0017. Billie Holiday – Lady in Satin (1958)

Grabación y publicación:

Grabado entre febrero y marzo de 1958 y publicado ese mismo año por Columbia Records, Lady in Satin es el penúltimo álbum de estudio de Billie Holiday y, sin duda, uno de los más dolorosamente bellos de toda su carrera. A diferencia de los registros más crudos y jazzeros de su juventud, aquí la acompañan cuidadosos arreglos orquestales del maestro Ray Ellis, pensados como un marco lujoso, incluso cinematográfico, para una voz rota, temblorosa y completamente humana.

Este no es un disco para encontrar virtuosismo técnico. Es un álbum donde la emoción está desnuda, sin filtros, y donde cada grieta vocal se convierte en verdad emocional. Holiday, enferma, frágil, marcada por las adicciones y por una vida de racismo, abuso y desamor, canta aquí como quien se despide de todo.

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Contexto:

A finales de los años 50, Billie ya era una leyenda viva, pero también una figura trágica. Sus días de gloria con Lester Young y Teddy Wilson habían quedado atrás. Su voz —que en los años 30 y 40 era ligera, irónica, ágil— ahora era áspera, baja, casi resquebrajada. Sin embargo, fue justamente en ese momento cuando ella decidió grabar Lady in Satin, no como un regreso, sino como un testamento emocional.

Lo hizo con una gran orquesta, con cuerdas, coros y arreglos que remiten más al pop vocal tradicional que al jazz, pero lo importante aquí no es el estilo, sino la entrega emocional total. Holiday transforma baladas sentimentales y estándares románticos en confesiones existenciales.

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Análisis de temas destacados:

1. I'm a Fool to Want You
   Abre el disco como un lamento sin escudo. Su voz entra como si ya estuviera llorando antes de que suene la primera nota. La canción —compuesta por Frank Sinatra, entre otros— se vuelve, en su boca, una súplica desolada.

2. For Heaven's Sake
   Aquí canta no para seducir, sino para implorar, con una dulzura rota. La fragilidad de su voz, sostenida por las cuerdas, parte el alma.

3. You Don't Know What Love Is
   Uno de los puntos más conmovedores del disco. Billie no solo canta la letra: la vive, la encarna, como si cada palabra hubiera sido escrita para ella y por ella. La orquesta flota detrás, sin interferir.

4. I Get Along Without You Very Well
   El sarcasmo del título se desvanece al oírla. Billie no se engaña ni engaña al oyente: no se está recuperando, sigue rota.

5. Violets for Your Furs
   Menos oscura, con cierto aire de melancolía elegante. Pero incluso aquí, el vibrato tembloroso de Holiday hace que cada frase parezca una despedida.

6. I'll Be Around
   Quizás la canción más estoica del álbum. Hay una cierta dignidad en su entrega, como si dijera: “me iré, pero quedaré aquí, en tu recuerdo”.

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Conclusión:

Lady in Satin no es un disco de jazz en el sentido clásico. Es un réquiem emocional, un diario íntimo musicalizado, un susurro al oído del oyente. La voz de Billie Holiday ya no es la que fue, pero eso no importa: es mucho más expresiva, más real, más humana. Cada temblor, cada nota fuera de tono, cada suspiro, cuenta una historia de vida y de pérdida.

Este álbum no busca entretener ni brillar: busca herirte, pero con belleza. Es Billie al borde del abismo, pero con una elegancia insoportable.

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Listado de temas:

1. I'm a Fool to Want You

2. For Heaven's Sake

3. You Don't Know What Love Is

4. I Get Along Without You Very Well

5. For All We Know

6. Violets for Your

7. You've Changed

8. It's Easy to Remember

9. But Beautiful

10. Glad to Be Unhappy

11. I'll Be Around

12. The End of a Love Affair (Mono)

13. I'm a Fool to Want You (take 3)

14. I'm a Fool to Want You (take 2)

15. The End of a Love Affair (stereo)

16. Pause Track

Cuentos desde el reino peligroso

Cuentos desde el Reino Peligroso reúne en un único volumen cinco relatos de fantasía y aventuras escritos por J. R. R. Tolkien que reafirman su papel como contador de historias para lectores de todas las edades. Las aventuras de «Roverandom», un perro de juguete; de «Egidio, el granjero de Ham» elegido para luchar contra el dragón; «Las aventuras de Tom Bombadil» con hobbits, princesas, enanos y trolls; de «El herrero de Wootton Mayor» en el País de las Hadas y de «Hoja de Niggle», un pintor que emprende la imposible tarea de pintar el árbol perfecto, se presentan en esta colección ilustrada por el reconocido artista Alan Lee, quien también aporta un epílogo.

Se incluye además una introducción del experto en Tolkien, Tom Shippey, y el ensayo «Sobre los cuentos de hadas», escrito por Tolkien, que ofrece una cautivadora mirada a la imaginación del autor de El Hobbit.

Los que más me han gustado han sido Roverandom y Hoja de Niggle

0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)

0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)

El jazz ha sido siempre una música de fusión. Desde sus inicios a fines del siglo XIX, el jazz se desarrolla y evoluciona sin mayores pretensiones mezclando con gran facilidad la música popular norteamericana, el son cubano, la samba brasilero, el tango argentino, entre otros géneros. En su enfoque contemporáneo, el jazz mantiene las huellas que dejaron estos estilos. Sin embargo, el concepto de fusión en el jazz se torna más evidente y relevante hacia fines de la década de los años 60 y especialmente por Miles Davis y su obra Bitches Brew. Este álbum es el resultado de la combinación de ideas que venía forjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya había usado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como también post producciones en el estudio. (In a Silent Way y Filles de Kilimanjaro).

En Bitches Brew usa todos estos elementos y crea un álbum de improvisaciones. En vez de preocuparse de crear armonías sofisticadas o experimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodías sobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos. En su autobiografía Miles relata: "Yo conducía, como un

director de orquesta, cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien o le indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la música crecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un proceso del desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o un motif, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta cierto punto, le pedía a un músico que tocara algo diferente". Una jam session magistral.

El surco más interesante es Bitches Brew dura 26 minutos – es un resumen del disco. Dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso. El tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero en grabarse. Ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a los músicos mientras improvisan. Un ejemplo ocurre en el séptimo minuto. El grupo aparentemente ha perdido el hilo de la improvisación y está a punto de fracasar. Miles dice: "Keep it like that!", segundos después, cuando el tema recobra brío, se dirige a McLaughlin : "John!", éste se hace cargo y el tema resucita. En Bitches Brew hubo un brillante e innovador trabajo de postproducción; obra de Teo Macero quien, junto a Miles, pero más veces por si solo, escogió las tomas, las editó y creó de todo eso el producto final. Usó cámaras de eco, reverberación y "loops" o repeticiones para alargar ciertos trozos de cinta. En Pharaohs's Dance de Zawinul, un tema con toques orientales y un ritmo casi inexplicable, Davis y Shorter crean un mantra jazzístico; el piano rhodes de Zawinul es lúgubre. McLaughlin y Maupin también participan en la improvisación. Las ventas de LP durante el primer año llegaron a 400 mil copias, algo sin precedente para Davis, su álbum que más había vendido hasta entonces sólo alcanzó a vender 100 mil copias. Algunos críticos acusaron a Davis de haberse vendido al mercado pop. Sin embargo, lo extraordinario de Bitches Brew es que Miles en ningún momento imita las tendencias del pop o del rock de la época.

Todos los surcos del LP doble original duran más de 10 minutos, excepto "John McLaughlin" con poco más de 4 minutos. Esto eliminó las posibilidades de exposición en las radios pop. No hay arreglos, ni melodías, ni ritmos bailables, ni canciones con letras fáciles de memorizar. Con Bitches Brew Miles agregó a su público hordas de fans del rock, pero también perdió el apoyo de sus fieles seguidores. El nuevo vocabulario musical e instrumentación electrónica que Davis introdujo no les interesó y lo abandonaron permanentemente. Después de casi 40 años, Bitches Brew se mantiene como una obra sólida que exige el respeto de críticos y aficionados. Se puede decir tanto de esta música, pero prefiero que hable por si sola. He pasado muchas sesiones escuchando las distintas ediciones de Bitches Brew, y me vienen tantas imágenes e ideas mientras escucho. Cada sesión es diferente, siempre descubro algo nuevo y fascinante.

Listado de temas:
1. Pharaoh's Dance
2. Bitches Brew
3. Spanish Key
4. John Mclaughlin
5. Miles Runs The Voodoo Down
6. Sanctuary

0463. Judas Priest - British Steel

Grabación y publicación:

British Steel fue grabado en los estudios Startling Studios de Ringo Starr (ubicados en la campiña inglesa de Berkshire) durante febrero de 1980, y se publicó el 14 de abril de ese mismo año a través de Columbia Records. Fue producido por Tom Allom, quien ya había trabajado con la banda en Unleashed in the East (1979) y se consolidó aquí como un arquitecto del sonido más directo y accesible de Judas Priest.

Este fue el primer álbum grabado con el baterista Dave Holland, y marcó un cambio de rumbo: una simplificación del sonido, sin perder fuerza, pensada para alcanzar un público más amplio.

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Contexto y estilo:

A fines de los 70s, el heavy metal tradicional británico comenzaba a consolidarse como una fuerza global, pero enfrentaba una identidad difusa entre los excesos del hard rock y la llegada del punk. Con British Steel, Judas Priest destiló el heavy metal en su forma más pura y accesible, convirtiéndose en pioneros del sonido que luego definiría a la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), junto a Iron Maiden y Saxon.

Este disco esencializó los riffs metálicos, eliminando adornos progresivos y dándole prioridad al gancho melódico, las letras combativas y los coros poderosos. La portada, con una cuchilla de afeitar sostenida entre los dedos, es ya parte del canon visual del género.

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Análisis de temas destacados:

• “Breaking the Law”: Uno de los himnos más icónicos del heavy metal. Riff simple y explosivo, letra de rebelión urbana, y una duración perfecta para las radios. Su influencia se extiende mucho más allá del metal: es puro arquetipo de actitud.

• “Rapid Fire”: Abre el álbum a toda velocidad. Anticipa, de hecho, la agresividad del thrash metal con un ritmo galopante y guitarras gemelas afiladas. Rob Halford escupe las letras con una energía casi punk.

• “Metal Gods”: Tema de cadencia marcial y sonido futurista. Las letras —una metáfora de los dioses metálicos que destruyen a la humanidad— se convertirían en una de las marcas de identidad de la banda. Aquí comienza el culto a los “metal gods” que perdura hasta hoy.

• “Living After Midnight”: Otro éxito rotundo. Más hard rock que metal puro, con un riff pegajoso y espíritu festivo. Se convirtió en un clásico inmediato en vivo y mostró el costado más comercial de Judas Priest sin perder credibilidad.

• “Grinder”: Duro, oscuro, con un riff pesado que anticipa el groove metal de los 90. Letra en clave de lucha por la libertad individual.

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Conclusión:

British Steel no solo es un hito en la discografía de Judas Priest, es una piedra angular en la historia del heavy metal. Aporta una fórmula que inspiraría décadas de metal clásico y moderno: riffs gancheros, producción pulida, actitud desafiante y estribillos coreables.

Es un disco que equilibra la agresividad con la accesibilidad y que transformó a Judas Priest en una banda de estadios. Sin British Steel, probablemente el heavy metal no habría alcanzado el mismo nivel de penetración en la cultura popular de los 80s.

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Listado de temas:

1. Rapid Fire

2. Metal Gods

3. Breaking the Law

4. Grinder

5. United

6. You Don't Have to Be Old to Be Wise

7. Living After Midnight

8. The Rage

9. Steeler

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Superluna

Superluna es un fenómeno curioso por el que vemos a la luna más grande y brillante que otros días. Este fenómeno se da cuando la luna llena coincide con el momento del perigeo, es decir cuando su órbita la acerca más a la Tierra (unos 356.000 kilómetros) causando que se vea más grande y brillante de lo normal. 

La razón por la cual la luna no siempre está a la misma distancia de nuestro planeta es porque su órbita es elíptica y el centro no corresponde con el centro de la Tierra, por lo tanto hay momentos en que está más cerca y otros en que está más lejos. 

En 2014 podemos disfrutar de tres superlunas consecutivas en periodos relativamente cortos de tiempo: 12 de julio, 10 de agosto y 9 de septiembre 

La superluna de agosto es especialmente importante pues será luna llena a menos de una hora del perigeo por lo que será posible verla ligeramente más grande y brillante. La última vez que paso algo similar fue el 19 de marzo de 2011 cuando la superluna llena estuvo a menos de una hora del perigeo. 

0456. AC/DC – Back in Black (1980)

0456. AC/DC – Back in Black (1980)

AC/DC, banda de hard rock formada en Sydney (Australia) en 1973 por los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young.

Aunque llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y los catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de la década de 1980, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década de 1990. En 1993, el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película El último gran héroe, de John McTiernan e interpretada por Arnold Schwarzenegger; alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995, grabaron el disco Ballbreaker y en el 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde.

Han vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo, y de ellos 71 millones han sido vendidos en los Estados Unidos. Back in Black ha vendido aproximadamente 42 millones de unidades en el mundo y 22 millones solo Estados Unidos, De manera que es el 5º álbum de mayor venta de todos los tiempos en los EE. UU. y entre los álbumes más vendidos de toda la historia detrás de Thriller en el mundo. Han llegado a ocupar el cuarto puesto en la lista de VH1 "100 Greatest Artists of Hard Rock" (Los 100 mejores artistas de Hard Rock) y ocuparon el 7º puesto en la lista de MTV "Greatest Heavy Metal Band Of All Time" (Las mejores bandas de Heavy Metal de todos los tiempos). Además la canción "Back In Black" se ubicó en el

segundo puesto en el programa "Las 100 más Grandiosas Canciones del Hard Rock".

Listado de temas:
1.Hells Bells
2.Shoot to Thrill
3.What Do You Do For Money Honey
4.Given the Dog a Bone
5.Let Me Put My Love Into You
6.Back in Black
7.You Shook Me All Night Long
8.Have a Drink on Me
9.Shake a Leg
10.Rock and Roll Ain't Noise Pollution

0029. Everly Brothers - A Date With the Everly Brothers (1960)

Grabación y producción:

Grabado entre 1959 y 1960 en Nashville, con producción a cargo de Bill Porter y el respaldo de Chet Atkins, pieza clave en el llamado “Nashville Sound”. Fue publicado bajo el sello Warner Bros. Records, tras la transición del dúo desde Cadence Records.

Publicación:

24 de octubre de 1960.

Concepto:

A Date With the Everly Brothers no es un álbum conceptual en el sentido moderno, pero funciona como un retrato claro del estilo, elegancia y potencia vocal del dúo en su punto más influyente. Combina baladas con un pie en el country y piezas rápidas de tintes rockabilly, todo envuelto por las armonías impecables que los hicieron leyenda.

Si bien el disco incluye grandes éxitos como “Cathy’s Clown”, también ofrece cortes menos conocidos que demuestran una sensibilidad melódica sofisticada y una sorprendente economía emocional. Las guitarras acústicas, las líneas eléctricas limpias y el acompañamiento discreto permiten que las voces se conviertan en el verdadero instrumento central.

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Análisis de temas destacados:

1. Made to Love
   El álbum abre con fuerza. Energía contagiosa y estructura simple que se apoya en las armonías precisas de Don y Phil. Es un rock & roll suave pero efectivo, cargado de juventud y seguridad.

2. That’s Just Too Much
   Melancólica y casi desesperada. Aquí los Everly suenan más country que rock, y eso les sienta bien. Las guitarras punteadas y el ritmo lento acentúan el dramatismo.

3. Stick With Me Baby
   Cortesía de Felice y Boudleaux Bryant, los compositores fetiche del dúo. Es íntima, suave, y perfecta para mostrar cómo los Everly Brothers dominaban el arte de la balada sin caer en lo cursi.

4. Baby What You Want Me to Do
   Una versión del clásico de Jimmy Reed. Aquí aparece una veta más rítmica y blusera, aunque suavizada por el toque Everly. Contrasta con el resto del álbum y añade variedad.

5. Cathy’s Clown
   Sin duda el plato fuerte. Fue el primer gran éxito de los Everly en Warner, y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de su carrera. La melodía, el ritmo quebrado y esa sensación de orgullo herido lo hacen un clásico atemporal. La mezcla de dramatismo adolescente y perfección melódica no tiene comparación.

6. Lucille
   Adaptación energética del tema de Little Richard. Aquí se sueltan un poco más, mostrando su capacidad para interpretar material más explosivo sin perder su sello.

7. Love Hurts
   Antes de que la hiciera famosa Nazareth, los Everly grabaron esta joya devastadora. La versión es contenida, pero poderosa. Suena a resignación más que a furia, y por eso es aún más efectiva.

8. Donna, Donna
   Cierra el disco con un aire casi folk. Curiosa, introspectiva, y distinta. Es el tipo de canción que revela que los Everly no solo sabían armonizar, sabían elegir repertorio con inteligencia.

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Conclusión:

A Date With the Everly Brothers captura el equilibrio perfecto entre juventud e introspección, entre el ímpetu del rock & roll y la dulzura melancólica del country-pop. Más que un simple álbum de éxitos, es un documento de cómo dos voces pueden generar una alquimia irrepetible.

La influencia del dúo es directa en artistas como The Beatles, Simon & Garfunkel o Nick Drake. Y este álbum es un ejemplo de cómo el talento vocal y el sentido del arreglo pueden elevar canciones sencillas a la categoría de arte popular duradero.

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Listado de temas:

1. Made to Love

2. That’s Just Too Much

3. Stick With Me Baby

4. Baby What You Want Me to Do

5. Sigh, Cry, Almost Die

6. Always It’s You

7. Love Hurts

8. Lucille

9. So How Come (No One Loves Me)

10. Donna, Donna

11. A Change of Heart

12. Cathy’s Clown

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0455. Dexys Midnight Runners – Searching for the Young Soul Rebels (1980)

0455. Dexys Midnight Runners – Searching for the Young Soul Rebels (1980)

El debut de los Dexy´S Midnight Runners es de esa clase de discos de debut, de esos discos que te hacen desear haber estado "allí" y "entonces". Surgió en 1980, en un momento en el que el terremoto punk parecía definitivamente desactivado y el aburguesamiento musical volvía a campar por sus fueros con el retorno al dominio de las listas de las mismas super-estrellas decadentes que el punk había pretendido derrocar, y que todavía se encontraban fuera de una buena forma artística que tristemente algunos nunca recuperarían.

Y, como siempre ocurre, de las calles (en este caso de las de Birminghan) surgió el detonante: la Nueva Visión Soul, un latigazo residual pero refrescante de energía punk canalizada por otros medios.

Kevin Rowland y Kevin Archer eran los líderes de una banda que fusionaba la vehemencia del punk y la sensibilidad melódica del pop con el infeccioso, y entonces casi olvidado, sonido soul de la Stax.

Haz sonar este disco y por un instante volverás al momento y el lugar. Por un instante, y aunque no estuvieras "allí y entonces", creerás sin dudas en la promesa de un futuro mejor que ya está en el pasado. Por eso "Searching For The Young Soul Rebels" es un disco absolutamente imprescindible.

Listado de temas:
1.Burn It Down
2.Tell Me My Lights Turn Green
3.Teams That Meet in the Caffs
4.I'm Just Looking
5.Geno
6.Seven Days Too Long
7.I Couldn't Help If I Tried
8.Thankfully Not Living in Yorkshire Doesn't Apply
9.Keep It
10.Love Part One
11.There There My Dear

0174. Derek & the Dominos - Layla And Other Assorted Love Songs (1970)

Grabación y publicación:

Grabado entre agosto y septiembre de 1970 en Criteria Studios (Miami) con producción de Tom Dowd, el álbum fue publicado en noviembre de ese mismo año por Atco Records (subsello de Atlantic). La banda —formada como proyecto de una sola vez— estaba liderada por Eric Clapton, acompañado de Bobby Whitlock, Carl Radle y Jim Gordon, junto al invitado esencial: Duane Allman, de The Allman Brothers Band.

Concepto:

Layla and Other Assorted Love Songs es un disco profundamente confesional, ardiente y caótico, hecho en un momento donde el alma de Clapton estaba partida en dos: su lucha con la adicción y su amor no correspondido por Pattie Boyd (la esposa de su amigo George Harrison). En lugar de esconderlo, Clapton lo vierte todo en un doble álbum que suena a desgarro, a deseo, a obsesión. El resultado: un clásico inesperado del rock-blues, que no fue un éxito inmediato pero que con el tiempo se volvió referencia absoluta.

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Análisis de temas destacados:

1. I Looked Away
   El disco abre sin rodeos con un tema que parece menor, pero que ya deja entrever el tono emocional del álbum. La voz de Clapton está rota, pero firme, mientras Whitlock complementa con coros cálidos.

2. Bell Bottom Blues
   Aquí aparece la fragilidad con toda su fuerza. Clapton canta desde la desesperación: “Do you want me to crawl back to you?”. Uno de los temas más melódicos y confesionales del disco. Piano, guitarra y voz avanzan con una tristeza resignada, pero hermosa.

3. Keep On Growing
   Primer estallido de blues-rock con groove. Guitarras sobrepuestas, fraseo suelto, y un jam eléctrico que comienza a mostrar la química entre Clapton y Allman.

4. Nobody Knows You When You're Down and Out
   Cover clásico del repertorio de Bessie Smith. En manos del grupo, suena orgánico, con un aire relajado pero sólido. Aporta al disco ese tono de blues de bar a medianoche, íntimo y cálido.

5. Have You Ever Loved a Woman
   Quizá la declaración más directa de Clapton sobre Pattie Boyd. Un slow blues denso, que avanza como confesión más que como canción. Las guitarras lloran, literalmente. No es actuación.

6. Layla
   El momento cumbre. Doble sección: primero, el riff mítico, esa guitarra como aullido, desesperada y urgente. Luego, el inesperado piano final de Jim Gordon (con arreglo no acreditado a su novia Rita Coolidge), que convierte el lamento en epifanía. Es quizás la mejor síntesis de dolor romántico en la historia del rock.

7. Thorn Tree in the Garden
   Cierra el álbum con un lamento acústico de Bobby Whitlock. Íntimo, campestre, casi una carta abandonada en un porche vacío. Una despedida suave después del huracán emocional.

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Conclusión:

Layla and Other Assorted Love Songs es una implosión emocional con forma de disco, un testamento de pasión no correspondida y crisis interna convertido en arte. Su desorden, su fuerza, su tristeza, lo convierten en una obra tan humana como imperfecta. No es un álbum pulido: es una herida abierta cantada con distorsión, soul y entrega.

La guitarra de Duane Allman actúa como eco del corazón de Clapton: aguda, melódica, desesperada. Y aunque el grupo solo existió para este álbum, lo que lograron aquí supera décadas de carreras enteras.

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Listado de temas:

Disco 1:

1. I Looked Away

2. Bell Bottom Blues

3. Keep On Growing

4. Nobody Knows You When You're Down and Out

5. I Am Yours

6. Anyday

7. Key to the Highway

Disco 2:

8. Tell the Truth

9. Why Does Love Got to Be So Sad?

10. Have You Ever Loved a Woman

11. Little Wing (cover de Jimi Hendrix)

12. It's Too Late

13. Layla

14. Thorn Tree in the Garden

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0028. Miriam Makeba – Miriam Makeba (1960)

Publicado en 1960 por RCA Victor, este álbum debut marca el inicio discográfico internacional de una figura que fue, a la vez, icono musical y símbolo de resistencia global. Miriam Makeba, homónimo, no es simplemente un disco de presentación: es una afirmación de identidad africana en pleno corazón del siglo XX, lanzado en un momento en que el apartheid sudafricano arreciaba y los oídos del mundo occidental apenas comenzaban a abrirse a otras sonoridades no eurocentristas.

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Contexto: del exilio al escenario global

A fines de los años 50, Miriam Makeba fue expulsada de su Sudáfrica natal por su militancia y su denuncia del apartheid. Ya había llamado la atención del público con su participación en el musical King Kong y el documental Come Back, Africa. Fue este último el que atrajo a Harry Belafonte, quien la apadrinó en Estados Unidos y ayudó a lanzar su carrera internacional.

Este álbum se graba en ese contexto: una joven mujer africana en el exilio, cantando para el mundo, con una voz clara, dulce pero firme, que atraviesa idiomas y fronteras. La producción de Belafonte se nota en los arreglos cuidados, pero nunca opresivos: el disco suena tradicional sin dejar de estar pensado para el oyente occidental.

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Análisis musical

El repertorio es un equilibrio entre canciones tradicionales africanas, estándares internacionales y piezas folclóricas reimaginadas con instrumentación acústica. Makeba canta en xhosa, zulú, swahili, inglés y portugués, y lo hace con una naturalidad que convierte cada idioma en puro ritmo y emoción.

• “The Retreat Song (Jikele Maweni)” abre el disco con ritmo y vitalidad: percusión viva, llamada y respuesta vocal, una sensación tribal y moderna a la vez. Es una bienvenida que suena ancestral y urgente.

• “Suliram” (canción de cuna indonesia) muestra la dimensión multicultural del álbum. La voz de Makeba aquí es tierna, etérea, como una corriente suave que no necesita alzar el volumen para ser magnética.

• “Mbube” (conocida luego como "The Lion Sleeps Tonight") revela la raíz africana de uno de los temas más versionados de la historia del pop. En esta versión, sin arreglos pop, suena poderosa y auténtica.

• “Olilili”, “Kilimanjaro” y “Nagula” son otras joyas del repertorio africano tradicional, cantadas con precisión rítmica y emoción contenida. El uso del silencio y el fraseo melódico es soberbio: Makeba no canta para deslumbrar, sino para contar.

• “One More Dance” y “House of the Rising Sun” incorporan influencias folk europeas y americanas, sin que Makeba pierda su centro identitario. Su versión del clásico sureño es más sombría y personal que muchas posteriores.

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Legado

Este disco no solo presentó al mundo una de las voces más distintivas del siglo XX: presentó un continente. Para muchos oyentes fuera de África, Miriam Makeba fue el primer encuentro con músicas e idiomas que no sonaban en la radio. Makeba rompió barreras culturales con elegancia, sin concesiones y sin pedir permiso.

Desde este disco hasta sus colaboraciones con Belafonte, su activismo en Naciones Unidas o sus años en el exilio guineano, Makeba se mantuvo fiel a una idea: la música como identidad, resistencia y puente entre mundos.

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Listado de temas:

1. The Retreat Song (Jikele Maweni)

2. Suliram

3. The Click Song

4. Umhome

5. Olilili

6. Lakutshon Ilanga

7. Mbube

8. The Naughty Little Flea

9. Where Does It Lead

10. Nomeva

11. House of the Rising Sun

12. Saduva

13. One More Dance

14. Iya Guduza

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Sin sangre de Alessandro Baricco

Sinopsis: Manuel Roca y sus dos hijos viven en una vieja granja aislada. Un día, un Mercedes con cuatro hombres dentro sube por el camino que lleva a la casa. Algo tan terrible como indescriptible está a punto de suceder, algo que cambiará la vida de todos de manera irremediable, sobre todo la vida de la pequeña Nina. Una historia que hurga en las profundidades del alma humana. Los protagonistas son víctimas de una guerra infinita que despierta las pasiones y los instintos más escondidos. La espiral de odio que engulle a los personajes sólo parece disolverse gracias a la decisión de Nina, quien sabrá dar sentido y futuro al dolor mayor... 

Opinión: No me ha gustado tanto como otros libros de Baricco. Podemos dividir el libro en 2 partes. La primera parte para mí es la mejor, la segunda parte del libro es asombrosa, ya que uno se queda pensando lo que puede llegar a cometer una persona por venganza. Es entretenido y ameno.

0016. Tito Puente - Dance Mania (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1958 por RCA Victor, Dance Mania no solo fue el disco más exitoso de Tito Puente, sino también una piedra angular del mambo y de la música latina grabada en los Estados Unidos. Si Machito había trazado el puente entre el jazz y lo afrocaribeño, Puente aquí lo revienta con percusión, vientos, energía de club y orquesta a pleno fuego. No es un disco de jazz, ni de salsa (término aún inexistente), ni de latin pop: es mambo, en su versión más expansiva, sofisticada y poderosa.

La portada ya es una declaración: una mujer bailando en trance, la orquesta rugiendo, y al fondo, Tito, el verdadero protagonista de esta fiesta incontrolable que se llamó Nueva York en los 50.

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Contexto:

A mediados del siglo XX, el mambo era el fenómeno cultural latino más explosivo en EE.UU., y Tito Puente su figura más carismática. Percusionista, arreglista, compositor y director, Tito fusionó la herencia afrocaribeña con la energía del jazz big band. Desde el Palladium Ballroom en Manhattan, su música sonaba como una gran fiesta donde todos eran bienvenidos… si podían seguir el ritmo.

Dance Mania llega cuando la escena latina estaba en su pico de popularidad, pero también marca una cima artística: es un disco de precisión milimétrica y fuerza cruda. No hay aquí espacio para la calma: todo es movimiento, vientos afilados, coros contagiosos y una percusión que no pide permiso, sino que arrastra.

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Análisis de temas destacados:

1. El Cayuco
   Abre el disco y deja todo claro: esto es puro mambo. Las trompetas estallan, el ritmo se impone, y Tito marca el paso con su timbal como si fuese un general del ritmo. El break instrumental es adrenalina pura.

2. Complicación
   Brillante mezcla de arreglos orquestales y sabrosura callejera. Aquí brilla el contraste entre la estructura de big band y la espontaneidad percusiva. Los coros responden con un swing irresistible.

3. 3-D Mambo
   Como sugiere el título, este tema tiene profundidad, capas, y efectos sonoros que parecen adelantados a su época. El saxofón se entrelaza con las congas en una especie de danza casi psicodélica… en 1958.

4. Cuando Te Vea
   Un bolero-mambo que permite respirar un poco, pero sin perder elegancia ni groove. Es aquí donde se percibe que Tito también dominaba el lado romántico de la pista.

5. Sabor
   El nombre lo dice todo. Esta pieza es un testamento del swing latino: todo está al servicio del cuerpo. Los timbales, otra vez, dominan y conducen.

6. Hong Kong Mambo
   Uno de los temas más famosos del disco, con una melodía pegajosa, algo exótica (con ecos orientales estilizados), y una rítmica feroz. El mambo, aquí, se vuelve global.

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Conclusión:

Dance Mania no solo es el disco más célebre de Tito Puente: es una obra maestra absoluta del mambo, un género muchas veces reducido a cliché, pero que aquí suena como lo que realmente fue: una revolución sonora afrocaribeña, popular y elegante a la vez.

Cada corte del álbum está pensado para hacerte mover, pero con una orquesta tan ajustada y brillante que el baile y la escucha se vuelven uno solo. La percusión brilla —timbales, bongós, congas—, pero también los arreglos, los metales, y la voz enérgica de los coros que gritan con orgullo y swing.

Este disco es puro Nueva York latino, puro cuerpo, pura clase. Imposible no rendirse a su energía.

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Listado de temas:

1. El Cayuco

2. Complicación

3. 3-D Mambo

4. Llego Miján

5. Cuando Te Vea

6. Hong Kong Mambo

7. Mambo Gozón

8. Mi Chiquita Quiere Bembé

9. Varsity Drag

10. Estoy Siempre Junto a Ti

11. Agua Limpia Todo

12. Sabor

13. Siento Que No Estás

14. A Gozar Timbero

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0661. Cocteau Twins - Heaven Or Las Vegas (1990)

Cocteau Twins

Heaven or Las Vegas (1990)

Periodo de grabación: 1990

Estudio: September Sound, Londres

Productores: Cocteau Twins

Sello original: 4AD

Contexto

Heaven or Las Vegas representa la cúspide de la evolución de la banda hacia un sonido radiante y accesible. Marcado por una turbulencia personal profunda, el álbum trasciende el artificio de su producción para convertirse en una obra de urgencia emocional pura.

Análisis de Estilo

El disco es un tratado sobre la textura. El uso de guitarras procesadas crea capas infinitas que emulan paisajes sonoros oníricos. La voz de Elizabeth Fraser, utilizando glosolalias y una dicción no convencional, permite que el oyente proyecte su propia narrativa. La producción logra un equilibrio cristalino entre la melancolía del dream pop y una estructura pop contundente.

Selección de Temas

• Cherry-coloured Funk: La síntesis perfecta del sonido Cocteau; una aurora boreal sonora.
• Pitch the Baby: Un ejercicio de pop radiante y dinámico.
• Fifty-fifty Clown: Complejidad armónica y una línea de bajo fundamental.
• Heaven or Las Vegas: La pieza titular; una reflexión sobre la maternidad y la existencia.
• Iceblink Luck: Virtuosismo tímbrico y equilibrio armónico.
• Wolf in the Breast: Introspección y cierre emocional del álbum.

Conclusión

Considerado el canon del dream pop, este álbum sentó las bases para el shoegaze y la música electrónica atmosférica posterior. Es una obra atemporal que demuestra que la música popular puede ser abstracta y visceral simultáneamente.

Tracklist (Edición Estándar)

1. Cherry-coloured Funk
2. Pitch the Baby
3. Iceblink Luck
4. Fifty-fifty Clown
5. Heaven or Las Vegas
6. I Wear Your Ring
7. Fotzepolitic
8. Wolf in the Breast
9. Road, River and Rail
10. Frou-frou Foxes in Midsummer Fires

0454. Adam & the Ants – Kings of the Wild Frontier (1980)

0454. Adam and the Ants – Kings of the Wild Frontier (1980)

A pesar de su efímera existencia y ciertos maltratos de la crítica, Adam & the Ants me resulta una banda extraña, inclasificable, pero pionera de las tendencias inmediatamente posteriores en el variopinto e inacabable medio británico. Sus ideas e imágenes provinieron de Stuart Goddard un guitarrista y cantante que fuera uno de los tantos iluminados tras el primer concierto de Sex Pistols.

Goddard armó su propia banda y se rebautizo así mismo como Adam Ant, vaya uno a saber si realmente por laborioso o alucinado. Ese sería el inicio de una carrera hecha casi a la medida de Bowie, es decir dedicada a las constantes transformaciones. ¿Punk? ¿Glam? Aunque queriendo, Adam debe de haber sabido que ya para ese momento no valía jugársela de purista de alguno de ellos. El resultado de eso fue parte de la onda post..lo que sea, ampliándose cada vez más en la era Thatcher. Este ecléctico reino tuvo su breve grito de victoria en 1980.

Kings of the Wild Frontier es un disco alucinante, juguetón, potente, diverso. Para cuando salió, Adam había reclutado las que serían sus hormigas más fieles, especialmente Marco Pirroni, quien lo seguiría a través de los años en su carrera solista. Dispuesto a dejar su marca en medio del ejército sonoro que hacía de ese interregno el espacio para delimitar nuevos espacios, el líder de este grupo condensó varias ideas en este trabajo. Si por un lado estaban los punkies y por otros los góticos del post punk, o los amantes de los sonidos del mundo hechos música pop, Adam & the Ants se convertiría en una suerte de reciclaje de todos ellos. La forma o estilo al cual el líder sencillamente denominó “antmusic”. Tamborileos con ecos africanos
confluían con bajos contundentes en ocasiones para luego seguir con parodias retro. En cada presentación se puede ver a la banda viviendo un rococó precursor del new romantic, en el cual Adam lucía sus pinturas de piel roja, su casaca de húsar y sus pantalones de cuero. Era de confusión entre el baile y el pogueo en la cual se insinuaba la posible convivencia entre el rock y el disco.

Listado de temas:
1.Dog Eat Dog
2.Antmusic
3.Los Rancheros
4.Feed Me to the Lions
5.Press Darlings
6.Ants Invasion
7.Killer in the Home
8.Kings of the Wild Frontier
9.The Magnificent Five
10.Don't Be Square (Be There)
11.Jolly Roger
12.Physical (You're So)
13.The Human Beings

0173. Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (1970)

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Creedence Clearwater Revival

Cosmo’s Factory (1970)

• Grabación: Fines de 1969 - junio de 1970, Wally Heider Studios (San Francisco, CA)
• Productor: John Fogerty
• Sello original: Fantasy Records

Contexto

En julio de 1970, Creedence Clearwater Revival se encontraba en el cenit de su impacto comercial y creativo, desafiando la hegemonía de las grandes bandas británicas en las listas de éxitos transatlánticas. Cosmo’s Factory, el quinto álbum de estudio del cuarteto de El Cerrito, toma su nombre del almacén en Berkeley que utilizaban como local de ensayo; un espacio rebautizado por el baterista Doug "Cosmo" Clifford debido a la ética de trabajo casi industrial impuesta por John Fogerty.

El contexto histórico situaba a la banda en una encrucijada: tras encadenar tres álbumes notables en 1969 (Bayou Country, Green River y Willy and the Poor Boys), la presión de la industria por mantener el flujo de sencillos de éxito era masiva. Fogerty respondió asumiendo el control absoluto de la producción, los arreglos y la dirección artística, convirtiendo la disciplina laboral en un blindaje contra las turbulencias internas que ya comenzaban a fracturar la cohesión del grupo debido a su liderazgo autocrático.

Análisis de Estilo

Cosmo’s Factory representa la consolidación definitiva del swamp rock y el roots rock, movimientos que operaron como una resistencia estética frente a la creciente intelectualización y los excesos de la psicodelia tardía de San Francisco. La propuesta de la banda se fundamentaba en un retorno riguroso a las raíces de la música popular estadounidense: el rhythm and blues, el country primigenio y el rockabilly, pasados por el tamiz de una producción seca, directa y de una precisión milimétrica.

La instrumentación es económica pero sumamente efectiva. La base rítmica de Stu Cook (bajo) y Doug Clifford (batería) funciona con una regularidad metronómica, proporcionando un soporte sólido sobre el cual la guitarra rítmica de Tom Fogerty expande el espectro armónico. John Fogerty se erige como el eje estructural mediante una ejecución de guitarra solista limpia de artificios, caracterizada por el uso de riffs icónicos y una voz rasgada de barítono que evoca la tradición de los cantantes de blues del Delta, a pesar de su procedencia californiana.

Técnicamente, el álbum destaca por la pureza de sus capturas en cinta analógica en los estudios Wally Heider. Las mezclas priorizan la presencia de la sección rítmica en el centro del panorama estéreo, evitando las experimentaciones de paneo de la época, y revisten la voz de Fogerty con una reverberación corta que acentúa la urgencia urbana de sus composiciones. Líricamente, el disco transita entre la alienación social, la paranoia sociopolítica de la era de Vietnam y la celebración de la herencia musical afroamericana.

Temas Destacados

1. Ramble Tamble

El corte de apertura expande los límites formales del roots rock. Estructurado como una composición en tres movimientos que se extiende más allá de los siete minutos, el tema muta de un rockabilly acelerado hacia una sección central instrumental de carácter hipnótico. En este pasaje, el pulso se ralentiza y las guitarras entrelazan líneas melódicas tensas que reflejan la angustia urbana de la época antes de regresar con violencia al motivo inicial.

2. Before You Accuse Me

Esta relectura del clásico de Bo Diddley ejemplifica la capacidad de la banda para apropiarse del blues tradicional sin caer en el pastiche. La ejecución destaca por la limpieza en el tono de la guitarra de John Fogerty y un patrón de shuffle ejecutado por Clifford que elude la rigidez mediante sutiles variaciones en el plato ride, otorgando al tema un dinamismo orgánico.

3. Travelin' Band

Inspirada directamente en las producciones de Little Richard de los años cincuenta, la canción es un ejercicio cinematográfico de alta velocidad. La inclusión de arreglos de vientos (ejecutados por el propio John Fogerty mediante sobregrabaciones) satura intencionadamente las frecuencias medias del registro, complementando una interpretación vocal al límite de la rotura cordal que captura la fatiga crónica de las giras internacionales.

4. Run Through the Jungle

A través de un riff de guitarra modal de un solo acorde y el uso de efectos de cinta invertida al inicio, el tema construye una atmósfera opresiva y pantanosa. Aunque frecuentemente asociada a la Guerra de Vietnam, la lírica aborda de manera cruda la proliferación de armas de fuego en la sociedad estadounidense. El uso de la armónica por parte de Fogerty añade una textura arcaica que contrasta con el carácter sombrío del bajo de Cook.

5. Up Around the Bend

Construida alrededor de uno de los riffs más célebres de la historia de la música popular, la canción funciona como un contrapunto optimista a la densidad del álbum. La producción resalta el brillo de las guitarras eléctricas de doce cuerdas y la sincronización de la base rítmica, ofreciendo una estructura de pop-rock de manual que demostraba la infalibilidad de Fogerty como arquitecto de sencillos para la radio AM.

6. I Heard It Through the Grapevine

La deconstrucción del éxito de Marvin Gaye es la pieza central del virtuosismo contenido del álbum. Extendida a lo largo de once minutos, la banda despoja al tema de los sofisticados arreglos de cuerda y vientos de la Motown para transformarlo en una larga e intensa jam de rock oscuro. La tensión se sostiene mediante la repetición hipnótica del patrón de bajo y el desarrollo progresivo de los solos de guitarra de Fogerty, que exploran sutiles disonancias dentro de la escala pentatónica.

Conclusión

Cosmo’s Factory permanece como la obra cumbre en la discografía de Creedence Clearwater Revival y un monumento de la producción musical norteamericana. Su valor histórico radica en haber demostrado que el minimalismo formal, la disciplina de ensayo y el respeto por los géneros fundacionales de la música estadounidense poseían una vigencia comercial e intelectual superior a la de las vanguardias efímeras de su tiempo. Al destilar la tradición del blues, el country y el soul en un formato de rock directo, John Fogerty y su banda firmaron un manifiesto estético que influiría decisivamente en el desarrollo posterior del southern rock, el heartland rock de Bruce Springsteen y las corrientes contemporáneas del americana.

Tracklist

1. Ramble Tamble (John Fogerty) – 7:13
2. Before You Accuse Me (Bo Diddley) – 3:24
3. Travelin' Band (John Fogerty) – 2:07
4. Ooby Dooby (Wade Moore, Dick Penner) – 2:05
5. Lookin' Out My Back Door (John Fogerty) – 2:31
6. Run Through the Jungle (John Fogerty) – 3:09
7. Up Around the Bend (John Fogerty) – 2:40
8. My Baby Left Me (Arthur Crudup) – 2:17
9. Who'll Stop the Rain (John Fogerty) – 2:28
10. I Heard It Through the Grapevine (Norman Whitfield, Barrett Strong) – 11:05
11. Long As I Can See the Light (John Fogerty) – 3:33
12. Up around the bend - Live in Amsterdam 9-10-71
13. Born on the bayou - At fantasy studios

Libros gratis en el metro de Madrid

Vodafone acaba de lanzar una aplicación llamada App Vodafone L2 que permitirá a todos los usuarios de la L2 del metro en Madrid descargarse un libro al mes totalmente gratis. Además, no hará falta ser cliente de Vodafone para utilizarla, así que todos los viajeros de la línea están de enhorabuena. La app está disponible tanto para iOS como para Android.

El funcionamiento de la app es sencillo, te descargas el libro mientras viajas por la L2 y luego puedes leerlo offline donde mejor te convenga. Vodafone L2 tiene además un agregador de noticias por si a primera hora de la mañana no estás como para ponerte a leer un libro y prefieres enterarte de la actualidad.

Vodafone ha llegado a un acuerdo con la editorial Penguin Random House para los libros que son superventas, como El mundo amarillo, de Espinosa, La catedral del mar, de Falcones, La hermandad de la Sábana Santa, de Julia Navarro, La casa de los amores imposibles, de Cristina López Barrio, Te daré la tierra, de Chufo Lloréns y El verano de los juguetes muertos, de Toni Hill.

Podéis descargar la app Vodafone L2 desde este enlace

0026. Elvis Presley – Elvis is Back! (1960)

Grabación y publicación:

Grabado en Nashville durante las sesiones de marzo y abril de 1960 y publicado por RCA Victor en abril de ese mismo año, Elvis Is Back! marca el regreso discográfico oficial de Elvis Presley tras dos años de servicio militar en Alemania. El título no deja lugar a dudas: Elvis ha vuelto… pero no es exactamente el mismo.

Este no es el Elvis adolescente y temerario de Jailhouse Rock o Hound Dog. Aquí encontramos a un Elvis más refinado, más versátil, más ambicioso vocalmente, dispuesto a explorar el pop sofisticado, el R&B de estudio, las baladas sensibles y el nuevo sonido estereofónico de los años 60.

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Contexto:

Tras su regreso del ejército, el mundo había cambiado, y Elvis también. Ya no era simplemente el rebelde del rockabilly; ahora era una figura consagrada que debía reinventarse. Con Elvis Is Back!, Presley demuestra que no necesita escándalo ni provocación para impresionar: basta con una voz en plenitud, un repertorio variado y una producción a la altura de su leyenda.

Las sesiones fueron supervisadas por su histórico productor Steve Sholes, con los mejores músicos de estudio de Nashville (los “Nashville A-Team”), incluidos Scotty Moore, D.J. Fontana, Hank Garland y Floyd Cramer. La calidad técnica del disco es impecable, y la voz de Elvis nunca había sonado tan rica, controlada y expresiva.

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Análisis de temas destacados:

1. "Such a Night"
   Adaptación de un tema doo-wop con un swing irresistible. Elvis se lanza con una intensidad vocal juguetona, sensual y precisa. Casi una declaración de intenciones: está de vuelta y en control.

2. "Fever"
   Puro minimalismo y sofisticación. Voz, chasquidos, bajo y percusión. Nada más. Elvis se convierte en crooner, pero sin perder su sensualidad latente. Una versión que rivaliza con la de Peggy Lee.

3. "The Girl of My Best Friend"
   Pop sentimental con tono casi adolescente, pero cantado con una madurez emocional que no se había oído en sus primeros discos. Suavidad sin empalago.

4. "Reconsider Baby"
   Blues desgarrado. Aquí Presley se mide con los grandes del género y no desentona en absoluto. El fraseo es crudo, sin adorno, honesto. La guitarra de Hank Garland, un lujo.

5. "It Feels So Right"
   Balada oscura, con tintes soul. El control dinámico de su voz, pasando del susurro a la súplica, demuestra una expresividad renovada.

6. "Dirty, Dirty Feeling"
   Uno de los pocos momentos donde el Elvis más rockero asoma. Breve, directo, con ese ritmo frenético que recuerda su época Sun Records, aunque con una producción más pulida.

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Conclusión:

Elvis Is Back! es uno de los discos más infravalorados y esenciales de su carrera. Sin hits obvios (aunque varios singles salieron de estas sesiones), este LP es un retrato íntimo de un artista que ha crecido, que ahora canta con más intención, más matices, más sabiduría vocal.

Aquí no hay artificio: hay una colección de canciones que permiten a Elvis mostrar todos sus registros —el bluesman contenido, el baladista elegante, el romántico empedernido, el seductor de voz baja. Es su álbum más adulto, más controlado, y a la vez, uno de los más arriesgados.

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Listado de temas:

1. Make Me Know It

2. Fever

3. The Girl of My Best Friend

4. I Will Be Home Again

5. Dirty, Dirty Feeling

6. Thrill of Your Love

7. Soldier Boy

8. Such a Night

9. It Feels So Right

10. The Girl Next Door Went A’Walking

11. Like a Baby

12. Reconsider Baby

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0015. Little Richard – Here's Little Richard (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1957 por Specialty Records, Here's Little Richard es más que un debut: es una explosión fundacional. Grabado en varias sesiones entre 1955 y 1956, este álbum captura con furia cruda y desbordante el espíritu proto-salvaje del rock and roll en sus primeros años. Aquí no hay sofisticación ni sutilezas: hay fuego, frenesí, sudor, piano a martillazos, gritos salidos del alma… y un joven Little Richard que patea la puerta del siglo XX con sus zapatos de charol y su copete desafiando la gravedad.

No es exagerado decir que este disco marcó una era. Cada tema es una especie de manifiesto sonoro de irreverencia, de deseo, de libertad rítmica. Y aunque el rock and roll ya se venía gestando en las calles y estudios del sur de EE.UU., fue Little Richard quien lo escupió al mundo con rabia y maquillaje.

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Contexto:

Para 1957, el rock and roll era aún una criatura en crecimiento, y aunque Chuck Berry lo intelectualizaba y Elvis lo suavizaba para la audiencia blanca, Little Richard lo lanzaba sin filtro, como una llamarada que no pedía permiso. Con influencias claras del gospel, el boogie-woogie y el rhythm & blues, su estilo era excesivo en todos los sentidos: su voz, su piano, su estética y, sobre todo, su actitud.

Este álbum compila sus primeros grandes singles para Specialty, incluyendo "Tutti Frutti", "Long Tall Sally", "Rip It Up" y "Ready Teddy", canciones que definieron el ritmo, la energía y el lenguaje del rock. El impacto fue inmediato y universal: de James Brown a los Beatles, de Prince a Bowie, todos bebieron de esta fuente sin fondo.

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Análisis de temas destacados:

1. Tutti Frutti
   El inicio es un aullido que ya pertenece a la historia: "A-wop-bop-a-loo-bop-a-lop-bam-boom!". Este grito es como un nacimiento sónico, un aviso de que algo nuevo —y peligrosamente emocionante— ha llegado. El ritmo, el swing del piano, el fraseo vocal: todo arde.

2. Long Tall Sally
   Más rápido, más feroz. Aquí, la economía lírica se combina con una intensidad imparable. Little Richard canta como si estuviera escapando del infierno con una banda de demonios saxofonistas pisándole los talones.

3. Rip It Up
   Un clásico inmediato. El riff de piano es puro boogie-woogie pasado por un tubo de electricidad. No hay descanso ni respiración, solo la urgencia de vivir la noche al máximo.

4. Ready Teddy
   Otra bomba de dos minutos. Aquí se despliega la energía cinética del rock primitivo, con el saxofón soltando fuego por encima del ritmo galopante.

5. Slippin' and Slidin'
   Más cercana al R&B, pero con la misma energía endiablada. Richard baila con las palabras, desliza sílabas, juega con la síncopa: es un trapezista vocal.

6. Jenny, Jenny
   Repetitiva, hipnótica, demoledora. La canción se basa en un solo grito mutante: el nombre de una mujer, repetido como si fuera conjuro, o quizás súplica.

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Conclusión:

Here's Little Richard es un documento sísmico. No es simplemente un álbum: es una explosión cultural comprimida en vinilo. Es la traducción de lo que pasaba en las esquinas negras del sur de Estados Unidos en lenguaje universal. Es el grito de libertad de un joven queer, negro y desafiante en un mundo que no sabía cómo clasificarlo.

El piano de Little Richard no acompaña: golpea, embiste, incendia. Su voz es un rayo. Su presencia, una revolución.

Este disco no solo es esencial para entender el rock and roll. Es esencial para entender cómo la música popular puede romper barreras de raza, género, clase y tiempo.

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Listado de temas:

1. Tutti Frutti

2. True, Fine Mama

3. Can't Believe You Wanna Leave

4. Ready Teddy

5. Baby

6. Slippin' and Slidin'

7. Long Tall Sally

8. Miss Ann

9. Oh Why?

10. Rip It Up

11. Jenny, Jenny

12. She's Got It

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Damages (Daños y perjuicios)

Damages (Daños y perjuicios) es un drama legal estadounidense creado por Daniel Zelman y los hermanos Glenn y Todd A. Kessler (conocidos como KZK). En Estados Unidos se emitió por los canales de cable FX y Audience Network, y la serie está producida por KZK Productions, la productora de los creadores. Su estreno se produjo el 24 de julio de 2007. El elenco de la serie ha sido nominado y galardonado con numerosos premios, en especial sus protagonistas, Rose Byrne y Glenn Close, ésta última ganadora de un Globo de Oro y dos Emmys a mejor actriz dramática en 2008 y 2009.

La serie gira en torno a Patty Hewes (Glenn Close), una todopoderosa abogada litigadora, que hará lo que deba para enjusticiar a los corruptos. Eso sí, lo hará siguiendo su peculiar sistema de valores, creado por Patty Hewes al servicio de Patty Hewes. La secunda Rose Byrne, en el papel de Ellen Parsons, la recién "salida del horno" brillante discípula de la ley que siempre se encontrará en posición de decidir si la ética está por encima de la justicia o si es la ambición quien lo está. 

El eje de la serie lo conforma la relación entre ellas dos, tanto en su vida profesional y privada como su similitud a la hora de establecer una escala de valores, planteando siempre la cuestión de cuánto se parecen ambas bajo la superficie, y si Ellen terminará siendo como Patty. 

La serie consta de cinco temporadas, de 13 episodios las tres primeras y de 10 episodios a partir de la cuarta. Hasta la tercera temporada la serie fué emitida por el canal FX. Tras la tercera temporada, la serie fué renovada por dos temporadas más, que se emitieron en la cadena Audience Network, propiedad servicio de televisión directa por satélite DirecTV a partir de 2011.2

Fuente: Wikipedia

Mi opinión: La primera temporada es buenísima. Los actores fantásticos,  las tramas secundarias muy buenas. Pero a partir de hay todo se repite en mayor o menor medida y cada una de las temporadas siguientes es peor.  

La trama de cada temporada tiene como nudo argumental un gran caso judicial que lleva el bufete de Patty Hewes (Glenn Close), casos que tienen su paralelismo en alguno real que ha conmocionado a USA, a partir de esto la estructura argumental va de adelante hacia atrás y atrás hacia adelante mediante unos flashforwards en los que hay de por medio un asesinato del que nos van dando pequeñas pistas que te provocan la ansiedad por saber la verdad.

0013. Machito - Kenya (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1957 por Roulette Records, Kenya es el punto culminante del trabajo de Machito y su Afro-Cubans, una de las orquestas más importantes en la historia del jazz afrolatino. Grabado en Nueva York con un elenco de titanes como Cándido Camero, Mario Bauzá y Cannonball Adderley, este disco es una muestra impecable del cruce entre jazz big band estadounidense y ritmos afrocubanos de raíz profunda. Es un álbum explosivo y meticuloso, festivo y cerebral a la vez.

El subtítulo no engaña: esto es Afro-Cuban Jazz en su forma más pura, sofisticada y potente. Aquí no hay fusión light ni adornos exóticos; lo que hay es un lenguaje nuevo que nace del cruce entre África, el Caribe y Harlem.

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Contexto:

Machito (Francisco Raúl Gutiérrez Grillo) fue, junto a su cuñado Mario Bauzá, uno de los arquitectos del jazz afrocubano, creando desde los años 40 una música que combinaba la potencia rítmica de los tambores afrocubanos con la estructura y los arreglos de las big bands del swing.

Kenya aparece en un momento clave: en plena efervescencia del mambo y mientras artistas como Dizzy Gillespie y Chano Pozo ya habían demostrado que el jazz podía abrirse a otras lógicas rítmicas. Pero Machito va más allá: no solo adapta el jazz a ritmos cubanos, sino que los fusiona a nivel orquestal, creando un sonido expansivo, de una riqueza y energía que pocos discos pueden igualar.

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Análisis de temas destacados:

1. Wild Jungle
   El álbum abre con una descarga fulminante. Trompetas y saxos lanzan líneas afiladas, mientras las congas y los timbales rugen por debajo. La sensación es clara: estás en territorio salvaje y todo puede pasar.

2. Congo Mulence
   Uno de los momentos más funkys y profundos. La sección rítmica se balancea entre el jazz modal y la tradición afrocubana, con riffs hipnóticos de metales. Aquí el groove es ley.

3. Kenya
   El tema que da título al disco evoca una conexión más directa con África. Melódicamente más sutil, pero con una base rítmica intensísima. Es un puente simbólico entre el continente africano y el Nueva York latino.

4. Minor Rama
   Una joya de sofisticación. Aquí se escucha el swing de Count Basie, pero empapado en clave cubana. Los solos improvisados se insertan con naturalidad entre los arreglos de precisión milimétrica.

5. Cannonology
   Con el gran Cannonball Adderley en el saxo alto, este corte funciona casi como un encuentro entre el bebop y la rumba. Adderley no solo se adapta: brilla, probando que los lenguajes del jazz y lo afrocubano pueden hablarse sin traducción.

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Conclusión:

Kenya no es solo un álbum excelente: es un manifiesto. Un disco donde se rompen las barreras entre lo latino y lo jazzístico, entre lo rítmico y lo melódico, entre la pista de baile y la sala de conciertos. Machito y su orquesta logran una alquimia sonora que aún hoy suena fresca, poderosa y única.

Es un trabajo de altísima exigencia musical —los arreglos de Mario Bauzá son tan complejos como emocionantes—, pero también un disco profundamente físico. Aquí se baila y se estudia al mismo tiempo. No por nada Kenya es considerado uno de los grandes discos del jazz afrolatino y un hito en la historia de la música del siglo XX.

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Listado de temas:

1. Wild Jungle

2. Congo Mulence

3. Kenya

4. Oyeme

5. Holiday

6. Cannonology

7. Frenzy

8. Blues á la Machito

9. Conversation

10. Tin Tin Deo

11. Minor Rama

12. Tururato

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Nuevo elemento para la tabla periódica.

El Ununseptio es el nuevo elemento de la tabla periódica. Es más pesado que el plomo y cuenta con 117 protones. De hecho ese es su número. Su entrada ha sido aprobada por la Unión Internacional de Química Pura y Aplicada. 

Su principal característica es que es el segundo elemento más pesado del mundo, por detrás del Ununonctio, y un 40% más que el plomo. Un grupo de científicos del centro de investigación de Alemania GSI ha conseguido sintetizarlo. El último elemento en entrar en la tabla periódica fue el Livermorio en 2010 Esta sintetización es clave para que un nuevo elemento sea considerado como tal. De hecho, uno de los requisitos de la Unión Internacional de Química Pura y Aplicada es que dos laboratorios independientes lo consigan. Así pues, el Ununseptio ha llegado a la tabla periódica después de que se descubriera en 2010 y se haya intentado reproducir en un laboratorio a lo largo de estos 4 años.

La actual distribución de los elementos químicos se atribuye al científico ruso Dmitri Mendeléyev quien los ordenó según su masa atómica. En esa clasificación dejó huecos específicos para elementos que él intuía que existían pero aún no habían sido descubiertos. Como el nuevo Ununseptio que a partir de ahora será uno más en la tabla periódica.

Mi pregunta ¿Quién elige los nombres?