Dicen que en la variedad está el gusto. Desde aqui espero hablaros de todo, actualidad, música, cine,etc. Una ventana abierta al mundo.
17 diciembre 2014
Greenpace en Perú
28 noviembre 2014
Tren directo de China a España
23 noviembre 2014
0179. Black Sabbath – Black Sabbath (1970)
16 noviembre 2014
0171. Alexander 'Skip' Spence – Oar (1969)
Grabación y producción:
Grabado en Nashville, Tennessee, durante apenas dos semanas en diciembre de 1968, tras la salida de Spence de un hospital psiquiátrico. Fue producido por Spence mismo con mínima supervisión de Columbia Records, quien prácticamente abandonó el proyecto desde el inicio.
No es un álbum que busca complacer. Es una confesión grabada, una libreta de pensamientos rotos, a medio camino entre el folk, el blues, la psicodelia y la demencia lúcida. Su vulnerabilidad, lejos de ser un defecto, lo ha convertido en un disco de culto y un precursor de todo el movimiento lo-fi, outsider y anti-folk.
Análisis de temas destacados:
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Little HandsAbre el disco con aparente ligereza, pero ya asoma la disonancia. Es una canción de cuna torcida, con tintes infantiles y al mismo tiempo perturbadores. Los coros desafinados y la instrumentación minimalista anuncian el tono general.
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Cripple CreekUna reinterpretación libre de la canción tradicional. Aquí, Spence fragmenta el folk y lo presenta como un recuerdo deteriorado. La voz parece provenir de otra habitación, como si él mismo no supiera que está siendo grabado.
-
Weighted Down (The Prison Song)Una de las piezas más oscuras y reveladoras del disco. Habla de la opresión mental y física con una honestidad que duele. Las guitarras están afinadas de forma no estándar, el tempo es errático. El resultado es claustrofóbico y magnético.
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DianaPosiblemente el momento más desgarrado del disco. Aquí Spence grita, susurra y aúlla con una emoción cruda, primitiva. Es un exorcismo más que una canción. Difícil de escuchar, imposible de olvidar.
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War in PeacePsicodelia etérea y ambiente desorientador. Un viaje que recuerda a Syd Barrett, pero menos juguetón y más existencialmente perdido.
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All Come to Meet HerUna breve pieza que roza lo celestial. Aquí el tono cambia momentáneamente: luz entre el humo, como una aparición fugaz de ternura y aceptación.
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Broken HeartQuizás la más "canción" del disco. Melódica, triste, hermosa. La voz de Spence aquí es transparente, como si hablara desde otro plano. Es la confesión de alguien que ya no espera redención, solo comprensión.
Conclusión:
Oar no es un álbum para todos. Es crudo, errático, profundamente humano. Pero para quienes se adentran en él, se convierte en una experiencia emocional devastadora y reveladora. Spence grabó este álbum como si fuera su testamento personal, sin expectativa comercial, sin filtros.
Más que un disco, Oar es un documento sonoro de la fragilidad mental, un álbum que convirtió el colapso psicológico en arte sin artificio. En el panorama musical actual, sigue siendo una pieza insustituible, valiente y adelantada a su tiempo.
Listado de temas:
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Little Hands
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Cripple Creek
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Diana
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Margaret - Tiger Rug
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Weighted Down (The Prison Song)
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War in Peace
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Broken Heart
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All Come to Meet Her
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Books of Moses
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Dixie Peach Promenade (Yin for Yang)
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Lawrence of Euphoria
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Grey / Afro
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This Time He Has Come
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It's the Best Thing for You
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Furry Heroine (Halo of Gold)
09 noviembre 2014
0018. Ramblin' Jack Elliott - Jack Takes the Floor (1958)
Grabación y publicación:
Publicado originalmente por el sello británico Topic Records en 1958, Jack Takes the Floor fue el primer disco de larga duración de Ramblin’ Jack Elliott, un joven neoyorquino con alma de vaquero y corazón de trovador. Grabado en Londres mientras recorría Europa como un auténtico vagabundo folk, el álbum es una cápsula sonora de la tradición norteamericana, contada desde la voz de un joven que bebió directamente de la fuente: Woody Guthrie.
El título no engaña: Jack toma el piso, la escena, el micrófono… y cuenta historias. Solo con su guitarra y su voz nasal y arrastrada, va desgranando baladas, canciones tradicionales, cuentos y chistes con una naturalidad que parece improvisada pero está cargada de saber oral.
Contexto:
A fines de los años 50, la música folk aún era un fenómeno marginal, rural y anticomercial. Elliott, discípulo directo de Guthrie, ayudó a mantener viva esa llama entre Europa y Estados Unidos cuando pocos se interesaban. Su estilo era rústico, sincero, profundamente informal. No buscaba pulido ni perfección: buscaba verdad.
Su influencia sería decisiva. Sin Elliott, probablemente no habría Bob Dylan tal como lo conocemos. Dylan lo imitó al principio hasta en el tono de voz. Pero más allá de ese legado, Jack Takes the Floor es importante por derecho propio: un mapa acústico de la cultura popular norteamericana.
Análisis de temas destacados:
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San Francisco Bay BluesAbre el disco con humor y ritmo, mezclando blues con swing campestre. Es un clásico del repertorio folk-blues y Elliott lo canta con naturalidad juguetona, como si lo hubiera compuesto ayer.
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Bed Bug BluesOtra muestra de su amor por las canciones con personajes pintorescos. Elliott no solo canta, actúa los temas, los conversa, los revive.
-
Cocaine BluesClásico de la tradición oral estadounidense, donde Jack narra con un tono desenfadado una historia trágica. La tensión entre la gravedad de la letra y su manera casi burlona de interpretarla le da fuerza narrativa.
-
Talking BluesAquí brilla su herencia Guthrie. Más que cantar, declama, conversa, improvisa. El “talking blues” es una forma libre, una mezcla de canción y monólogo humorístico. Elliott lo domina como un trovador moderno.
-
I’m Gonna Tell God How You Treat MeUno de los pocos momentos donde se asoma la solemnidad espiritual del folk negro. Su versión es cruda, casi desnuda, como un canto de fogata en la noche.
-
Roll on, BuddyHimno ferroviario que recuerda a los obreros, a los trenes y al movimiento perpetuo. La cadencia rítmica es hipnótica, y la interpretación tiene sabor a polvo de carretera.
Conclusión:
Jack Takes the Floor no es un disco hecho para impresionar, sino para acompañar. Es como sentarse con alguien que ha recorrido miles de millas a dedo y tiene historias que contar. No hay arreglos, ni producción brillante, ni técnica vocal deslumbrante. Hay honestidad, humor, y herencia. Y eso es todo lo que necesita.
Ramblin’ Jack Elliott fue un eslabón fundamental entre la vieja tradición oral de Estados Unidos y el revival folk que estaba por llegar. Este disco es una de las grabaciones más puras y fieles a ese espíritu nómada, contestatario y profundamente humano del folk primitivo.
Listado de temas (versión original del LP):
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San Francisco Bay Blues
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Bed Bug Blues
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New York Town
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Candy Man
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I Belong to Glasgow
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Salty Dog
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Cocaine
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Boll Weevil
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Talking Blues
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I’m Gonna Tell God How You Treat Me
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Roll on, Buddy
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Jack O' Diamonds
02 noviembre 2014
Legado de Christopher Paolini

26 octubre 2014
Doves - Lost Souls (2000)
23 octubre 2014
Ola gigante de 28 metros en España
19 octubre 2014
0665. The Shamen - En-Tact (1990)
Listado de temas:
1.Move Any Mountain (Progen – Beatmasters 7)
2.Human NRG (Massey)
3.Possible Worlds
4.Omega Amigo (Steve Osbourne Mix)
5.Evil is Even
6.Hyperreal (Orbit – Early Fade)
7.Lightspan (Chapman)
8.Make it Mine (v1.3 Lenny D Vox)
9.Oxygen Restriction
10.Hear Me O My People
11.Move Any Mountain (666 edit)
12.Make it Mine (Minimal)
13.Hyperreal (Selector Edit)
14.Lightspan (Soundwave Edit)
15.Progen ‘91 (I.R.P. in the Land of Oz)
12 octubre 2014
0457. Cramps – Songs the Lord Taught Us (1980)
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Listado de temas:
1.TV Set
2.Rock on the Moon
3.Garbageman
4.I Was a Teenage Werewolf
5.Sunglasses After Dark
6.Mad Daddy, The
7.Mystery Plane
8.Zombie Dance
9.What's Behind the Mask
10.Strychnine
11.I'm Cramped
12.Tear It Up
13.Fever
14.I Was a Teenage Werewolf - (original mix)
15.Mystery Plane - (original mix)
16.Twist and Shout - (previously unreleased)
17.I'm Cramped - (original mix)
18.Mad Daddy, The - (original mix)
09 octubre 2014
¿Calentamiento Global?
05 octubre 2014
0178. Spirit – Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)
Listado de temas
01. Prelude - Nothin' To Hide
02. Nature's Way
03. Animal Zoo
04. Love Has Found A Way
05. Why Can't I Be Free
06. Mr. Skin
07. Space Child
08. When I Touch You
09. Street Worm
10. Life Has Just Begun
11. Morning Will Come
12. Soldier
13. Rougher Road
14. Animal Zoo [Mono Single Version]
15. Morning Will Come
28 septiembre 2014
0027. Muddy Waters – At Newport (1960)
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Grabado en vivo el 3 de julio de 1960 durante el Newport Jazz Festival y publicado ese mismo año por Chess Records, este álbum captura algo más que una simple actuación: es la electrificación ceremonial del blues frente al mundo. En un momento donde los Estados Unidos se debatían entre la tradición y el cambio, Muddy Waters —el gran arquitecto del blues de Chicago— subió al escenario como un huracán en carne viva, y dejó registrado uno de los discos en vivo más legendarios de la música afroamericana del siglo XX.
Contexto histórico y simbólico
El Newport Jazz Festival había comenzado a abrir tímidamente sus puertas al blues, pero la inclusión de Muddy fue aún vista por algunos como una apuesta arriesgada. La noche anterior a su presentación, disturbios provocaron tensión en el evento. Al día siguiente, cuando Muddy y su banda tomaron el escenario, no solo estaban tocando música: estaban reivindicando una cultura.
Frente a una audiencia mayoritariamente blanca e intelectualizada, Muddy rompió cualquier barrera cultural con fuerza cruda y elegancia rítmica. La potencia de su voz, la electricidad de su slide guitar y la intensidad de su banda marcaron el momento en que el blues dejó de ser considerado una curiosidad folclórica para convertirse en una fuerza legítima y moderna.
Análisis musical
El disco es un manifiesto eléctrico. La banda —compuesta por gigantes como Otis Spann (piano), James Cotton (armónica), Pat Hare (guitarra), Andrew Stephenson (bajo) y Francis Clay (batería)— funciona como una sola criatura rítmica, afilada, explosiva.
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“I’ve Got My Brand on You” abre con un tempo lento y sensual, donde Muddy canta con una mezcla de amenaza y carisma. El piano de Spann marca un tono íntimo y poderoso.
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“I’m Your Hoochie Coochie Man” irrumpe como un ritual de masculinidad: declarativo, grave, innegociable. Cada pausa es una bomba de tensión.
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“Baby, Please Don’t Go” acelera el pulso. Cotton ruge con su armónica y la banda suena como una locomotora.
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“Got My Mojo Working (Parts 1 y 2)” es el clímax absoluto. Es herejía llamarlo “sólo” blues: es energía pura, llamada y respuesta, trance eléctrico. La audiencia responde, grita, se incorpora al rito.
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“Tiger in Your Tank” y “I Feel So Good” muestran a Muddy en su faceta más lúdica y vibrante, con un ritmo que coquetea con el rock primitivo.
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“Soon Forgotten” aporta un color más introspectivo, casi jazzístico, donde Spann se luce al piano y Muddy canta como un crooner del delta.
Legado y trascendencia
Este disco no solo confirmó la estatura de Muddy Waters; redibujó los límites del blues. Fue piedra angular para el renacimiento del género en los 60, especialmente entre músicos británicos como The Rolling Stones, Led Zeppelin o Eric Clapton, quienes escucharon este álbum como un llamado iniciático.
La famosa portada —con Muddy blandiendo su guitarra como si fuera un arma— se convirtió en símbolo visual de una música que ya no pedía permiso, sino que reclamaba su lugar en la historia.
Listado de temas:
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I’ve Got My Brand on You
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I’m Your Hoochie Coochie Man
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Baby, Please Don’t Go
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Soon Forgotten
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Tiger in Your Tank
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I Feel So Good
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I've Got My Mojo Working
I've Got My Mojo Working, Part 2
Goodbye Newport Blues
I Got My Brand on You - (bonus track)
Soon Forgotten - (bonus track)
Tiger in Your Tank - (bonus track)
Meanest Woman - (bonus track)
25 septiembre 2014
¿Quieres aprender otro idioma?
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21 septiembre 2014
0017. Billie Holiday – Lady in Satin (1958)
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Grabación y publicación:
Grabado entre febrero y marzo de 1958 y publicado ese mismo año por Columbia Records, Lady in Satin es el penúltimo álbum de estudio de Billie Holiday y, sin duda, uno de los más dolorosamente bellos de toda su carrera. A diferencia de los registros más crudos y jazzeros de su juventud, aquí la acompañan cuidadosos arreglos orquestales del maestro Ray Ellis, pensados como un marco lujoso, incluso cinematográfico, para una voz rota, temblorosa y completamente humana.
Este no es un disco para encontrar virtuosismo técnico. Es un álbum donde la emoción está desnuda, sin filtros, y donde cada grieta vocal se convierte en verdad emocional. Holiday, enferma, frágil, marcada por las adicciones y por una vida de racismo, abuso y desamor, canta aquí como quien se despide de todo.
Contexto:
A finales de los años 50, Billie ya era una leyenda viva, pero también una figura trágica. Sus días de gloria con Lester Young y Teddy Wilson habían quedado atrás. Su voz —que en los años 30 y 40 era ligera, irónica, ágil— ahora era áspera, baja, casi resquebrajada. Sin embargo, fue justamente en ese momento cuando ella decidió grabar Lady in Satin, no como un regreso, sino como un testamento emocional.
Lo hizo con una gran orquesta, con cuerdas, coros y arreglos que remiten más al pop vocal tradicional que al jazz, pero lo importante aquí no es el estilo, sino la entrega emocional total. Holiday transforma baladas sentimentales y estándares románticos en confesiones existenciales.
Análisis de temas destacados:
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I'm a Fool to Want YouAbre el disco como un lamento sin escudo. Su voz entra como si ya estuviera llorando antes de que suene la primera nota. La canción —compuesta por Frank Sinatra, entre otros— se vuelve, en su boca, una súplica desolada.
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For Heaven's SakeAquí canta no para seducir, sino para implorar, con una dulzura rota. La fragilidad de su voz, sostenida por las cuerdas, parte el alma.
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You Don't Know What Love IsUno de los puntos más conmovedores del disco. Billie no solo canta la letra: la vive, la encarna, como si cada palabra hubiera sido escrita para ella y por ella. La orquesta flota detrás, sin interferir.
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I Get Along Without You Very WellEl sarcasmo del título se desvanece al oírla. Billie no se engaña ni engaña al oyente: no se está recuperando, sigue rota.
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Violets for Your FursMenos oscura, con cierto aire de melancolía elegante. Pero incluso aquí, el vibrato tembloroso de Holiday hace que cada frase parezca una despedida.
-
I'll Be AroundQuizás la canción más estoica del álbum. Hay una cierta dignidad en su entrega, como si dijera: “me iré, pero quedaré aquí, en tu recuerdo”.
Conclusión:
Lady in Satin no es un disco de jazz en el sentido clásico. Es un réquiem emocional, un diario íntimo musicalizado, un susurro al oído del oyente. La voz de Billie Holiday ya no es la que fue, pero eso no importa: es mucho más expresiva, más real, más humana. Cada temblor, cada nota fuera de tono, cada suspiro, cuenta una historia de vida y de pérdida.
Este álbum no busca entretener ni brillar: busca herirte, pero con belleza. Es Billie al borde del abismo, pero con una elegancia insoportable.
Listado de temas:
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I'm a Fool to Want You
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For Heaven's Sake
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You Don't Know What Love Is
-
I Get Along Without You Very Well
-
For All We Know
-
Violets for Your
You've Changed
It's Easy to Remember
But Beautiful
Glad to Be Unhappy
I'll Be Around
The End of a Love Affair (Mono)
I'm a Fool to Want You (take 3)
I'm a Fool to Want You (take 2)
The End of a Love Affair (stereo)
Pause Track
17 septiembre 2014
Cuentos desde el reino peligroso

23 agosto 2014
0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)

0177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)
Listado de temas:
1. Pharaoh's Dance
2. Bitches Brew
3. Spanish Key
4. John Mclaughlin
5. Miles Runs The Voodoo Down
6. Sanctuary
16 agosto 2014
0463. Judas Priest - British Steel
Grabación y publicación:
British Steel fue grabado en los estudios Startling Studios de Ringo Starr (ubicados en la campiña inglesa de Berkshire) durante febrero de 1980, y se publicó el 14 de abril de ese mismo año a través de Columbia Records. Fue producido por Tom Allom, quien ya había trabajado con la banda en Unleashed in the East (1979) y se consolidó aquí como un arquitecto del sonido más directo y accesible de Judas Priest.
Este fue el primer álbum grabado con el baterista Dave Holland, y marcó un cambio de rumbo: una simplificación del sonido, sin perder fuerza, pensada para alcanzar un público más amplio.
Contexto y estilo:
A fines de los 70s, el heavy metal tradicional británico comenzaba a consolidarse como una fuerza global, pero enfrentaba una identidad difusa entre los excesos del hard rock y la llegada del punk. Con British Steel, Judas Priest destiló el heavy metal en su forma más pura y accesible, convirtiéndose en pioneros del sonido que luego definiría a la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), junto a Iron Maiden y Saxon.
Este disco esencializó los riffs metálicos, eliminando adornos progresivos y dándole prioridad al gancho melódico, las letras combativas y los coros poderosos. La portada, con una cuchilla de afeitar sostenida entre los dedos, es ya parte del canon visual del género.
Análisis de temas destacados:
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“Breaking the Law”: Uno de los himnos más icónicos del heavy metal. Riff simple y explosivo, letra de rebelión urbana, y una duración perfecta para las radios. Su influencia se extiende mucho más allá del metal: es puro arquetipo de actitud.
-
“Rapid Fire”: Abre el álbum a toda velocidad. Anticipa, de hecho, la agresividad del thrash metal con un ritmo galopante y guitarras gemelas afiladas. Rob Halford escupe las letras con una energía casi punk.
-
“Metal Gods”: Tema de cadencia marcial y sonido futurista. Las letras —una metáfora de los dioses metálicos que destruyen a la humanidad— se convertirían en una de las marcas de identidad de la banda. Aquí comienza el culto a los “metal gods” que perdura hasta hoy.
-
“Living After Midnight”: Otro éxito rotundo. Más hard rock que metal puro, con un riff pegajoso y espíritu festivo. Se convirtió en un clásico inmediato en vivo y mostró el costado más comercial de Judas Priest sin perder credibilidad.
-
“Grinder”: Duro, oscuro, con un riff pesado que anticipa el groove metal de los 90. Letra en clave de lucha por la libertad individual.
Conclusión:
British Steel no solo es un hito en la discografía de Judas Priest, es una piedra angular en la historia del heavy metal. Aporta una fórmula que inspiraría décadas de metal clásico y moderno: riffs gancheros, producción pulida, actitud desafiante y estribillos coreables.
Es un disco que equilibra la agresividad con la accesibilidad y que transformó a Judas Priest en una banda de estadios. Sin British Steel, probablemente el heavy metal no habría alcanzado el mismo nivel de penetración en la cultura popular de los 80s.
Listado de temas:
-
Rapid Fire
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Metal Gods
-
Breaking the Law
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Grinder
-
United
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You Don't Have to Be Old to Be Wise
-
Living After Midnight
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The Rage
-
Steeler
09 agosto 2014
Superluna
03 agosto 2014
0456. AC/DC – Back in Black (1980)
Listado de temas:
1.Hells Bells
2.Shoot to Thrill
3.What Do You Do For Money Honey
4.Given the Dog a Bone
5.Let Me Put My Love Into You
6.Back in Black
7.You Shook Me All Night Long
8.Have a Drink on Me
9.Shake a Leg
10.Rock and Roll Ain't Noise Pollution
29 julio 2014
0029. Everly Brothers - A Date With the Everly Brothers (1960)
Grabación y producción:
Si bien el disco incluye grandes éxitos como “Cathy’s Clown”, también ofrece cortes menos conocidos que demuestran una sensibilidad melódica sofisticada y una sorprendente economía emocional. Las guitarras acústicas, las líneas eléctricas limpias y el acompañamiento discreto permiten que las voces se conviertan en el verdadero instrumento central.
Análisis de temas destacados:
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Made to LoveEl álbum abre con fuerza. Energía contagiosa y estructura simple que se apoya en las armonías precisas de Don y Phil. Es un rock & roll suave pero efectivo, cargado de juventud y seguridad.
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That’s Just Too MuchMelancólica y casi desesperada. Aquí los Everly suenan más country que rock, y eso les sienta bien. Las guitarras punteadas y el ritmo lento acentúan el dramatismo.
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Stick With Me BabyCortesía de Felice y Boudleaux Bryant, los compositores fetiche del dúo. Es íntima, suave, y perfecta para mostrar cómo los Everly Brothers dominaban el arte de la balada sin caer en lo cursi.
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Baby What You Want Me to DoUna versión del clásico de Jimmy Reed. Aquí aparece una veta más rítmica y blusera, aunque suavizada por el toque Everly. Contrasta con el resto del álbum y añade variedad.
-
Cathy’s ClownSin duda el plato fuerte. Fue el primer gran éxito de los Everly en Warner, y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de su carrera. La melodía, el ritmo quebrado y esa sensación de orgullo herido lo hacen un clásico atemporal. La mezcla de dramatismo adolescente y perfección melódica no tiene comparación.
-
LucilleAdaptación energética del tema de Little Richard. Aquí se sueltan un poco más, mostrando su capacidad para interpretar material más explosivo sin perder su sello.
-
Love HurtsAntes de que la hiciera famosa Nazareth, los Everly grabaron esta joya devastadora. La versión es contenida, pero poderosa. Suena a resignación más que a furia, y por eso es aún más efectiva.
-
Donna, DonnaCierra el disco con un aire casi folk. Curiosa, introspectiva, y distinta. Es el tipo de canción que revela que los Everly no solo sabían armonizar, sabían elegir repertorio con inteligencia.
Conclusión:
A Date With the Everly Brothers captura el equilibrio perfecto entre juventud e introspección, entre el ímpetu del rock & roll y la dulzura melancólica del country-pop. Más que un simple álbum de éxitos, es un documento de cómo dos voces pueden generar una alquimia irrepetible.
La influencia del dúo es directa en artistas como The Beatles, Simon & Garfunkel o Nick Drake. Y este álbum es un ejemplo de cómo el talento vocal y el sentido del arreglo pueden elevar canciones sencillas a la categoría de arte popular duradero.
Listado de temas:
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Made to Love
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That’s Just Too Much
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Stick With Me Baby
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Baby What You Want Me to Do
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Sigh, Cry, Almost Die
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Always It’s You
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Love Hurts
-
Lucille
-
So How Come (No One Loves Me)
-
Donna, Donna
-
A Change of Heart
-
Cathy’s Clown
20 julio 2014
0455. Dexys Midnight Runners – Searching for the Young Soul Rebels (1980)
Listado de temas:
1.Burn It Down
2.Tell Me My Lights Turn Green
3.Teams That Meet in the Caffs
4.I'm Just Looking
5.Geno
6.Seven Days Too Long
7.I Couldn't Help If I Tried
8.Thankfully Not Living in Yorkshire Doesn't Apply
9.Keep It
10.Love Part One
11.There There My Dear
17 julio 2014
0174. Derek & the Dominos - Layla And Other Assorted Love Songs (1970)
Grabado entre agosto y septiembre de 1970 en Criteria Studios (Miami) con producción de Tom Dowd, el álbum fue publicado en noviembre de ese mismo año por Atco Records (subsello de Atlantic). La banda —formada como proyecto de una sola vez— estaba liderada por Eric Clapton, acompañado de Bobby Whitlock, Carl Radle y Jim Gordon, junto al invitado esencial: Duane Allman, de The Allman Brothers Band.
Análisis de temas destacados:
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I Looked AwayEl disco abre sin rodeos con un tema que parece menor, pero que ya deja entrever el tono emocional del álbum. La voz de Clapton está rota, pero firme, mientras Whitlock complementa con coros cálidos.
-
Bell Bottom BluesAquí aparece la fragilidad con toda su fuerza. Clapton canta desde la desesperación: “Do you want me to crawl back to you?”. Uno de los temas más melódicos y confesionales del disco. Piano, guitarra y voz avanzan con una tristeza resignada, pero hermosa.
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Keep On GrowingPrimer estallido de blues-rock con groove. Guitarras sobrepuestas, fraseo suelto, y un jam eléctrico que comienza a mostrar la química entre Clapton y Allman.
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Nobody Knows You When You're Down and OutCover clásico del repertorio de Bessie Smith. En manos del grupo, suena orgánico, con un aire relajado pero sólido. Aporta al disco ese tono de blues de bar a medianoche, íntimo y cálido.
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Have You Ever Loved a WomanQuizá la declaración más directa de Clapton sobre Pattie Boyd. Un slow blues denso, que avanza como confesión más que como canción. Las guitarras lloran, literalmente. No es actuación.
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LaylaEl momento cumbre. Doble sección: primero, el riff mítico, esa guitarra como aullido, desesperada y urgente. Luego, el inesperado piano final de Jim Gordon (con arreglo no acreditado a su novia Rita Coolidge), que convierte el lamento en epifanía. Es quizás la mejor síntesis de dolor romántico en la historia del rock.
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Thorn Tree in the GardenCierra el álbum con un lamento acústico de Bobby Whitlock. Íntimo, campestre, casi una carta abandonada en un porche vacío. Una despedida suave después del huracán emocional.
Conclusión:
Layla and Other Assorted Love Songs es una implosión emocional con forma de disco, un testamento de pasión no correspondida y crisis interna convertido en arte. Su desorden, su fuerza, su tristeza, lo convierten en una obra tan humana como imperfecta. No es un álbum pulido: es una herida abierta cantada con distorsión, soul y entrega.
La guitarra de Duane Allman actúa como eco del corazón de Clapton: aguda, melódica, desesperada. Y aunque el grupo solo existió para este álbum, lo que lograron aquí supera décadas de carreras enteras.
Listado de temas:
Disco 1:
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I Looked Away
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Bell Bottom Blues
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Keep On Growing
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Nobody Knows You When You're Down and Out
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I Am Yours
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Anyday
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Key to the Highway
10 julio 2014
0028. Miriam Makeba – Miriam Makeba (1960)
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Publicado en 1960 por RCA Victor, este álbum debut marca el inicio discográfico internacional de una figura que fue, a la vez, icono musical y símbolo de resistencia global. Miriam Makeba, homónimo, no es simplemente un disco de presentación: es una afirmación de identidad africana en pleno corazón del siglo XX, lanzado en un momento en que el apartheid sudafricano arreciaba y los oídos del mundo occidental apenas comenzaban a abrirse a otras sonoridades no eurocentristas.
Contexto: del exilio al escenario global
A fines de los años 50, Miriam Makeba fue expulsada de su Sudáfrica natal por su militancia y su denuncia del apartheid. Ya había llamado la atención del público con su participación en el musical King Kong y el documental Come Back, Africa. Fue este último el que atrajo a Harry Belafonte, quien la apadrinó en Estados Unidos y ayudó a lanzar su carrera internacional.
Este álbum se graba en ese contexto: una joven mujer africana en el exilio, cantando para el mundo, con una voz clara, dulce pero firme, que atraviesa idiomas y fronteras. La producción de Belafonte se nota en los arreglos cuidados, pero nunca opresivos: el disco suena tradicional sin dejar de estar pensado para el oyente occidental.
Análisis musical
El repertorio es un equilibrio entre canciones tradicionales africanas, estándares internacionales y piezas folclóricas reimaginadas con instrumentación acústica. Makeba canta en xhosa, zulú, swahili, inglés y portugués, y lo hace con una naturalidad que convierte cada idioma en puro ritmo y emoción.
-
“The Retreat Song (Jikele Maweni)” abre el disco con ritmo y vitalidad: percusión viva, llamada y respuesta vocal, una sensación tribal y moderna a la vez. Es una bienvenida que suena ancestral y urgente.
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“Suliram” (canción de cuna indonesia) muestra la dimensión multicultural del álbum. La voz de Makeba aquí es tierna, etérea, como una corriente suave que no necesita alzar el volumen para ser magnética.
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“Mbube” (conocida luego como "The Lion Sleeps Tonight") revela la raíz africana de uno de los temas más versionados de la historia del pop. En esta versión, sin arreglos pop, suena poderosa y auténtica.
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“Olilili”, “Kilimanjaro” y “Nagula” son otras joyas del repertorio africano tradicional, cantadas con precisión rítmica y emoción contenida. El uso del silencio y el fraseo melódico es soberbio: Makeba no canta para deslumbrar, sino para contar.
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“One More Dance” y “House of the Rising Sun” incorporan influencias folk europeas y americanas, sin que Makeba pierda su centro identitario. Su versión del clásico sureño es más sombría y personal que muchas posteriores.
Legado
Este disco no solo presentó al mundo una de las voces más distintivas del siglo XX: presentó un continente. Para muchos oyentes fuera de África, Miriam Makeba fue el primer encuentro con músicas e idiomas que no sonaban en la radio. Makeba rompió barreras culturales con elegancia, sin concesiones y sin pedir permiso.
Desde este disco hasta sus colaboraciones con Belafonte, su activismo en Naciones Unidas o sus años en el exilio guineano, Makeba se mantuvo fiel a una idea: la música como identidad, resistencia y puente entre mundos.
Listado de temas:
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The Retreat Song (Jikele Maweni)
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Suliram
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The Click Song
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Umhome
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Olilili
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Lakutshon Ilanga
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Mbube
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The Naughty Little Flea
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Where Does It Lead
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Nomeva
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House of the Rising Sun
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Saduva
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One More Dance
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Iya Guduza
Dicen que en la variedad está el gusto. Desde aqui espero hablaros de todo, actualidad, música, cine,etc. Una ventana abierta al mundo.