando su órbita la acerca más a la Tierra (unos 356.000 kilómetros) causando que se vea más grande y brillante de lo normal. 

La razón por la cual la luna no siempre está a la misma distancia de nuestro planeta es porque su órbita es elíptica y el centro no corresponde con el centro de la Tierra, por lo tanto hay momentos en que está más cerca y otros en que está más lejos. 

En 2014 podemos disfrutar de tres superlunas consecutivas en periodos relativamente cortos de tiempo: 12 de julio, 10 de agosto y 9 de septiembre 

La superluna de agosto es especialmente importante pues será luna llena a menos de una hora del perigeo por lo que será posible verla ligeramente más grande y brillante. La última vez que paso algo similar fue el 19 de marzo de 2011 cuando la superluna llena estuvo a menos de una hora del perigeo. 

0456. AC/DC – Back in Black (1980)

0456. AC/DC – Back in Black (1980)

AC/DC, banda de hard rock formada en Sydney (Australia) en 1973 por los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young.

Aunque llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y los catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de la década de 1980, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década de 1990. En 1993, el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película El último gran héroe, de John McTiernan e interpretada por Arnold Schwarzenegger; alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995, grabaron el disco Ballbreaker y en el 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde.

Han vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo, y de ellos 71 millones han sido vendidos en los Estados Unidos. Back in Black ha vendido aproximadamente 42 millones de unidades en el mundo y 22 millones solo Estados Unidos, De manera que es el 5º álbum de mayor venta de todos los tiempos en los EE. UU. y entre los álbumes más vendidos de toda la historia detrás de Thriller en el mundo. Han llegado a ocupar el cuarto puesto en la lista de VH1 "100 Greatest Artists of Hard Rock" (Los 100 mejores artistas de Hard Rock) y ocuparon el 7º puesto en la lista de MTV "Greatest Heavy Metal Band Of All Time" (Las mejores bandas de Heavy Metal de todos los tiempos). Además la canción "Back In Black" se ubicó en el

segundo puesto en el programa "Las 100 más Grandiosas Canciones del Hard Rock".

Listado de temas:
1.Hells Bells
2.Shoot to Thrill
3.What Do You Do For Money Honey
4.Given the Dog a Bone
5.Let Me Put My Love Into You
6.Back in Black
7.You Shook Me All Night Long
8.Have a Drink on Me
9.Shake a Leg
10.Rock and Roll Ain't Noise Pollution

0029. Everly Brothers - A Date With the Everly Brothers (1960)

Grabación y producción:

Grabado entre 1959 y 1960 en Nashville, con producción a cargo de Bill Porter y el respaldo de Chet Atkins, pieza clave en el llamado “Nashville Sound”. Fue publicado bajo el sello Warner Bros. Records, tras la transición del dúo desde Cadence Records.

Publicación:

24 de octubre de 1960.

Concepto:

A Date With the Everly Brothers no es un álbum conceptual en el sentido moderno, pero funciona como un retrato claro del estilo, elegancia y potencia vocal del dúo en su punto más influyente. Combina baladas con un pie en el country y piezas rápidas de tintes rockabilly, todo envuelto por las armonías impecables que los hicieron leyenda.

Si bien el disco incluye grandes éxitos como “Cathy’s Clown”, también ofrece cortes menos conocidos que demuestran una sensibilidad melódica sofisticada y una sorprendente economía emocional. Las guitarras acústicas, las líneas eléctricas limpias y el acompañamiento discreto permiten que las voces se conviertan en el verdadero instrumento central.

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Análisis de temas destacados:

1. Made to Love
   El álbum abre con fuerza. Energía contagiosa y estructura simple que se apoya en las armonías precisas de Don y Phil. Es un rock & roll suave pero efectivo, cargado de juventud y seguridad.

2. That’s Just Too Much
   Melancólica y casi desesperada. Aquí los Everly suenan más country que rock, y eso les sienta bien. Las guitarras punteadas y el ritmo lento acentúan el dramatismo.

3. Stick With Me Baby
   Cortesía de Felice y Boudleaux Bryant, los compositores fetiche del dúo. Es íntima, suave, y perfecta para mostrar cómo los Everly Brothers dominaban el arte de la balada sin caer en lo cursi.

4. Baby What You Want Me to Do
   Una versión del clásico de Jimmy Reed. Aquí aparece una veta más rítmica y blusera, aunque suavizada por el toque Everly. Contrasta con el resto del álbum y añade variedad.

5. Cathy’s Clown
   Sin duda el plato fuerte. Fue el primer gran éxito de los Everly en Warner, y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de su carrera. La melodía, el ritmo quebrado y esa sensación de orgullo herido lo hacen un clásico atemporal. La mezcla de dramatismo adolescente y perfección melódica no tiene comparación.

6. Lucille
   Adaptación energética del tema de Little Richard. Aquí se sueltan un poco más, mostrando su capacidad para interpretar material más explosivo sin perder su sello.

7. Love Hurts
   Antes de que la hiciera famosa Nazareth, los Everly grabaron esta joya devastadora. La versión es contenida, pero poderosa. Suena a resignación más que a furia, y por eso es aún más efectiva.

8. Donna, Donna
   Cierra el disco con un aire casi folk. Curiosa, introspectiva, y distinta. Es el tipo de canción que revela que los Everly no solo sabían armonizar, sabían elegir repertorio con inteligencia.

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Conclusión:

A Date With the Everly Brothers captura el equilibrio perfecto entre juventud e introspección, entre el ímpetu del rock & roll y la dulzura melancólica del country-pop. Más que un simple álbum de éxitos, es un documento de cómo dos voces pueden generar una alquimia irrepetible.

La influencia del dúo es directa en artistas como The Beatles, Simon & Garfunkel o Nick Drake. Y este álbum es un ejemplo de cómo el talento vocal y el sentido del arreglo pueden elevar canciones sencillas a la categoría de arte popular duradero.

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Listado de temas:

1. Made to Love

2. That’s Just Too Much

3. Stick With Me Baby

4. Baby What You Want Me to Do

5. Sigh, Cry, Almost Die

6. Always It’s You

7. Love Hurts

8. Lucille

9. So How Come (No One Loves Me)

10. Donna, Donna

11. A Change of Heart

12. Cathy’s Clown

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0455. Dexys Midnight Runners – Searching for the Young Soul Rebels (1980)

0455. Dexys Midnight Runners – Searching for the Young Soul Rebels (1980)

El debut de los Dexy´S Midnight Runners es de esa clase de discos de debut, de esos discos que te hacen desear haber estado "allí" y "entonces". Surgió en 1980, en un momento en el que el terremoto punk parecía definitivamente desactivado y el aburguesamiento musical volvía a campar por sus fueros con el retorno al dominio de las listas de las mismas super-estrellas decadentes que el punk había pretendido derrocar, y que todavía se encontraban fuera de una buena forma artística que tristemente algunos nunca recuperarían.

Y, como siempre ocurre, de las calles (en este caso de las de Birminghan) surgió el detonante: la Nueva Visión Soul, un latigazo residual pero refrescante de energía punk canalizada por otros medios.

Kevin Rowland y Kevin Archer eran los líderes de una banda que fusionaba la vehemencia del punk y la sensibilidad melódica del pop con el infeccioso, y entonces casi olvidado, sonido soul de la Stax.

Haz sonar este disco y por un instante volverás al momento y el lugar. Por un instante, y aunque no estuvieras "allí y entonces", creerás sin dudas en la promesa de un futuro mejor que ya está en el pasado. Por eso "Searching For The Young Soul Rebels" es un disco absolutamente imprescindible.

Listado de temas:
1.Burn It Down
2.Tell Me My Lights Turn Green
3.Teams That Meet in the Caffs
4.I'm Just Looking
5.Geno
6.Seven Days Too Long
7.I Couldn't Help If I Tried
8.Thankfully Not Living in Yorkshire Doesn't Apply
9.Keep It
10.Love Part One
11.There There My Dear

0174. Derek & the Dominos - Layla And Other Assorted Love Songs (1970)

Grabación y publicación:

Grabado entre agosto y septiembre de 1970 en Criteria Studios (Miami) con producción de Tom Dowd, el álbum fue publicado en noviembre de ese mismo año por Atco Records (subsello de Atlantic). La banda —formada como proyecto de una sola vez— estaba liderada por Eric Clapton, acompañado de Bobby Whitlock, Carl Radle y Jim Gordon, junto al invitado esencial: Duane Allman, de The Allman Brothers Band.

Concepto:

Layla and Other Assorted Love Songs es un disco profundamente confesional, ardiente y caótico, hecho en un momento donde el alma de Clapton estaba partida en dos: su lucha con la adicción y su amor no correspondido por Pattie Boyd (la esposa de su amigo George Harrison). En lugar de esconderlo, Clapton lo vierte todo en un doble álbum que suena a desgarro, a deseo, a obsesión. El resultado: un clásico inesperado del rock-blues, que no fue un éxito inmediato pero que con el tiempo se volvió referencia absoluta.

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Análisis de temas destacados:

1. I Looked Away
   El disco abre sin rodeos con un tema que parece menor, pero que ya deja entrever el tono emocional del álbum. La voz de Clapton está rota, pero firme, mientras Whitlock complementa con coros cálidos.

2. Bell Bottom Blues
   Aquí aparece la fragilidad con toda su fuerza. Clapton canta desde la desesperación: “Do you want me to crawl back to you?”. Uno de los temas más melódicos y confesionales del disco. Piano, guitarra y voz avanzan con una tristeza resignada, pero hermosa.

3. Keep On Growing
   Primer estallido de blues-rock con groove. Guitarras sobrepuestas, fraseo suelto, y un jam eléctrico que comienza a mostrar la química entre Clapton y Allman.

4. Nobody Knows You When You're Down and Out
   Cover clásico del repertorio de Bessie Smith. En manos del grupo, suena orgánico, con un aire relajado pero sólido. Aporta al disco ese tono de blues de bar a medianoche, íntimo y cálido.

5. Have You Ever Loved a Woman
   Quizá la declaración más directa de Clapton sobre Pattie Boyd. Un slow blues denso, que avanza como confesión más que como canción. Las guitarras lloran, literalmente. No es actuación.

6. Layla
   El momento cumbre. Doble sección: primero, el riff mítico, esa guitarra como aullido, desesperada y urgente. Luego, el inesperado piano final de Jim Gordon (con arreglo no acreditado a su novia Rita Coolidge), que convierte el lamento en epifanía. Es quizás la mejor síntesis de dolor romántico en la historia del rock.

7. Thorn Tree in the Garden
   Cierra el álbum con un lamento acústico de Bobby Whitlock. Íntimo, campestre, casi una carta abandonada en un porche vacío. Una despedida suave después del huracán emocional.

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Conclusión:

Layla and Other Assorted Love Songs es una implosión emocional con forma de disco, un testamento de pasión no correspondida y crisis interna convertido en arte. Su desorden, su fuerza, su tristeza, lo convierten en una obra tan humana como imperfecta. No es un álbum pulido: es una herida abierta cantada con distorsión, soul y entrega.

La guitarra de Duane Allman actúa como eco del corazón de Clapton: aguda, melódica, desesperada. Y aunque el grupo solo existió para este álbum, lo que lograron aquí supera décadas de carreras enteras.

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Listado de temas:

Disco 1:

1. I Looked Away

2. Bell Bottom Blues

3. Keep On Growing

4. Nobody Knows You When You're Down and Out

5. I Am Yours

6. Anyday

7. Key to the Highway

Disco 2:

8. Tell the Truth

9. Why Does Love Got to Be So Sad?

10. Have You Ever Loved a Woman

11. Little Wing (cover de Jimi Hendrix)

12. It's Too Late

13. Layla

14. Thorn Tree in the Garden

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0028. Miriam Makeba – Miriam Makeba (1960)

Publicado en 1960 por RCA Victor, este álbum debut marca el inicio discográfico internacional de una figura que fue, a la vez, icono musical y símbolo de resistencia global. Miriam Makeba, homónimo, no es simplemente un disco de presentación: es una afirmación de identidad africana en pleno corazón del siglo XX, lanzado en un momento en que el apartheid sudafricano arreciaba y los oídos del mundo occidental apenas comenzaban a abrirse a otras sonoridades no eurocentristas.

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Contexto: del exilio al escenario global

A fines de los años 50, Miriam Makeba fue expulsada de su Sudáfrica natal por su militancia y su denuncia del apartheid. Ya había llamado la atención del público con su participación en el musical King Kong y el documental Come Back, Africa. Fue este último el que atrajo a Harry Belafonte, quien la apadrinó en Estados Unidos y ayudó a lanzar su carrera internacional.

Este álbum se graba en ese contexto: una joven mujer africana en el exilio, cantando para el mundo, con una voz clara, dulce pero firme, que atraviesa idiomas y fronteras. La producción de Belafonte se nota en los arreglos cuidados, pero nunca opresivos: el disco suena tradicional sin dejar de estar pensado para el oyente occidental.

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Análisis musical

El repertorio es un equilibrio entre canciones tradicionales africanas, estándares internacionales y piezas folclóricas reimaginadas con instrumentación acústica. Makeba canta en xhosa, zulú, swahili, inglés y portugués, y lo hace con una naturalidad que convierte cada idioma en puro ritmo y emoción.

• “The Retreat Song (Jikele Maweni)” abre el disco con ritmo y vitalidad: percusión viva, llamada y respuesta vocal, una sensación tribal y moderna a la vez. Es una bienvenida que suena ancestral y urgente.

• “Suliram” (canción de cuna indonesia) muestra la dimensión multicultural del álbum. La voz de Makeba aquí es tierna, etérea, como una corriente suave que no necesita alzar el volumen para ser magnética.

• “Mbube” (conocida luego como "The Lion Sleeps Tonight") revela la raíz africana de uno de los temas más versionados de la historia del pop. En esta versión, sin arreglos pop, suena poderosa y auténtica.

• “Olilili”, “Kilimanjaro” y “Nagula” son otras joyas del repertorio africano tradicional, cantadas con precisión rítmica y emoción contenida. El uso del silencio y el fraseo melódico es soberbio: Makeba no canta para deslumbrar, sino para contar.

• “One More Dance” y “House of the Rising Sun” incorporan influencias folk europeas y americanas, sin que Makeba pierda su centro identitario. Su versión del clásico sureño es más sombría y personal que muchas posteriores.

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Legado

Este disco no solo presentó al mundo una de las voces más distintivas del siglo XX: presentó un continente. Para muchos oyentes fuera de África, Miriam Makeba fue el primer encuentro con músicas e idiomas que no sonaban en la radio. Makeba rompió barreras culturales con elegancia, sin concesiones y sin pedir permiso.

Desde este disco hasta sus colaboraciones con Belafonte, su activismo en Naciones Unidas o sus años en el exilio guineano, Makeba se mantuvo fiel a una idea: la música como identidad, resistencia y puente entre mundos.

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Listado de temas:

1. The Retreat Song (Jikele Maweni)

2. Suliram

3. The Click Song

4. Umhome

5. Olilili

6. Lakutshon Ilanga

7. Mbube

8. The Naughty Little Flea

9. Where Does It Lead

10. Nomeva

11. House of the Rising Sun

12. Saduva

13. One More Dance

14. Iya Guduza

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Sin sangre de Alessandro Baricco

Sinopsis: Manuel Roca y sus dos hijos viven en una vieja granja aislada. Un día, un Mercedes con cuatro hombres dentro sube por el camino que lleva a la casa. Algo tan terrible como indescriptible está a punto de suceder, algo que cambiará la vida de todos de manera irremediable, sobre todo la vida de la pequeña Nina. Una historia que hurga en las profundidades del alma humana. Los protagonistas son víctimas de una guerra infinita que despierta las pasiones y los instintos más escondidos. La espiral de odio que engulle a los personajes sólo parece disolverse gracias a la decisión de Nina, quien sabrá dar sentido y futuro al dolor mayor... 

Opinión: No me ha gustado tanto como otros libros de Baricco. Podemos dividir el libro en 2 partes. La primera parte para mí es la mejor, la segunda parte del libro es asombrosa, ya que uno se queda pensando lo que puede llegar a cometer una persona por venganza. Es entretenido y ameno.

0016. Tito Puente - Dance Mania (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1958 por RCA Victor, Dance Mania no solo fue el disco más exitoso de Tito Puente, sino también una piedra angular del mambo y de la música latina grabada en los Estados Unidos. Si Machito había trazado el puente entre el jazz y lo afrocaribeño, Puente aquí lo revienta con percusión, vientos, energía de club y orquesta a pleno fuego. No es un disco de jazz, ni de salsa (término aún inexistente), ni de latin pop: es mambo, en su versión más expansiva, sofisticada y poderosa.

La portada ya es una declaración: una mujer bailando en trance, la orquesta rugiendo, y al fondo, Tito, el verdadero protagonista de esta fiesta incontrolable que se llamó Nueva York en los 50.

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Contexto:

A mediados del siglo XX, el mambo era el fenómeno cultural latino más explosivo en EE.UU., y Tito Puente su figura más carismática. Percusionista, arreglista, compositor y director, Tito fusionó la herencia afrocaribeña con la energía del jazz big band. Desde el Palladium Ballroom en Manhattan, su música sonaba como una gran fiesta donde todos eran bienvenidos… si podían seguir el ritmo.

Dance Mania llega cuando la escena latina estaba en su pico de popularidad, pero también marca una cima artística: es un disco de precisión milimétrica y fuerza cruda. No hay aquí espacio para la calma: todo es movimiento, vientos afilados, coros contagiosos y una percusión que no pide permiso, sino que arrastra.

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Análisis de temas destacados:

1. El Cayuco
   Abre el disco y deja todo claro: esto es puro mambo. Las trompetas estallan, el ritmo se impone, y Tito marca el paso con su timbal como si fuese un general del ritmo. El break instrumental es adrenalina pura.

2. Complicación
   Brillante mezcla de arreglos orquestales y sabrosura callejera. Aquí brilla el contraste entre la estructura de big band y la espontaneidad percusiva. Los coros responden con un swing irresistible.

3. 3-D Mambo
   Como sugiere el título, este tema tiene profundidad, capas, y efectos sonoros que parecen adelantados a su época. El saxofón se entrelaza con las congas en una especie de danza casi psicodélica… en 1958.

4. Cuando Te Vea
   Un bolero-mambo que permite respirar un poco, pero sin perder elegancia ni groove. Es aquí donde se percibe que Tito también dominaba el lado romántico de la pista.

5. Sabor
   El nombre lo dice todo. Esta pieza es un testamento del swing latino: todo está al servicio del cuerpo. Los timbales, otra vez, dominan y conducen.

6. Hong Kong Mambo
   Uno de los temas más famosos del disco, con una melodía pegajosa, algo exótica (con ecos orientales estilizados), y una rítmica feroz. El mambo, aquí, se vuelve global.

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Conclusión:

Dance Mania no solo es el disco más célebre de Tito Puente: es una obra maestra absoluta del mambo, un género muchas veces reducido a cliché, pero que aquí suena como lo que realmente fue: una revolución sonora afrocaribeña, popular y elegante a la vez.

Cada corte del álbum está pensado para hacerte mover, pero con una orquesta tan ajustada y brillante que el baile y la escucha se vuelven uno solo. La percusión brilla —timbales, bongós, congas—, pero también los arreglos, los metales, y la voz enérgica de los coros que gritan con orgullo y swing.

Este disco es puro Nueva York latino, puro cuerpo, pura clase. Imposible no rendirse a su energía.

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Listado de temas:

1. El Cayuco

2. Complicación

3. 3-D Mambo

4. Llego Miján

5. Cuando Te Vea

6. Hong Kong Mambo

7. Mambo Gozón

8. Mi Chiquita Quiere Bembé

9. Varsity Drag

10. Estoy Siempre Junto a Ti

11. Agua Limpia Todo

12. Sabor

13. Siento Que No Estás

14. A Gozar Timbero

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0661. Cocteau Twins - Heaven Or Las Vegas (1990)

Cocteau Twins

Heaven or Las Vegas (1990)

Periodo de grabación: 1990

Estudio: September Sound, Londres

Productores: Cocteau Twins

Sello original: 4AD

Contexto

Heaven or Las Vegas representa la cúspide de la evolución de la banda hacia un sonido radiante y accesible. Marcado por una turbulencia personal profunda, el álbum trasciende el artificio de su producción para convertirse en una obra de urgencia emocional pura.

Análisis de Estilo

El disco es un tratado sobre la textura. El uso de guitarras procesadas crea capas infinitas que emulan paisajes sonoros oníricos. La voz de Elizabeth Fraser, utilizando glosolalias y una dicción no convencional, permite que el oyente proyecte su propia narrativa. La producción logra un equilibrio cristalino entre la melancolía del dream pop y una estructura pop contundente.

Selección de Temas

• Cherry-coloured Funk: La síntesis perfecta del sonido Cocteau; una aurora boreal sonora.
• Pitch the Baby: Un ejercicio de pop radiante y dinámico.
• Fifty-fifty Clown: Complejidad armónica y una línea de bajo fundamental.
• Heaven or Las Vegas: La pieza titular; una reflexión sobre la maternidad y la existencia.
• Iceblink Luck: Virtuosismo tímbrico y equilibrio armónico.
• Wolf in the Breast: Introspección y cierre emocional del álbum.

Conclusión

Considerado el canon del dream pop, este álbum sentó las bases para el shoegaze y la música electrónica atmosférica posterior. Es una obra atemporal que demuestra que la música popular puede ser abstracta y visceral simultáneamente.

Tracklist (Edición Estándar)

1. Cherry-coloured Funk
2. Pitch the Baby
3. Iceblink Luck
4. Fifty-fifty Clown
5. Heaven or Las Vegas
6. I Wear Your Ring
7. Fotzepolitic
8. Wolf in the Breast
9. Road, River and Rail
10. Frou-frou Foxes in Midsummer Fires