Mi música del 2017

Aquí os dejo una selección de lo que he escuchado durante el año. Espero que os guste

0014. Ravi Shankar – Sounds of India (1968)

Grabación y publicación:

Publicado originalmente en 1958 por World Pacific Records y reeditado por Columbia Masterworks en 1967, The Sounds of India es más que un disco de música tradicional: es una puerta de entrada cuidadosamente presentada a la música clásica del norte de la India (hindustani) para el público occidental. En él, Ravi Shankar, ya consolidado en la India como virtuoso del sitar, asume un doble papel: intérprete y pedagogo.

Grabado en Nueva York con el tabla de Chatur Lal y la tambura de N.C. Mullick, el disco presenta una estructura didáctica: antes de cada raga, Shankar explica verbalmente lo que se va a escuchar, el modo, la atmósfera, las intenciones. Un gesto inusual, pero crucial para la época.

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Contexto:

A finales de los años 50, la música clásica india era todavía una gran desconocida en Estados Unidos y Europa. Ravi Shankar, además de ser un virtuoso consumado, entendía la importancia del puente cultural. The Sounds of India no fue simplemente una grabación artística, sino un acto diplomático, espiritual y pedagógico.

En los años siguientes, su influencia crecería enormemente: primero entre los círculos jazzísticos (Coltrane lo veneraba), y luego entre los músicos pop y psicodélicos de los 60, con George Harrison como discípulo destacado. Pero aquí, todavía lejos de Woodstock y del hippismo, Shankar se presenta con sobriedad, respeto y profunda conexión con su tradición.

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Análisis musical:

La música india no se articula en “canciones” sino en ragas, cada una con su propio carácter, su escala, su temporalidad emocional. A diferencia del jazz o el pop occidental, la raga no se desarrolla por secciones fijas, sino que evoluciona libremente desde una introducción melódica (alap) hasta fases más rítmicas y virtuosas (jor, jhala, gat).

1. Introduction to Indian Music
   Una lección breve pero fascinante. Shankar explica el sistema melódico indio (raga) y el sistema rítmico (tala), usando ejemplos directos y accesibles. Es un mapa de ruta para oídos no iniciados.

2. Raga Malkauns
   Una de las ragas nocturnas más profundas. Grave, misteriosa, casi hipnótica. El alap se mueve lentamente, como si cada nota tuviera un peso cósmico. Cuando entra el tabla, la música florece hacia una danza contenida, de lenta combustión.

3. Raga Sindhi Bhairavi
   Más melódica y lírica. Aquí se aprecia el virtuosismo más brillante de Shankar, especialmente en las fases rítmicas finales, donde el sitar y el tabla se entrelazan con precisión matemática y poesía libre.

4. Dadra
   Basado en un tala de seis tiempos, esta pieza es más ligera, casi juguetona. Muestra cómo, incluso dentro de la rigidez métrica, la improvisación melódica puede ser una forma de libertad emocional.

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Conclusión:

The Sounds of India no es sólo un disco: es una clase magistral, una experiencia meditativa y un manifiesto cultural. En tiempos donde los vinilos de jazz o pop dominaban el mercado, este álbum ofrecía algo radicalmente distinto: una música que no busca conquistar, sino invitar al recogimiento.

El enfoque de Shankar es paciente, generoso, profundamente espiritual. Escuchar este álbum con atención es también un ejercicio de humildad auditiva: nos obliga a desacelerar, a aceptar el tiempo como otra dimensión, a entrar en contacto con un sistema musical que ve en cada nota un universo.

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Listado de piezas (versión original):

1. Introduction to Indian Music

2. Raga Malkauns

3. Raga Sindhi Bhairavi

4. Dadra

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0110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968)

0110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968)

Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílico de naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en su labor melódica como en su aspecto lírico.

Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban a ambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su itinerario sardónico sobre sus congéneres y contexto social con esta maravilla

bucólica denominada "The Village Green Preservation Society", un evocativo y pastoril LP de pop y rock con trazos cabareteros e incluso blues ("Last Of The Stream Powered Trains".

Es una crónica nostálgica sobre las costumbres y tradiciones británicas, una memoria de los paisajes, personajes y valores de un pequeño pueblo verdoso que componen el mejor y más subestimado disco de los Kinks.

Listado de temas:
1. The Village Green Preservation Society
2. Do You Remember Walter
3. Picture Book
4. Johnny Thunder
5. Last Of The Steam-Powered Trains
6. Big Sky
7. Sitting By The Riverside
8. Animal Farm
9. Village Green
10. Starstuck
11. Phenomenal Cat
12. All OF My Friends Were There
13. Wicked Annabbella
14. Monica
15. People Taake Pictures Of Each Other
16. The Village Green Preservation Society (Stereo Mix)
17. Do You Remember Walter (Stereo Mix)
18. Johnny Thunder (Stereo Mix)
19. Monica (Stereo Mix)
20. Days (Stereo Mix)
21. Village Green (Stereo Mix)
22. Mr. Songbird (Stereo Mix)
23. Wicked Annabbella (Stereo Mix)
24. Starstuck (Stereo Mix)
25. Phenomenal Cat (Stereo Mix)
26. People Take Pictures Of Each Other (Stereo Mix)
27. Days (Stereo Mix)

0109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968)

0109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968)

Sello discográfico: Elektra

Producción: Joe Boyd

Dirección artística: Osiris (Visions)

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 48:51

Desde 1966, el dúo conformado por Robim Williamson y Mike Heron se prodigaron en explorar en las tradiciones vernáculas y añosas de la campiña bretona, oculta en las inmemoriales leyendas de toda una pléyade de seres fantásticos e imposibles personajes; el tándem reinterpretó desde un prisma vanguardista y lisérgico toda la oralidad vertida en las músicas pastoriles originarias inglesas. Antes

de la publicación del monumento folk que amerita estas líneas, ya habían sacudido las bateas con 5.000 Spirits or the Layers of the Onions en el '67. Para el año siguiente, la propuesta serpenteante,

quebradiza y absolutamente personal de los ISB estaba ya madura en su esperpéntica belleza.

Estructuras complejas, instrumentos recónditos y desconocidos, dulces voces bucólicas infectadas de la revolución de entonces: experimentando con lo arcaico, podría ser un epígrafe de este álbum que, mayor sorpresa, alcanzó el puesto cinco en ventas en el Reino Unido, una fortuna que ya se hubiesen querido los Velvet Underground, Silver Apples y tanto obseso que anduvo suelto por entonces. "Waltz of New Moon", "The Witches Hat", "A Very Cellular Song", "There is a Green Crown", "The Minotaur's Song", son parte de un viaje condimentado con sítares, dulcímeres, flautas de agua, y

una serie interminable de vetustos y nobles instrumentos acústicos usados por incontables generaciones de labriegos, pastores y juglares de la vieja Bretaña. Un generoso deleite y una apertura

hacia el frondoso follaje de los secretos celtas.

Listado de temas:
1. Koeeoaddi There
2. Minotaur's Song
3. Witches Hat
4. Very Cellular Song
5. Mercy I Cry City
6. Waltz of the New Moon
7. Water Song
8. Three Is a Green Crown
9. Swift as the Wind
10. Nightfall

0108. Traffic - Traffic (1968)

0108. Traffic - Traffic (1968)

El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.

Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears. 

Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse

durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.

Listado de temas
01 - You Can All Join In
02 - Pearly Queen
03 - Don't Be Sad
04 - Who Knows What Tomorrow May Bring
05 - Feelin' Alright?
06 - Vagabond Virgin
07 - Forty Thousand Headmen
08 - Cryin' to Be Heard
09 - No Time to Live
10 - Means to an End

Os dejo la versión remasterizada con más temas.

Cadetes

Nos narra la historia de un grupo de jóvenes soviéticos que se alistan en el Ejército Rojo con la ilusión de acabar con la amenaza alemana y de convertirse en héroes nacionales.

La historia arranca noventa días antes de la batalla de Stalingrado, donde los personajes van a enfrentarse con la realidad. Una voz en off nos guía a lo largo de los 10 capítulos.

Interesante para conocer la sociedad soviética en los años de la segunda guerra mundial.

Ficha en Filmaffinity.

Aquarius

Cuando Aquarius da comienzo nos avisa: Inspired in part by historical events, this program contains fictitious characters, places and circumstances.

Aquarius se centra en el que fue uno de los más asesinos más mediáticos de  los estados Unidos, Charles Manson. Sin embargo la serie no consigue convencernos, solamente el personaje de David Duchovny da la talla, el resto son muy poco creíbles. Lo que más me ha gustado es la ambientación y el reflejo de la sociedad norteamericana de los años 60.

Además la serie fue cancelada al final de la segunda temporada y aunque puede darse por concluida a mi entender deja interrogantes abiertos. 

Ficha en Filmaffinity.

0107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968)

0107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968) 

Sello discográfico: Decca

Producción: Jimmy Miller

Dirección artística: Tom Wilkes

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 39:43

Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum "Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar de tratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, el siguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico, esencial y brillante regreso a sus orígenes musicales con este banquete de mendigos en el cual despliegan un menú que se aleja de experimentaciones psicodélicas y recuperan el sabor más afín a la banda en su registro de una sobresaliente colección de temas de consistencia rockera, sonidos acústicos y alma de blues, contenidas en un disco con retrete de mala muerte (aunque por lo menos tiene rollo de papel higiénico) en donde se manifiesta en una pintada que el sueño de Dylan es tirar de la cisterna.  

Una de sus mejores y más populares canciones, la satánica "Sympathy for the devil", que amalgama diferentes y atractivos ángulos sónicos (incluida la samba), es el espectacular punto de arranque a una prodigiosa sucesión de impetuosas, acérbicas, turbulentas e insurrectas piezas maestras. En "No expectations" muestran un talante desesperanzador con el malogrado Brian Jones ejecutando una hechizante slide guitar, al igual que hace en la fantástica y subestimada "Jig-Saw Puzzle". Aportan su punto de vista sobre la efervescencia de la época y la consecuente violencia libertaria en la punzante "Street fighting man", su particular sentido del humor aflora en "Dear doctor", uno de sus primeros coqueteos con el country-rock. En "Stray cat blues" hablan de la relación con una quinceañera de ávidos deseos sexuales. "Parachute woman" evidencia su natural y constante apego al blues con un retorno a la materia carnal y el broche de oro a tan magistral demostración de talento musical lo pone el rock con espíritu gospel "Salt of the earth", pieza de anhelante comentario social que junto a "Sympathy for the devil" resulta el tema más logrado de "Beggars Banquet", una obra magna producida por el indispensable Jimmy Miller, que debuta aquí con los Stones y que proseguiría sus andanzas con el quinteto grabando sus Lps más contundentes.  

Listado de temas:
1. Sympathy for the Devil
2. No Expectations
3. Dear Doctor
4. Parachute Woman
5. Jigsaw Puzzle
6. Street Fighting Man
7. Prodigal Son
8. Stray Cat Blues
9. Factory Girl
10. Salt of the Earth

Trilogía del Mar Quebrado de Joe Abercrombie

Hace poco he terminado la Trilogía del Mar Quebrado, que me ha gustado mucho.
La Trilogía nos introduce en un mundo fantástico anteriormente habitado por los Elfos, desaparecidos tras la Ruptura de la Diosa. La trilogía esta formada por los libros Medio Rey, Medio Mundo y Media Guerra.

Sinopsis

Medio Rey

Yarvi, el hijo menor del rey, nació con una malformación en una mano. Por eso, en lugar de formarse como guerrero se ha dedicado a estudiar para convertirse en uno de los clérigos del reino. Sin embargo, la noche antes de la prueba para entrar en esta orden de sabios, a Yarvi le llega la noticia de que su padre y su hermano han sido asesinados. Él es el nuevo rey.

Pero tras una terrible traición a manos de sus seres queridos, Yarvi se encontrará solo en un mundo implacable, regido por la fuerza física y personajes fríos, y junto a un grupo de almas perdidas como él mismo descubrirá que estos compañeros quizás puedan ayudarle a convertirse en el hombre que quiere ser y, en conseguir venganza.

«Juré vengarme de los asesinos de mi padre. Seré medio hombre, pero pronuncié un juramento entero.»

Medio Mundo

Espina Bathu es una de las pocas chicas de Gettlandia que ha recibido el don de la Madre Guerra. Desesperada por vengar la muerte de su padre, vive para la lucha. Pero su propio instructor la tacha de asesina y se convierte en una proscrita.

La joven se embarca en la nave del padre Yarvi, un clérigo tremendamente astuto. Junto con el resto de la tripulación, entre los que se encuentra Brand, un guerrero que odia matar, Espina surcará medio mundo en busca de aliados para luchar contra el despiadado Alto Rey, y aprenderá lecciones muy duras a base de engaños y sangre.

«El momento en el que pares, será el momento en el que mueras.»

Media Guerra

La princesa Skara ha sido testigo de cómo todo lo que amaba se convertía en sangre y cenizas. Deberá vencer la aflicción y el terror, afilar la mente y luchar por Throvenlandia como reina. El padre Yarvi ha recorrido un largo camino y ha conseguido que sus antiguos enemigos se vuelvan sus aliados y ha logrado la paz, aunque inestable.

Pero ahora la abuela Wexen ha levantado el mayor ejército que se ha visto desde que los elfos se enfrentaron a Dios y todos se preparan para la batalla que se está gestando; entre ellos Raith, el portador de la espada de Grom-gil-Gorm. Algunos han nacido para luchar, quizá para morir. Otros prefieren vivir en la luz. Pero cuando la Madre Guerra extiende sus alas, amenaza con sumir todo el mar Quebrado en la oscuridad más profunda.

«Solo pueden conquistarse los miedos afrontándolos. Si los rehúyes, te conquistan ellos a ti.»

Mi opinión:

Me han gustado los tres libros, cada capítulo de estos libros te deja con ganas de saber que va a pasar en el siguiente. Los personajes son variados, con personalidades, cualidades y defectos muy distintos.

Se trata una trilogía que puedo recomendar a cualquiera al que le guste la fantasía.

1057. Skepta - Konnichiwa (2016)

Grabación y producción:

Grabado entre 2013 y 2016, Konnichiwa fue publicado el 6 de mayo de 2016 de forma independiente a través del sello de Skepta, Boy Better Know, luego de rechazar ofertas de grandes discográficas. Skepta produjo la mayoría de las canciones del álbum, y participó activamente en todos los aspectos creativos.

Concepto:

Konnichiwa es una proclama de independencia. No solo marca el regreso del grime británico a la conversación global, sino que reivindica la identidad londinense, la resistencia a las imposiciones del mainstream y el poder de lo local. Su título —una palabra japonesa que significa "hola"— es irónico y simbólico: Skepta se presenta de nuevo al mundo, pero con sus propias reglas.

Es un disco que oscila entre lo callejero y lo espiritual, entre la agresión y la reflexión. Y lo hace sin renunciar al sonido crudo, minimalista y áspero que define al grime desde sus inicios. Cada beat, cada línea, cada sample parece hecho con intención: Konnichiwa no quiere sonar bonito, quiere sonar real.

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Análisis de temas destacados:

1. Konnichiwa
   El álbum se abre con una declaración de principios: "This ain't a culture, this is my religion". Skepta rima sobre una base seca, dura, casi marcial. Introduce la atmósfera del disco: orgullo, desconfianza, verdad sin adornos.

2. Shutdown
   Uno de los temas más icónicos. Un himno de autoafirmación contra el establishment británico. Skepta denuncia el racismo mediático y cultural mientras eleva su propio arte. El sample de una voz británica blanca diciendo “man’s not making tunes like that anymore” resume el choque cultural que el grime representa.

3. That's Not Me (feat. Jme)
   Minimalista hasta el hueso. Una batería cruda, sin bajo, y rimas que rechazan el materialismo y las falsas apariencias. Jme aporta un verso ágil, manteniendo la química entre hermanos. Un retorno a las raíces, literal y simbólicamente.

4. Crime Riddim
   Aquí Skepta baja la guardia y deja salir una furia más emocional. Reflexiona sobre la violencia, la presión policial y la desconfianza estructural en la sociedad británica. El ritmo es inquietante, casi claustrofóbico.

5. It Ain’t Safe (feat. A$AP Bari)
   Beat oscuro, callejero, con un loop adictivo y agresivo. La colaboración con el círculo A$AP demuestra el puente transatlántico que el grime empieza a tender, sin perder su identidad.

6. Ladies Hit Squad (feat. D Double E & A$AP Nast)
   Más melódico, más bailable, pero aún con filo. Skepta cambia ligeramente el registro sin perder contundencia. Un tema más ligero en tono, pero muy bien ejecutado.

7. Text Me Back
   El cierre más inesperado. Un tema íntimo, casi vulnerable, con una producción atmosférica y un Skepta hablando de amor, lealtad y conexiones humanas. Una salida emocionalmente sutil a un álbum mayormente combativo.

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Conclusión:

Konnichiwa es uno de los discos fundamentales del siglo XXI en Reino Unido. No por marketing ni por celebridades: por autenticidad, autonomía y dirección artística. Skepta no solo revitalizó el grime, lo convirtió en una voz cultural global sin ceder ni un centímetro a la lógica comercial.

La producción cruda, los versos afilados y la integridad conceptual del álbum demuestran que aún es posible hacer música de impacto desde la honestidad y sin filtros. Como Kind of Blue para el jazz modal o Oar para el folk psicodélico, Konnichiwa representa una evolución dentro de su propio lenguaje, sin dejar de mirar atrás.

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Listado de temas:

1. Konnichiwa

2. Lyrics (feat. Novelist)

3. Corn on the Curb (feat. Wiley)

4. Crime Riddim

5. It Ain’t Safe (feat. A$AP Bari)

6. Ladies Hit Squad (feat. D Double E & A$AP Nast)

7. Numbers (feat. Pharrell Williams)

8. Man

9. Shutdown

10. That’s Not Me (feat. Jme)

11. Detox

12. Text Me Back

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0106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967)

0106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) 

Una de esas mágicas confluencias que de vez en cuando se producen en el mundo de la música, tuvo lugar a finales del 66 en las oficinas de Atlantic Records en Nueva York. Allí, una seminal y poderosa vocalista de soul, de profundas raíces gospel, buscaba dar un giro radical a la que hasta ese momento estaba siendo una dubitativa carrera musical dentro del sello Columbia, más cercana al jazz más pop que al poderoso y vibrante soul.  

En aquellos días una tal Aretha Franklin, que años antes había decido dar el salto del gospel a la música laica, animada y avalada nada más y nada menos que por el gran Sam Cooke, se dejaba embaucar por uno de los capos de la Atlantic Records, el avispado y genial productor Jerry Wexler, para dejar Columbia, firmar por Atlantic y comenzar de esta forma uno de los períodos más gloriosos de la música soul, en el que Aretha Franklin fue una de las principales protagonistas de este estallido soul, proporcionándonos algunos de los momentos más emocionantes, viscerales y desgarradores que nos ha dejado la música negra, en discos como este I've Never Loved a Man (The Way I Love You) que hoy traemos a Sensaciones Sonoras, y que fue el primer disco que Aretha grabó para Atlantic, en aquel lejano Marzo de 1967.  

Cuando Jerry Wexler firmó a Aretha Franklin, sabía perfectamente lo que podía conseguir de ella, la intensidad y sentimiento que podía volcar sobre sus desgarradas y viscerales interpretaciones con su espectacular voz, y tenía muy claro el acompañamiento musical que necesitaba aquella fabulosa voz. No lo dudó, y se llevó a Aretha al sur, a los estudios Muscle Shoals, caracterizados por su sonido primario y directo, de vientos cortantes, y pianos y guitarras descarnadas, y donde el soul más desgarrado y el R&B más abrasivo parecían brotar con absoluta naturalidad. Y allí, junto a músicos del calibre de Chips Moman, Spooner Oldham, Jimmy Jhonson, y Bobby Womack, además de con sus hermanas a los coros, Aretha Franklin grabó este fabuloso I've Never Loved a Man (The Way I Love You), que incluye poderosas interpretaciones de temas propios, así como de monstruos del soul como Otis Redding y Sam Cooke entre otros.  Un disco que pone de manifiesto la grandeza del soul y el torrente de emociones que Aretha Franklin transmitía en aquella época. 

Profundas y maduras emociones expresadas por “una mujer de 25 años con el sonido, los sentimientos y la experiencia de alguien mucho mayor y con una vida muy intensa”, según diría Jerry Wexler. Tal y como decía ella, “Soul es la habilidad para hacer partícipes de tus sentimientos a otras personas”, una habilidad que ella dominaba perfectamente, tal y como se aprecia en esa rotunda y descarnada exigencia de respeto a su hombre, que es su espléndida versión del Respect de Otis Redding, o en esa otra intensa y desgarradora declaración de principios que es el tema que da título al disco, el fantástico I've Never Loved a Man, o en la preciosa balada Baby baby baby, un clásico tema de soul contenido, de muchos quilates, al igual que ese otro poderoso y visceral lamento interior que es Drown in my own tears, donde Aretha pone de manifiesto sus profundas influencias vocales del gospel. Y así podríamos seguir con todos y cada uno de los temas del disco, con su sentida versión del clásico de Cooke, A chance is gonne come, o con ese otro ejercicio de soul contenido, pero de enérgica interpretación vocal que es Dr Feelgood (love is a serious bussiness), todos ellos con un compacto, rotundo y escueto acompañamiento musical, que se apodera de tus sentidos con la misma fiereza con la que Aretha canta.  Un clásico del soul, de la reina del soul, imprescindible para todo aquel que esté interesado en la música negra.  

 Listado de temas:
1. Respect
2. Drown in My Own Tears
3. I Never Loved a Man (The Way I Love You)
4. Soul Serenade
5. Don't Let Me Lose This Dream
6. Baby, Baby, Baby
7. Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)
8. Good Times
9. Do Right Woman, Do Right Man
10. Save Me
11. Change Is Gonna Come
12. Respect [Stereo Version][*]
13. I Never Loved a Man (The Way I Love You) [Stereo Version][*]
14. Do Right Woman, Do Right Man [Stereo Version][*]

0105. The Jimi Hendrix Experience - Axis Bold As Love (1967)

0105. The Jimi Hendrix Experience - Axis Bold As Love (1967)  

Sello discográfico: Reprise

Producción: Chas Chandler

Dirección artística: Ed Thrasher

Nacionalidad: Reino Unido • EE. UU.

Duración: 38:49

Después del apabullante "Are you experienced?", el malogrado guitarrista de Seattle volvía a la carga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obra maestra.  

El jazz sirve de aposento para la elegante "Up from the skies", mientras que el blues es la base de la psicodélica "If 6 was 9", excelente tema que se convierte en uno de los momentos imprescindibles del álbum junto a otras piezas memorables como la rockera "Spanish castle magic" y su extraordinario riff de guitarra, "Ain't no telling", con una devastadora sección rítmica, la fabulosa balada "Little wing", que conocería posteriormente una gran versión de Eric Clapton, la sensacional "Castles made of sand", que cuenta con un brillante texto acompañado de una magnífica melodía, la atmósferica "One rainy wish", o "Bold as love", una despedida de disco rebosante de intensa emotividad.  Toda una portentosa exhibición del guitarrista más genial e innovador que ha dado el rock.  

Listado de temas: 
01 - EXP
02 - Up from the Skies
03 - Spanish Castle Magic
04 - Wait Until Tomorrow
05 - Ain't No Telling
06 - Little Wing
07 - If 6 Was 9
08 - You Got Me Floatin'
09 - Castles Made of Sand
10 - She's So Fine
11 - One Rainy Wish
12 - Little Miss Lover
13 - Bold as Love

0104. The Velvet Underground - White Light - White Heat (1967)

0104. The Velvet Underground - White Light - White Heat (1967)

Grabado en unos pocos días en 1967, este disco deja de lado el costado más pop del primer disco de la banda al igual que a Nico y a Andy Warhol, que fueron despedidos después del primer disco. El

disco fue editado en 1968 por el sello Verve. El álbum está lleno de feedback y noise, así como letras que tratan los temas poco convencionales que The Velvet ya había tratado en The Velvet Underground and Nico (drogas, sexo, travestismo). Es considerado uno de los más distorsionados y saturados de la historia del rock. Su sonido es el más crudo de todos los discos de Velvet Underground. "White light, white heat" (1967), el documento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de feroz anticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidos por Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon & Garfunkel ) como "The gift", "I heard her call my name" o "Sister Ray".

La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado por ello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed, abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormente limarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustituto sería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie.

Listado de temas:

1. White Light White Heat

2. Gift

3. Lady Godiva’s Operation

4. Here She Comes Now

5. I Heard Her Call My Name

6. Sister Ray

El maestro de almas de Irène Némirovsky

Resumen: Darío Asfar es un jóven médico, emigrado desde Crimea a Niza, donde vive a principios del siglo XX junto a su mujer y a su hijo recién nacido.  Darío está en una situación económica desesperada, ya que su origen extranjero le impide hacerse con pacientes solventes. Aprovechando el auge que está experimentando el psicoanálisis decide convertirse en un “maestro de almas”, alguien a medio camino entre un terapeuta y un charlatán, que saca grandes sumas de dinero a los ricos calmando su ansiedad y angustia vital diciéndoles lo que quieren oir.

La trama es muy interesante con ricas descripciones que arrastran al lector a la historia.  Lo más destacable son los personajes, profundos, complejos y contradictorios, unos son gente bien desconcertados porque su mundo se desmorona a su alrededor, otros vividores que sueñan con tener la vida de los ricos y están dispuestos a todo por lograrlo. 

0172. Frank Zappa - Hot Rats (1969)

Publicado en octubre de 1969 por Bizarre/Reprise Records, Hot Rats marca un quiebre y una declaración. Es el primer álbum de Frank Zappa como solista tras la primera disolución de The Mothers of Invention, y también su primer trabajo enteramente instrumental (salvo una pista), donde la estructura del rock se disuelve en favor de un laboratorio sónico de jazz eléctrico, psicodelia y virtuosismo sin pudor.

Aquí Zappa cambia el sarcasmo social y el teatro dadaísta por la obsesión instrumental: es un disco de culto, de estudio, de texturas, grabado con tecnología de 16 pistas que apenas se empezaba a experimentar. Todo suena nítido, profundo, extraño y adelantado.

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El sonido de lo no domesticado

Hot Rats es muchas cosas a la vez: jazz-rock, avant-garde, funk viscoso, psicodelia estructurada, Frank Zappa tocando como si estuviera creando una lengua secreta. No hay aquí canciones en el sentido tradicional, sino suites que se retuercen, exploran, se empantanan, revientan, giran y renacen.

El disco se vuelve un punto de referencia del jazz-fusión antes de que esa etiqueta tuviera nombre. Es, también, una obra en la que cada instrumento tiene vida propia, pero que se organiza con una precisión milimétrica. Zappa no improvisa: compone el caos.

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Análisis de piezas clave:

• “Peaches en Regalia” abre con un estallido de color. Es probablemente la composición más accesible del álbum, y aún así está llena de giros inesperados: cambios de compás, arreglos exuberantes y una melodía que parece tanto de dibujos animados como de cámara barroca.

• “Willie the Pimp”, única pieza con voz (la inconfundible de Captain Beefheart), es un blues distorsionado, sucio, casi ritual. Pero el centro no es la voz: es el solo de guitarra, una orgía de distorsión controlada que se arrastra durante nueve minutos como una criatura que no sabe si está muriendo o naciendo.

• “Son of Mr. Green Genes” es una suite jazzística con alma de funk marciano. Zappa parece dialogar con Coltrane y Monk, pero usando guitarras eléctricas y líneas de bajo que se enredan en laberintos imposibles.

• “Little Umbrellas” es casi cinematográfica, una pieza de cámara con aroma surrealista. Cada instrumento parece un personaje: clarinetes, vientos, teclados, todos cruzándose como en una miniatura de Fellini.

• “The Gumbo Variations” es una jam frenética y deconstruida, donde el saxo tenor de Ian Underwood y el violín eléctrico de Don "Sugarcane" Harris luchan, se persiguen, se gritan, se ríen. Es el sonido del delirio virtuoso, del jazz sin corbata ni partituras visibles.

• “It Must Be a Camel”, que cierra el disco, es abstracta, medio impresionista, como una conversación entre Erik Satie y un sintetizador paranoico. Rítmicamente es inasible, melódicamente es bella y ambigua. Termina el disco en un limbo de sonidos suaves, raros y casi etéreos.

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Conclusión

Hot Rats no se parece a nada anterior en la obra de Zappa, y aún hoy parece llegado de un futuro paralelo donde la técnica no excluye el juego ni la emoción. Es, como dijo Zappa, “una película para tus oídos”. Aquí el estudio es un laboratorio, el jazz un juguete, y la guitarra un bisturí.

Es también un disco que abre caminos para el rock progresivo, el jazz de vanguardia y la música experimental. Escucharlo no es simplemente oír canciones, es entrar en una dimensión sonora donde la lógica ha sido sustituida por la exploración.

Un clásico inclasificable. Brillante, excéntrico, radical. Como todo Zappa… pero aquí, especialmente concentrado, depurado y magnético.

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Listado de temas:

1. Peaches en Regalia

2. Willie the Pimp

3. Son of Mr. Green Genes

4. Little Umbrellas

5. The Gumbo Variations

6. It Must Be a Camel

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0103. Shivkumar Sharma-Brijbushan Kabra-Hariprasad Chaurasia - Call Of The Valley (1967)

0103. Shivkumar Sharma-Brijbushan Kabra-Hariprasad Chaurasia - Call Of The Valley (1967)

" Call Of The Valley " es en la música clásica india lo que el "Hamlet" es en el teatro Inglés o la "Mona Lisa" en la pintura europea, un hito que está destinado a seguir siendo el estándar de oro para siempre. Muy posiblemente el álbum clásico o instrumental más vendido de la India de todos los tiempos. Sigue encontrando, después de tres décadas, nuevos oyentes que al escuchar este álbum pasa a ser una de las experiencias más completas de su vida. La música es simple. Es profundo. Es fascinante. También es revolucionario. El santoor (martilló dulcimer), flauta y guitarra, tres maestros creando seis piezas sencillas, de alrededor de seis a siete minutos cada una. La temática es romántica, uno de los instrumentos representa el ambiente natural y los otros dos representan a un hombre y una mujer cortejando. Usted puede o no sentirlo, pero comprenderá que son himnos a la madre naturaleza. La belleza radica en que no se tiene que ser conocedor, ni siquiera se tiene que saber cosa alguna sobre música clásica india para disfrutar de este maravilloso álbum.

Listado de temas:
1. Ahir Bhairav/Nat Bhairav
2. Rag Piloo
3. Bhoop Ghara [Dadra]
4. Rãg Des
5. Rag Pahadi
6. Ghara-Dadra - Brij Bhushan Kabra
7. Dhun-Mishra Kirwani - Shivkumar Sharma
8. Bageshwari - Hariprasad Chaurasia

0102. Loretta Lynn – Don’t Come Home a Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind) (1967)

0102. Loretta Lynn – Don’t Come Home a Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind) (1967)

Sello discográfico: Decca

Producción: Owen Bradley

Dirección artística: No consta

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 30:14

Nacida en los bosques de Butcher Hollow en 1935, la cantante country Loretta Lynn se convirtió en un icono de la música folk americana en 1981. Esto ocurrió cuando una película basada en la biografía de Lynn, «Coal Miner’s Daughter», llenó teatros y le valió a la actriz Sissy Spacek un Oscar. Durante 2 décadas, Lynn fue una habitual de las listas country, logrando un éxito tras otro y orientando sus letras hacia un universo femenino con temas como «Don’t Come Home a Drinkin», «Fist City» y «Woman of the World». Más tarde, Lynn forjó una exitosa relación con el compositor Conway Twitty.

Listado de temas:
1. Don't Come Home a Drinkin' (With Lovin' on Your Mi
2. I Really Don't Want to Know
3. Tomorrow Never Comes
4. There Goes My Everything
5. The Shoe Goes on the Other Foot Tonight
6. Saint to Sinner
7. The Devil Gets His Dues
8. I Can't Keep Away from You
9. I'm Living in Two Worlds
10. Get What 'Cha Got and Go
11. Making Plans
12. I Got Caught

0101. The Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (Last Night) (1967)

0101. The Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (Last Night) (1967)

Grupo de garaje y pop psicodélico americano procedente de la ciudad de Los Angeles.

Formado en 1965, su música estaba caracterizada por originales experimentaciones lisérgicas y un apreciable sentido para la melodía.

Los componentes iniciales de The Electric Prunes eran el cantante y guitarrista Jim Lowe, el guitarra líder Ken Williams, el guitarrista rítmico James "Weasel" Spagnola, el bajista y teclista Mark Tulin, y el batería Preston Ritter, quien reemplazó a Michael "Quint" Weakley.

Una pieza importante en el sonido de los Electric Prunes fue el productor Dave Hassinger, un exquisito técnico que había colaborado como ingeniero de sonido para los Rolling Stones en los discos "Out of our heads" y "Aftermath", ocupando también el puesto de productor para bandas como The Grateful Dead e ingeniero para LPs de Jefferson Airplane o The Seeds.

El gran éxito para los Electric Prunes llegó con el tema "I Had Too Much to Dream (Last Night)", una pieza compuesta por Nancie Mantz y Annette Tucker que en manos de la banda y Dave Hassinger poco se parecía a la demo presentada por la pareja de compositoras, convirtiéndose con sus ropajes psicodélicosl la energía otorgada por la instrumentación del conjunto y la voz de Lowe en uno de los

grandes clásicos del psico-garage. El single, segundo del grupo, les llevó al puesto número 11 en el Billboard.

"Get Me to the World on Time" fue su siguiente sencillo, una canción escrita por Tucker y Jill Jones con la que la banda acercaba los ritmos de Bo Diddley a la lisergia del momento. Cosecharon estimables ventas, alcanzando el tema el puesto 27.Ambas canciones estaban incluidas en su LP debut, "The Electric Prunes" (1967). Producido por Hassinger y arreglado por el propio grupo, era un buen disco de ecléctica sonoridad, siempre desde un enfoque psicodélico.

Los temas, en su mayoría escritos por Annette Tucker, Nancie Mantz y Jill Jones, tanto ofertaban pujante piezas de garaje psicodélico como sensibles baladas pop o piezas vodevilescas.

Listado de temas:
1. I Had Too Much to Dream (Last Night)
2. Bangles
3. Onie
4. Are You Lovin' Me More (But Enjoying It Less)
5. Train for Tomorrow
6. Sold to the Highest Bidder
7. Get Me to the World on Time
8. About a Quarter to Nine
9. King Is in the Counting House
10. Luvin'
11. Try Me on for Size
12. Toonerville Trolley

0387. Elvis Costello – My Aim Is True (1977)

Grabación y publicación:

Publicado el 22 de julio de 1977 por Stiff Records, My Aim Is True es el debut fulminante de Elvis Costello, una entrada a quemarropa en la escena punk y new wave británica, pero con una sensibilidad lírica y melódica que lo posicionaba desde el primer momento como un letrista más cercano a Dylan que a Johnny Rotten. El álbum fue grabado en apenas unas semanas con la banda Clover (que luego sería parte de Huey Lewis and the News), aunque sin créditos oficiales por temas contractuales.

Contexto:
En medio de la explosión punk en Reino Unido, Costello apareció como el punk con gafas, corbata y actitud de oficinista frustrado, pero con una pluma afilada, una voz nerviosa y una colección de canciones que equilibraban la furia de los tiempos con una veta melódica heredada del pop de los 60 y el pub rock. Lo suyo no era la destrucción del rock, sino su reformulación sarcástica, irónica y emocionalmente revanchista.

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Análisis de temas destacados:

1. Welcome to the Working Week
   80 segundos de apertura perfecta: rápida, mordaz, honesta. “I know it don't thrill you, I hope it don't kill you.” Una bofetada a la rutina con forma de saludo.

2. Miracle Man
   Aquí Costello arremete contra las falsas promesas del amor y la autoimagen. Una mezcla entre sarcasmo y angustia, montado sobre riffs de garage con precisión quirúrgica.

3. Alison
   Una de sus baladas más recordadas, y una pieza maestra de ambigüedad emocional. ¿Es ternura? ¿Es reproche? ¿Es lamento? Todo eso y más. La interpretación vocal contiene una tristeza contenida, como si Costello no supiera si debe consolar o recriminar.

4. (The Angels Wanna Wear My) Red Shoes
   Brillante en todos los sentidos: melódica, ingeniosa, pop sin perder filo. Una historia de amor y desilusión con guitarras saltarinas y una línea de bajo deliciosa. Pop-punk antes de que eso tuviera nombre.

5. Less Than Zero
   El primer single, atacando sin piedad al fascismo residual del Reino Unido post-imperial. Referencias directas a Oswald Mosley, envueltas en una canción que parece más ligera de lo que realmente es.

6. Watching the Detectives (bonus en ediciones posteriores)
   No incluida en el lanzamiento británico original, pero esencial en la edición americana. Influencias del reggae, tensión noir y una narrativa cinematográfica. Costello demuestra que puede contar historias tan bien como escribir insultos disfrazados de amor.

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Conclusión:

My Aim Is True es un debut ferozmente inteligente, emocionalmente incómodo y musicalmente fresco. Costello no vino a romper con el pasado sino a revisarlo con lupa, bisturí y una lengua afilada como navaja de afeitar. Su personaje —mezcla de nerd vengativo, romántico lastimado y crítico cultural— encontró un espacio propio entre la anarquía punk y la arrogancia del rock clásico.

Aquí no hay solos eternos ni poses de estrella: hay canciones concisas, letras que muerden y un cantante que suena como si escribiera desde una oficina gris con furia acumulada. Con este disco, Elvis Costello se posicionó como el outsider que sabía demasiado, el nerd emocional que entendía el amor como una guerra fría entre impulsos y decepciones.

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Listado de temas (versión británica original):

1. Welcome to the Working Week

2. Miracle Man

3. No Dancing

4. Blame It on Cain

5. Alison

6. Sneaky Feelings

7. (The Angels Wanna Wear My) Red Shoes

8. Less Than Zero

9. Mystery Dance

10. Pay It Back

11. I'm Not Angry

12. Waiting for the End of the World

"Watching the Detectives" fue lanzado como single y añadido en muchas reediciones posteriores.

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0213. John Lennon - Imagine (1971)

Grabación y publicación:

Grabado entre febrero y julio de 1971 en los Ascot Sound Studios de la mansión de Lennon en Tittenhurst Park (Inglaterra), con sesiones adicionales en Record Plant (Nueva York), Imagine fue publicado en septiembre de 1971 a través de Apple Records. Producido por John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector, el álbum mezcla minimalismo emocional con capas orquestales, en un equilibrio muy delicado entre el pop, el soul y el mensaje político.

Concepto:

Si Plastic Ono Band (1970) fue el grito crudo del alma recién arrancada de los Beatles, Imagine es su reflexión posterior, más dulce pero no menos intensa. Aquí Lennon elige un tono más accesible, más melódico, aunque aún cargado de crítica, ironía y un fuerte componente existencial. Es un álbum que oscila entre la ternura utópica y la furia realista.

Imagine no es solo una canción, sino un manifiesto espiritual disfrazado de disco pop, donde la honestidad emocional vuelve a ser el eje de todo, pero esta vez con un Lennon más dispuesto a jugar con la forma, el ritmo y el contraste.

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Análisis de temas destacados:

1. Imagine
   Su pieza más icónica. Casi un himno universal, con esa melodía de piano que parece flotar y letras que proponen un mundo sin posesiones, sin religiones, sin fronteras. La utopía suena suave, pero es subversiva. Lo que suena a paz es, en realidad, una revolución desde la sencillez.

2. Crippled Inside
   Folk con aires country. Irónica, ligera en la superficie, pero cargada de sarcasmo: “One thing you can’t hide is when you’re crippled inside”. Lennon señala la hipocresía con una sonrisa torcida.

3. Jealous Guy
   Uno de los momentos más vulnerables de su carrera. Una disculpa convertida en canción, donde admite inseguridades y celos sin escudos. El arreglo de cuerdas y su voz quebrada hacen que cada palabra pese más.

4. How Do You Sleep?
   Ataque frontal a Paul McCartney. Una canción llena de rencor, rítmica, elegante, casi venenosa: “The only thing you done was Yesterday”. La presencia de George Harrison en la guitarra añade complejidad emocional. Arte nacido del resentimiento.

5. Oh My Love
   Una joya serena. Suena como si flotara en el aire, con una dulzura transparente. Es Lennon en paz, agradeciendo el momento, la vida compartida, la claridad. Casi un suspiro grabado.

6. Gimme Some Truth
   Rock directo, rabioso, con Lennon escupiendo palabras como metralla contra los políticos, la censura y la falsedad mediática. Es el Lennon activista, sarcástico, lúcido.

7. Oh Yoko!
   Un cierre alegre y casi naïve. Un Lennon enamorado, simple, sin filtros. Puede parecer menor, pero funciona como contrapunto lúdico a tanta carga emocional previa.

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Conclusión:

Imagine es el disco donde John Lennon intenta reconciliar su espíritu rebelde con su deseo de conexión humana. No es tan crudo como Plastic Ono Band, ni tan experimental como Some Time in New York City, pero es precisamente su equilibrio lo que lo convierte en su álbum más perdurable.

Más que un disco de protesta o de amor, Imagine es una meditación sobre el ego, la rabia, la esperanza y la redención. Lennon no quiere gustarte: quiere que pienses, sientas, y —si es posible— actúes. Y lo hace con melodías que ya pertenecen al inconsciente colectivo.

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Listado de temas:

1. Imagine

2. Crippled Inside

3. Jealous Guy

4. It’s So Hard

5. I Don’t Wanna Be a Soldier Mama I Don’t Wanna Die

6. Gimme Some Truth

7. Oh My Love

8. How Do You Sleep?

9. How?

10. Oh Yoko!

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