0174. Derek & the Dominos - Layla And Other Assorted Love Songs (1970)

Grabación y publicación:

Grabado entre agosto y septiembre de 1970 en Criteria Studios (Miami) con producción de Tom Dowd, el álbum fue publicado en noviembre de ese mismo año por Atco Records (subsello de Atlantic). La banda —formada como proyecto de una sola vez— estaba liderada por Eric Clapton, acompañado de Bobby Whitlock, Carl Radle y Jim Gordon, junto al invitado esencial: Duane Allman, de The Allman Brothers Band.

Concepto:

Layla and Other Assorted Love Songs es un disco profundamente confesional, ardiente y caótico, hecho en un momento donde el alma de Clapton estaba partida en dos: su lucha con la adicción y su amor no correspondido por Pattie Boyd (la esposa de su amigo George Harrison). En lugar de esconderlo, Clapton lo vierte todo en un doble álbum que suena a desgarro, a deseo, a obsesión. El resultado: un clásico inesperado del rock-blues, que no fue un éxito inmediato pero que con el tiempo se volvió referencia absoluta.

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Análisis de temas destacados:

1. I Looked Away
   El disco abre sin rodeos con un tema que parece menor, pero que ya deja entrever el tono emocional del álbum. La voz de Clapton está rota, pero firme, mientras Whitlock complementa con coros cálidos.

2. Bell Bottom Blues
   Aquí aparece la fragilidad con toda su fuerza. Clapton canta desde la desesperación: “Do you want me to crawl back to you?”. Uno de los temas más melódicos y confesionales del disco. Piano, guitarra y voz avanzan con una tristeza resignada, pero hermosa.

3. Keep On Growing
   Primer estallido de blues-rock con groove. Guitarras sobrepuestas, fraseo suelto, y un jam eléctrico que comienza a mostrar la química entre Clapton y Allman.

4. Nobody Knows You When You're Down and Out
   Cover clásico del repertorio de Bessie Smith. En manos del grupo, suena orgánico, con un aire relajado pero sólido. Aporta al disco ese tono de blues de bar a medianoche, íntimo y cálido.

5. Have You Ever Loved a Woman
   Quizá la declaración más directa de Clapton sobre Pattie Boyd. Un slow blues denso, que avanza como confesión más que como canción. Las guitarras lloran, literalmente. No es actuación.

6. Layla
   El momento cumbre. Doble sección: primero, el riff mítico, esa guitarra como aullido, desesperada y urgente. Luego, el inesperado piano final de Jim Gordon (con arreglo no acreditado a su novia Rita Coolidge), que convierte el lamento en epifanía. Es quizás la mejor síntesis de dolor romántico en la historia del rock.

7. Thorn Tree in the Garden
   Cierra el álbum con un lamento acústico de Bobby Whitlock. Íntimo, campestre, casi una carta abandonada en un porche vacío. Una despedida suave después del huracán emocional.

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Conclusión:

Layla and Other Assorted Love Songs es una implosión emocional con forma de disco, un testamento de pasión no correspondida y crisis interna convertido en arte. Su desorden, su fuerza, su tristeza, lo convierten en una obra tan humana como imperfecta. No es un álbum pulido: es una herida abierta cantada con distorsión, soul y entrega.

La guitarra de Duane Allman actúa como eco del corazón de Clapton: aguda, melódica, desesperada. Y aunque el grupo solo existió para este álbum, lo que lograron aquí supera décadas de carreras enteras.

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Listado de temas:

Disco 1:

1. I Looked Away

2. Bell Bottom Blues

3. Keep On Growing

4. Nobody Knows You When You're Down and Out

5. I Am Yours

6. Anyday

7. Key to the Highway

Disco 2:

8. Tell the Truth

9. Why Does Love Got to Be So Sad?

10. Have You Ever Loved a Woman

11. Little Wing (cover de Jimi Hendrix)

12. It's Too Late

13. Layla

14. Thorn Tree in the Garden

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0028. Miriam Makeba – Miriam Makeba (1960)

Publicado en 1960 por RCA Victor, este álbum debut marca el inicio discográfico internacional de una figura que fue, a la vez, icono musical y símbolo de resistencia global. Miriam Makeba, homónimo, no es simplemente un disco de presentación: es una afirmación de identidad africana en pleno corazón del siglo XX, lanzado en un momento en que el apartheid sudafricano arreciaba y los oídos del mundo occidental apenas comenzaban a abrirse a otras sonoridades no eurocentristas.

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Contexto: del exilio al escenario global

A fines de los años 50, Miriam Makeba fue expulsada de su Sudáfrica natal por su militancia y su denuncia del apartheid. Ya había llamado la atención del público con su participación en el musical King Kong y el documental Come Back, Africa. Fue este último el que atrajo a Harry Belafonte, quien la apadrinó en Estados Unidos y ayudó a lanzar su carrera internacional.

Este álbum se graba en ese contexto: una joven mujer africana en el exilio, cantando para el mundo, con una voz clara, dulce pero firme, que atraviesa idiomas y fronteras. La producción de Belafonte se nota en los arreglos cuidados, pero nunca opresivos: el disco suena tradicional sin dejar de estar pensado para el oyente occidental.

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Análisis musical

El repertorio es un equilibrio entre canciones tradicionales africanas, estándares internacionales y piezas folclóricas reimaginadas con instrumentación acústica. Makeba canta en xhosa, zulú, swahili, inglés y portugués, y lo hace con una naturalidad que convierte cada idioma en puro ritmo y emoción.

• “The Retreat Song (Jikele Maweni)” abre el disco con ritmo y vitalidad: percusión viva, llamada y respuesta vocal, una sensación tribal y moderna a la vez. Es una bienvenida que suena ancestral y urgente.

• “Suliram” (canción de cuna indonesia) muestra la dimensión multicultural del álbum. La voz de Makeba aquí es tierna, etérea, como una corriente suave que no necesita alzar el volumen para ser magnética.

• “Mbube” (conocida luego como "The Lion Sleeps Tonight") revela la raíz africana de uno de los temas más versionados de la historia del pop. En esta versión, sin arreglos pop, suena poderosa y auténtica.

• “Olilili”, “Kilimanjaro” y “Nagula” son otras joyas del repertorio africano tradicional, cantadas con precisión rítmica y emoción contenida. El uso del silencio y el fraseo melódico es soberbio: Makeba no canta para deslumbrar, sino para contar.

• “One More Dance” y “House of the Rising Sun” incorporan influencias folk europeas y americanas, sin que Makeba pierda su centro identitario. Su versión del clásico sureño es más sombría y personal que muchas posteriores.

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Legado

Este disco no solo presentó al mundo una de las voces más distintivas del siglo XX: presentó un continente. Para muchos oyentes fuera de África, Miriam Makeba fue el primer encuentro con músicas e idiomas que no sonaban en la radio. Makeba rompió barreras culturales con elegancia, sin concesiones y sin pedir permiso.

Desde este disco hasta sus colaboraciones con Belafonte, su activismo en Naciones Unidas o sus años en el exilio guineano, Makeba se mantuvo fiel a una idea: la música como identidad, resistencia y puente entre mundos.

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Listado de temas:

1. The Retreat Song (Jikele Maweni)

2. Suliram

3. The Click Song

4. Umhome

5. Olilili

6. Lakutshon Ilanga

7. Mbube

8. The Naughty Little Flea

9. Where Does It Lead

10. Nomeva

11. House of the Rising Sun

12. Saduva

13. One More Dance

14. Iya Guduza

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Sin sangre de Alessandro Baricco

Sinopsis: Manuel Roca y sus dos hijos viven en una vieja granja aislada. Un día, un Mercedes con cuatro hombres dentro sube por el camino que lleva a la casa. Algo tan terrible como indescriptible está a punto de suceder, algo que cambiará la vida de todos de manera irremediable, sobre todo la vida de la pequeña Nina. Una historia que hurga en las profundidades del alma humana. Los protagonistas son víctimas de una guerra infinita que despierta las pasiones y los instintos más escondidos. La espiral de odio que engulle a los personajes sólo parece disolverse gracias a la decisión de Nina, quien sabrá dar sentido y futuro al dolor mayor... 

Opinión: No me ha gustado tanto como otros libros de Baricco. Podemos dividir el libro en 2 partes. La primera parte para mí es la mejor, la segunda parte del libro es asombrosa, ya que uno se queda pensando lo que puede llegar a cometer una persona por venganza. Es entretenido y ameno.

0016. Tito Puente - Dance Mania (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1958 por RCA Victor, Dance Mania no solo fue el disco más exitoso de Tito Puente, sino también una piedra angular del mambo y de la música latina grabada en los Estados Unidos. Si Machito había trazado el puente entre el jazz y lo afrocaribeño, Puente aquí lo revienta con percusión, vientos, energía de club y orquesta a pleno fuego. No es un disco de jazz, ni de salsa (término aún inexistente), ni de latin pop: es mambo, en su versión más expansiva, sofisticada y poderosa.

La portada ya es una declaración: una mujer bailando en trance, la orquesta rugiendo, y al fondo, Tito, el verdadero protagonista de esta fiesta incontrolable que se llamó Nueva York en los 50.

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Contexto:

A mediados del siglo XX, el mambo era el fenómeno cultural latino más explosivo en EE.UU., y Tito Puente su figura más carismática. Percusionista, arreglista, compositor y director, Tito fusionó la herencia afrocaribeña con la energía del jazz big band. Desde el Palladium Ballroom en Manhattan, su música sonaba como una gran fiesta donde todos eran bienvenidos… si podían seguir el ritmo.

Dance Mania llega cuando la escena latina estaba en su pico de popularidad, pero también marca una cima artística: es un disco de precisión milimétrica y fuerza cruda. No hay aquí espacio para la calma: todo es movimiento, vientos afilados, coros contagiosos y una percusión que no pide permiso, sino que arrastra.

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Análisis de temas destacados:

1. El Cayuco
   Abre el disco y deja todo claro: esto es puro mambo. Las trompetas estallan, el ritmo se impone, y Tito marca el paso con su timbal como si fuese un general del ritmo. El break instrumental es adrenalina pura.

2. Complicación
   Brillante mezcla de arreglos orquestales y sabrosura callejera. Aquí brilla el contraste entre la estructura de big band y la espontaneidad percusiva. Los coros responden con un swing irresistible.

3. 3-D Mambo
   Como sugiere el título, este tema tiene profundidad, capas, y efectos sonoros que parecen adelantados a su época. El saxofón se entrelaza con las congas en una especie de danza casi psicodélica… en 1958.

4. Cuando Te Vea
   Un bolero-mambo que permite respirar un poco, pero sin perder elegancia ni groove. Es aquí donde se percibe que Tito también dominaba el lado romántico de la pista.

5. Sabor
   El nombre lo dice todo. Esta pieza es un testamento del swing latino: todo está al servicio del cuerpo. Los timbales, otra vez, dominan y conducen.

6. Hong Kong Mambo
   Uno de los temas más famosos del disco, con una melodía pegajosa, algo exótica (con ecos orientales estilizados), y una rítmica feroz. El mambo, aquí, se vuelve global.

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Conclusión:

Dance Mania no solo es el disco más célebre de Tito Puente: es una obra maestra absoluta del mambo, un género muchas veces reducido a cliché, pero que aquí suena como lo que realmente fue: una revolución sonora afrocaribeña, popular y elegante a la vez.

Cada corte del álbum está pensado para hacerte mover, pero con una orquesta tan ajustada y brillante que el baile y la escucha se vuelven uno solo. La percusión brilla —timbales, bongós, congas—, pero también los arreglos, los metales, y la voz enérgica de los coros que gritan con orgullo y swing.

Este disco es puro Nueva York latino, puro cuerpo, pura clase. Imposible no rendirse a su energía.

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Listado de temas:

1. El Cayuco

2. Complicación

3. 3-D Mambo

4. Llego Miján

5. Cuando Te Vea

6. Hong Kong Mambo

7. Mambo Gozón

8. Mi Chiquita Quiere Bembé

9. Varsity Drag

10. Estoy Siempre Junto a Ti

11. Agua Limpia Todo

12. Sabor

13. Siento Que No Estás

14. A Gozar Timbero

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0661. Cocteau Twins - Heaven Or Las Vegas (1990)

Cocteau Twins

Heaven or Las Vegas (1990)

Periodo de grabación: 1990

Estudio: September Sound, Londres

Productores: Cocteau Twins

Sello original: 4AD

Contexto

Heaven or Las Vegas representa la cúspide de la evolución de la banda hacia un sonido radiante y accesible. Marcado por una turbulencia personal profunda, el álbum trasciende el artificio de su producción para convertirse en una obra de urgencia emocional pura.

Análisis de Estilo

El disco es un tratado sobre la textura. El uso de guitarras procesadas crea capas infinitas que emulan paisajes sonoros oníricos. La voz de Elizabeth Fraser, utilizando glosolalias y una dicción no convencional, permite que el oyente proyecte su propia narrativa. La producción logra un equilibrio cristalino entre la melancolía del dream pop y una estructura pop contundente.

Selección de Temas

• Cherry-coloured Funk: La síntesis perfecta del sonido Cocteau; una aurora boreal sonora.
• Pitch the Baby: Un ejercicio de pop radiante y dinámico.
• Fifty-fifty Clown: Complejidad armónica y una línea de bajo fundamental.
• Heaven or Las Vegas: La pieza titular; una reflexión sobre la maternidad y la existencia.
• Iceblink Luck: Virtuosismo tímbrico y equilibrio armónico.
• Wolf in the Breast: Introspección y cierre emocional del álbum.

Conclusión

Considerado el canon del dream pop, este álbum sentó las bases para el shoegaze y la música electrónica atmosférica posterior. Es una obra atemporal que demuestra que la música popular puede ser abstracta y visceral simultáneamente.

Tracklist (Edición Estándar)

1. Cherry-coloured Funk
2. Pitch the Baby
3. Iceblink Luck
4. Fifty-fifty Clown
5. Heaven or Las Vegas
6. I Wear Your Ring
7. Fotzepolitic
8. Wolf in the Breast
9. Road, River and Rail
10. Frou-frou Foxes in Midsummer Fires

0454. Adam & the Ants – Kings of the Wild Frontier (1980)

0454. Adam and the Ants – Kings of the Wild Frontier (1980)

A pesar de su efímera existencia y ciertos maltratos de la crítica, Adam & the Ants me resulta una banda extraña, inclasificable, pero pionera de las tendencias inmediatamente posteriores en el variopinto e inacabable medio británico. Sus ideas e imágenes provinieron de Stuart Goddard un guitarrista y cantante que fuera uno de los tantos iluminados tras el primer concierto de Sex Pistols.

Goddard armó su propia banda y se rebautizo así mismo como Adam Ant, vaya uno a saber si realmente por laborioso o alucinado. Ese sería el inicio de una carrera hecha casi a la medida de Bowie, es decir dedicada a las constantes transformaciones. ¿Punk? ¿Glam? Aunque queriendo, Adam debe de haber sabido que ya para ese momento no valía jugársela de purista de alguno de ellos. El resultado de eso fue parte de la onda post..lo que sea, ampliándose cada vez más en la era Thatcher. Este ecléctico reino tuvo su breve grito de victoria en 1980.

Kings of the Wild Frontier es un disco alucinante, juguetón, potente, diverso. Para cuando salió, Adam había reclutado las que serían sus hormigas más fieles, especialmente Marco Pirroni, quien lo seguiría a través de los años en su carrera solista. Dispuesto a dejar su marca en medio del ejército sonoro que hacía de ese interregno el espacio para delimitar nuevos espacios, el líder de este grupo condensó varias ideas en este trabajo. Si por un lado estaban los punkies y por otros los góticos del post punk, o los amantes de los sonidos del mundo hechos música pop, Adam & the Ants se convertiría en una suerte de reciclaje de todos ellos. La forma o estilo al cual el líder sencillamente denominó “antmusic”. Tamborileos con ecos africanos
confluían con bajos contundentes en ocasiones para luego seguir con parodias retro. En cada presentación se puede ver a la banda viviendo un rococó precursor del new romantic, en el cual Adam lucía sus pinturas de piel roja, su casaca de húsar y sus pantalones de cuero. Era de confusión entre el baile y el pogueo en la cual se insinuaba la posible convivencia entre el rock y el disco.

Listado de temas:
1.Dog Eat Dog
2.Antmusic
3.Los Rancheros
4.Feed Me to the Lions
5.Press Darlings
6.Ants Invasion
7.Killer in the Home
8.Kings of the Wild Frontier
9.The Magnificent Five
10.Don't Be Square (Be There)
11.Jolly Roger
12.Physical (You're So)
13.The Human Beings

0173. Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (1970)

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Creedence Clearwater Revival

Cosmo’s Factory (1970)

• Grabación: Fines de 1969 - junio de 1970, Wally Heider Studios (San Francisco, CA)
• Productor: John Fogerty
• Sello original: Fantasy Records

Contexto

En julio de 1970, Creedence Clearwater Revival se encontraba en el cenit de su impacto comercial y creativo, desafiando la hegemonía de las grandes bandas británicas en las listas de éxitos transatlánticas. Cosmo’s Factory, el quinto álbum de estudio del cuarteto de El Cerrito, toma su nombre del almacén en Berkeley que utilizaban como local de ensayo; un espacio rebautizado por el baterista Doug "Cosmo" Clifford debido a la ética de trabajo casi industrial impuesta por John Fogerty.

El contexto histórico situaba a la banda en una encrucijada: tras encadenar tres álbumes notables en 1969 (Bayou Country, Green River y Willy and the Poor Boys), la presión de la industria por mantener el flujo de sencillos de éxito era masiva. Fogerty respondió asumiendo el control absoluto de la producción, los arreglos y la dirección artística, convirtiendo la disciplina laboral en un blindaje contra las turbulencias internas que ya comenzaban a fracturar la cohesión del grupo debido a su liderazgo autocrático.

Análisis de Estilo

Cosmo’s Factory representa la consolidación definitiva del swamp rock y el roots rock, movimientos que operaron como una resistencia estética frente a la creciente intelectualización y los excesos de la psicodelia tardía de San Francisco. La propuesta de la banda se fundamentaba en un retorno riguroso a las raíces de la música popular estadounidense: el rhythm and blues, el country primigenio y el rockabilly, pasados por el tamiz de una producción seca, directa y de una precisión milimétrica.

La instrumentación es económica pero sumamente efectiva. La base rítmica de Stu Cook (bajo) y Doug Clifford (batería) funciona con una regularidad metronómica, proporcionando un soporte sólido sobre el cual la guitarra rítmica de Tom Fogerty expande el espectro armónico. John Fogerty se erige como el eje estructural mediante una ejecución de guitarra solista limpia de artificios, caracterizada por el uso de riffs icónicos y una voz rasgada de barítono que evoca la tradición de los cantantes de blues del Delta, a pesar de su procedencia californiana.

Técnicamente, el álbum destaca por la pureza de sus capturas en cinta analógica en los estudios Wally Heider. Las mezclas priorizan la presencia de la sección rítmica en el centro del panorama estéreo, evitando las experimentaciones de paneo de la época, y revisten la voz de Fogerty con una reverberación corta que acentúa la urgencia urbana de sus composiciones. Líricamente, el disco transita entre la alienación social, la paranoia sociopolítica de la era de Vietnam y la celebración de la herencia musical afroamericana.

Temas Destacados

1. Ramble Tamble

El corte de apertura expande los límites formales del roots rock. Estructurado como una composición en tres movimientos que se extiende más allá de los siete minutos, el tema muta de un rockabilly acelerado hacia una sección central instrumental de carácter hipnótico. En este pasaje, el pulso se ralentiza y las guitarras entrelazan líneas melódicas tensas que reflejan la angustia urbana de la época antes de regresar con violencia al motivo inicial.

2. Before You Accuse Me

Esta relectura del clásico de Bo Diddley ejemplifica la capacidad de la banda para apropiarse del blues tradicional sin caer en el pastiche. La ejecución destaca por la limpieza en el tono de la guitarra de John Fogerty y un patrón de shuffle ejecutado por Clifford que elude la rigidez mediante sutiles variaciones en el plato ride, otorgando al tema un dinamismo orgánico.

3. Travelin' Band

Inspirada directamente en las producciones de Little Richard de los años cincuenta, la canción es un ejercicio cinematográfico de alta velocidad. La inclusión de arreglos de vientos (ejecutados por el propio John Fogerty mediante sobregrabaciones) satura intencionadamente las frecuencias medias del registro, complementando una interpretación vocal al límite de la rotura cordal que captura la fatiga crónica de las giras internacionales.

4. Run Through the Jungle

A través de un riff de guitarra modal de un solo acorde y el uso de efectos de cinta invertida al inicio, el tema construye una atmósfera opresiva y pantanosa. Aunque frecuentemente asociada a la Guerra de Vietnam, la lírica aborda de manera cruda la proliferación de armas de fuego en la sociedad estadounidense. El uso de la armónica por parte de Fogerty añade una textura arcaica que contrasta con el carácter sombrío del bajo de Cook.

5. Up Around the Bend

Construida alrededor de uno de los riffs más célebres de la historia de la música popular, la canción funciona como un contrapunto optimista a la densidad del álbum. La producción resalta el brillo de las guitarras eléctricas de doce cuerdas y la sincronización de la base rítmica, ofreciendo una estructura de pop-rock de manual que demostraba la infalibilidad de Fogerty como arquitecto de sencillos para la radio AM.

6. I Heard It Through the Grapevine

La deconstrucción del éxito de Marvin Gaye es la pieza central del virtuosismo contenido del álbum. Extendida a lo largo de once minutos, la banda despoja al tema de los sofisticados arreglos de cuerda y vientos de la Motown para transformarlo en una larga e intensa jam de rock oscuro. La tensión se sostiene mediante la repetición hipnótica del patrón de bajo y el desarrollo progresivo de los solos de guitarra de Fogerty, que exploran sutiles disonancias dentro de la escala pentatónica.

Conclusión

Cosmo’s Factory permanece como la obra cumbre en la discografía de Creedence Clearwater Revival y un monumento de la producción musical norteamericana. Su valor histórico radica en haber demostrado que el minimalismo formal, la disciplina de ensayo y el respeto por los géneros fundacionales de la música estadounidense poseían una vigencia comercial e intelectual superior a la de las vanguardias efímeras de su tiempo. Al destilar la tradición del blues, el country y el soul en un formato de rock directo, John Fogerty y su banda firmaron un manifiesto estético que influiría decisivamente en el desarrollo posterior del southern rock, el heartland rock de Bruce Springsteen y las corrientes contemporáneas del americana.

Tracklist

1. Ramble Tamble (John Fogerty) – 7:13
2. Before You Accuse Me (Bo Diddley) – 3:24
3. Travelin' Band (John Fogerty) – 2:07
4. Ooby Dooby (Wade Moore, Dick Penner) – 2:05
5. Lookin' Out My Back Door (John Fogerty) – 2:31
6. Run Through the Jungle (John Fogerty) – 3:09
7. Up Around the Bend (John Fogerty) – 2:40
8. My Baby Left Me (Arthur Crudup) – 2:17
9. Who'll Stop the Rain (John Fogerty) – 2:28
10. I Heard It Through the Grapevine (Norman Whitfield, Barrett Strong) – 11:05
11. Long As I Can See the Light (John Fogerty) – 3:33
12. Up around the bend - Live in Amsterdam 9-10-71
13. Born on the bayou - At fantasy studios

Libros gratis en el metro de Madrid

Vodafone acaba de lanzar una aplicación llamada App Vodafone L2 que permitirá a todos los usuarios de la L2 del metro en Madrid descargarse un libro al mes totalmente gratis. Además, no hará falta ser cliente de Vodafone para utilizarla, así que todos los viajeros de la línea están de enhorabuena. La app está disponible tanto para iOS como para Android.

El funcionamiento de la app es sencillo, te descargas el libro mientras viajas por la L2 y luego puedes leerlo offline donde mejor te convenga. Vodafone L2 tiene además un agregador de noticias por si a primera hora de la mañana no estás como para ponerte a leer un libro y prefieres enterarte de la actualidad.

Vodafone ha llegado a un acuerdo con la editorial Penguin Random House para los libros que son superventas, como El mundo amarillo, de Espinosa, La catedral del mar, de Falcones, La hermandad de la Sábana Santa, de Julia Navarro, La casa de los amores imposibles, de Cristina López Barrio, Te daré la tierra, de Chufo Lloréns y El verano de los juguetes muertos, de Toni Hill.

Podéis descargar la app Vodafone L2 desde este enlace

0026. Elvis Presley – Elvis is Back! (1960)

Grabación y publicación:

Grabado en Nashville durante las sesiones de marzo y abril de 1960 y publicado por RCA Victor en abril de ese mismo año, Elvis Is Back! marca el regreso discográfico oficial de Elvis Presley tras dos años de servicio militar en Alemania. El título no deja lugar a dudas: Elvis ha vuelto… pero no es exactamente el mismo.

Este no es el Elvis adolescente y temerario de Jailhouse Rock o Hound Dog. Aquí encontramos a un Elvis más refinado, más versátil, más ambicioso vocalmente, dispuesto a explorar el pop sofisticado, el R&B de estudio, las baladas sensibles y el nuevo sonido estereofónico de los años 60.

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Contexto:

Tras su regreso del ejército, el mundo había cambiado, y Elvis también. Ya no era simplemente el rebelde del rockabilly; ahora era una figura consagrada que debía reinventarse. Con Elvis Is Back!, Presley demuestra que no necesita escándalo ni provocación para impresionar: basta con una voz en plenitud, un repertorio variado y una producción a la altura de su leyenda.

Las sesiones fueron supervisadas por su histórico productor Steve Sholes, con los mejores músicos de estudio de Nashville (los “Nashville A-Team”), incluidos Scotty Moore, D.J. Fontana, Hank Garland y Floyd Cramer. La calidad técnica del disco es impecable, y la voz de Elvis nunca había sonado tan rica, controlada y expresiva.

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Análisis de temas destacados:

1. "Such a Night"
   Adaptación de un tema doo-wop con un swing irresistible. Elvis se lanza con una intensidad vocal juguetona, sensual y precisa. Casi una declaración de intenciones: está de vuelta y en control.

2. "Fever"
   Puro minimalismo y sofisticación. Voz, chasquidos, bajo y percusión. Nada más. Elvis se convierte en crooner, pero sin perder su sensualidad latente. Una versión que rivaliza con la de Peggy Lee.

3. "The Girl of My Best Friend"
   Pop sentimental con tono casi adolescente, pero cantado con una madurez emocional que no se había oído en sus primeros discos. Suavidad sin empalago.

4. "Reconsider Baby"
   Blues desgarrado. Aquí Presley se mide con los grandes del género y no desentona en absoluto. El fraseo es crudo, sin adorno, honesto. La guitarra de Hank Garland, un lujo.

5. "It Feels So Right"
   Balada oscura, con tintes soul. El control dinámico de su voz, pasando del susurro a la súplica, demuestra una expresividad renovada.

6. "Dirty, Dirty Feeling"
   Uno de los pocos momentos donde el Elvis más rockero asoma. Breve, directo, con ese ritmo frenético que recuerda su época Sun Records, aunque con una producción más pulida.

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Conclusión:

Elvis Is Back! es uno de los discos más infravalorados y esenciales de su carrera. Sin hits obvios (aunque varios singles salieron de estas sesiones), este LP es un retrato íntimo de un artista que ha crecido, que ahora canta con más intención, más matices, más sabiduría vocal.

Aquí no hay artificio: hay una colección de canciones que permiten a Elvis mostrar todos sus registros —el bluesman contenido, el baladista elegante, el romántico empedernido, el seductor de voz baja. Es su álbum más adulto, más controlado, y a la vez, uno de los más arriesgados.

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Listado de temas:

1. Make Me Know It

2. Fever

3. The Girl of My Best Friend

4. I Will Be Home Again

5. Dirty, Dirty Feeling

6. Thrill of Your Love

7. Soldier Boy

8. Such a Night

9. It Feels So Right

10. The Girl Next Door Went A’Walking

11. Like a Baby

12. Reconsider Baby

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0015. Little Richard – Here's Little Richard (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1957 por Specialty Records, Here's Little Richard es más que un debut: es una explosión fundacional. Grabado en varias sesiones entre 1955 y 1956, este álbum captura con furia cruda y desbordante el espíritu proto-salvaje del rock and roll en sus primeros años. Aquí no hay sofisticación ni sutilezas: hay fuego, frenesí, sudor, piano a martillazos, gritos salidos del alma… y un joven Little Richard que patea la puerta del siglo XX con sus zapatos de charol y su copete desafiando la gravedad.

No es exagerado decir que este disco marcó una era. Cada tema es una especie de manifiesto sonoro de irreverencia, de deseo, de libertad rítmica. Y aunque el rock and roll ya se venía gestando en las calles y estudios del sur de EE.UU., fue Little Richard quien lo escupió al mundo con rabia y maquillaje.

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Contexto:

Para 1957, el rock and roll era aún una criatura en crecimiento, y aunque Chuck Berry lo intelectualizaba y Elvis lo suavizaba para la audiencia blanca, Little Richard lo lanzaba sin filtro, como una llamarada que no pedía permiso. Con influencias claras del gospel, el boogie-woogie y el rhythm & blues, su estilo era excesivo en todos los sentidos: su voz, su piano, su estética y, sobre todo, su actitud.

Este álbum compila sus primeros grandes singles para Specialty, incluyendo "Tutti Frutti", "Long Tall Sally", "Rip It Up" y "Ready Teddy", canciones que definieron el ritmo, la energía y el lenguaje del rock. El impacto fue inmediato y universal: de James Brown a los Beatles, de Prince a Bowie, todos bebieron de esta fuente sin fondo.

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Análisis de temas destacados:

1. Tutti Frutti
   El inicio es un aullido que ya pertenece a la historia: "A-wop-bop-a-loo-bop-a-lop-bam-boom!". Este grito es como un nacimiento sónico, un aviso de que algo nuevo —y peligrosamente emocionante— ha llegado. El ritmo, el swing del piano, el fraseo vocal: todo arde.

2. Long Tall Sally
   Más rápido, más feroz. Aquí, la economía lírica se combina con una intensidad imparable. Little Richard canta como si estuviera escapando del infierno con una banda de demonios saxofonistas pisándole los talones.

3. Rip It Up
   Un clásico inmediato. El riff de piano es puro boogie-woogie pasado por un tubo de electricidad. No hay descanso ni respiración, solo la urgencia de vivir la noche al máximo.

4. Ready Teddy
   Otra bomba de dos minutos. Aquí se despliega la energía cinética del rock primitivo, con el saxofón soltando fuego por encima del ritmo galopante.

5. Slippin' and Slidin'
   Más cercana al R&B, pero con la misma energía endiablada. Richard baila con las palabras, desliza sílabas, juega con la síncopa: es un trapezista vocal.

6. Jenny, Jenny
   Repetitiva, hipnótica, demoledora. La canción se basa en un solo grito mutante: el nombre de una mujer, repetido como si fuera conjuro, o quizás súplica.

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Conclusión:

Here's Little Richard es un documento sísmico. No es simplemente un álbum: es una explosión cultural comprimida en vinilo. Es la traducción de lo que pasaba en las esquinas negras del sur de Estados Unidos en lenguaje universal. Es el grito de libertad de un joven queer, negro y desafiante en un mundo que no sabía cómo clasificarlo.

El piano de Little Richard no acompaña: golpea, embiste, incendia. Su voz es un rayo. Su presencia, una revolución.

Este disco no solo es esencial para entender el rock and roll. Es esencial para entender cómo la música popular puede romper barreras de raza, género, clase y tiempo.

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Listado de temas:

1. Tutti Frutti

2. True, Fine Mama

3. Can't Believe You Wanna Leave

4. Ready Teddy

5. Baby

6. Slippin' and Slidin'

7. Long Tall Sally

8. Miss Ann

9. Oh Why?

10. Rip It Up

11. Jenny, Jenny

12. She's Got It

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Damages (Daños y perjuicios)

Damages (Daños y perjuicios) es un drama legal estadounidense creado por Daniel Zelman y los hermanos Glenn y Todd A. Kessler (conocidos como KZK). En Estados Unidos se emitió por los canales de cable FX y Audience Network, y la serie está producida por KZK Productions, la productora de los creadores. Su estreno se produjo el 24 de julio de 2007. El elenco de la serie ha sido nominado y galardonado con numerosos premios, en especial sus protagonistas, Rose Byrne y Glenn Close, ésta última ganadora de un Globo de Oro y dos Emmys a mejor actriz dramática en 2008 y 2009.

La serie gira en torno a Patty Hewes (Glenn Close), una todopoderosa abogada litigadora, que hará lo que deba para enjusticiar a los corruptos. Eso sí, lo hará siguiendo su peculiar sistema de valores, creado por Patty Hewes al servicio de Patty Hewes. La secunda Rose Byrne, en el papel de Ellen Parsons, la recién "salida del horno" brillante discípula de la ley que siempre se encontrará en posición de decidir si la ética está por encima de la justicia o si es la ambición quien lo está. 

El eje de la serie lo conforma la relación entre ellas dos, tanto en su vida profesional y privada como su similitud a la hora de establecer una escala de valores, planteando siempre la cuestión de cuánto se parecen ambas bajo la superficie, y si Ellen terminará siendo como Patty. 

La serie consta de cinco temporadas, de 13 episodios las tres primeras y de 10 episodios a partir de la cuarta. Hasta la tercera temporada la serie fué emitida por el canal FX. Tras la tercera temporada, la serie fué renovada por dos temporadas más, que se emitieron en la cadena Audience Network, propiedad servicio de televisión directa por satélite DirecTV a partir de 2011.2

Fuente: Wikipedia

Mi opinión: La primera temporada es buenísima. Los actores fantásticos,  las tramas secundarias muy buenas. Pero a partir de hay todo se repite en mayor o menor medida y cada una de las temporadas siguientes es peor.  

La trama de cada temporada tiene como nudo argumental un gran caso judicial que lleva el bufete de Patty Hewes (Glenn Close), casos que tienen su paralelismo en alguno real que ha conmocionado a USA, a partir de esto la estructura argumental va de adelante hacia atrás y atrás hacia adelante mediante unos flashforwards en los que hay de por medio un asesinato del que nos van dando pequeñas pistas que te provocan la ansiedad por saber la verdad.

0013. Machito - Kenya (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1957 por Roulette Records, Kenya es el punto culminante del trabajo de Machito y su Afro-Cubans, una de las orquestas más importantes en la historia del jazz afrolatino. Grabado en Nueva York con un elenco de titanes como Cándido Camero, Mario Bauzá y Cannonball Adderley, este disco es una muestra impecable del cruce entre jazz big band estadounidense y ritmos afrocubanos de raíz profunda. Es un álbum explosivo y meticuloso, festivo y cerebral a la vez.

El subtítulo no engaña: esto es Afro-Cuban Jazz en su forma más pura, sofisticada y potente. Aquí no hay fusión light ni adornos exóticos; lo que hay es un lenguaje nuevo que nace del cruce entre África, el Caribe y Harlem.

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Contexto:

Machito (Francisco Raúl Gutiérrez Grillo) fue, junto a su cuñado Mario Bauzá, uno de los arquitectos del jazz afrocubano, creando desde los años 40 una música que combinaba la potencia rítmica de los tambores afrocubanos con la estructura y los arreglos de las big bands del swing.

Kenya aparece en un momento clave: en plena efervescencia del mambo y mientras artistas como Dizzy Gillespie y Chano Pozo ya habían demostrado que el jazz podía abrirse a otras lógicas rítmicas. Pero Machito va más allá: no solo adapta el jazz a ritmos cubanos, sino que los fusiona a nivel orquestal, creando un sonido expansivo, de una riqueza y energía que pocos discos pueden igualar.

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Análisis de temas destacados:

1. Wild Jungle
   El álbum abre con una descarga fulminante. Trompetas y saxos lanzan líneas afiladas, mientras las congas y los timbales rugen por debajo. La sensación es clara: estás en territorio salvaje y todo puede pasar.

2. Congo Mulence
   Uno de los momentos más funkys y profundos. La sección rítmica se balancea entre el jazz modal y la tradición afrocubana, con riffs hipnóticos de metales. Aquí el groove es ley.

3. Kenya
   El tema que da título al disco evoca una conexión más directa con África. Melódicamente más sutil, pero con una base rítmica intensísima. Es un puente simbólico entre el continente africano y el Nueva York latino.

4. Minor Rama
   Una joya de sofisticación. Aquí se escucha el swing de Count Basie, pero empapado en clave cubana. Los solos improvisados se insertan con naturalidad entre los arreglos de precisión milimétrica.

5. Cannonology
   Con el gran Cannonball Adderley en el saxo alto, este corte funciona casi como un encuentro entre el bebop y la rumba. Adderley no solo se adapta: brilla, probando que los lenguajes del jazz y lo afrocubano pueden hablarse sin traducción.

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Conclusión:

Kenya no es solo un álbum excelente: es un manifiesto. Un disco donde se rompen las barreras entre lo latino y lo jazzístico, entre lo rítmico y lo melódico, entre la pista de baile y la sala de conciertos. Machito y su orquesta logran una alquimia sonora que aún hoy suena fresca, poderosa y única.

Es un trabajo de altísima exigencia musical —los arreglos de Mario Bauzá son tan complejos como emocionantes—, pero también un disco profundamente físico. Aquí se baila y se estudia al mismo tiempo. No por nada Kenya es considerado uno de los grandes discos del jazz afrolatino y un hito en la historia de la música del siglo XX.

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Listado de temas:

1. Wild Jungle

2. Congo Mulence

3. Kenya

4. Oyeme

5. Holiday

6. Cannonology

7. Frenzy

8. Blues á la Machito

9. Conversation

10. Tin Tin Deo

11. Minor Rama

12. Tururato

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Nuevo elemento para la tabla periódica.

El Ununseptio es el nuevo elemento de la tabla periódica. Es más pesado que el plomo y cuenta con 117 protones. De hecho ese es su número. Su entrada ha sido aprobada por la Unión Internacional de Química Pura y Aplicada. 

Su principal característica es que es el segundo elemento más pesado del mundo, por detrás del Ununonctio, y un 40% más que el plomo. Un grupo de científicos del centro de investigación de Alemania GSI ha conseguido sintetizarlo. El último elemento en entrar en la tabla periódica fue el Livermorio en 2010 Esta sintetización es clave para que un nuevo elemento sea considerado como tal. De hecho, uno de los requisitos de la Unión Internacional de Química Pura y Aplicada es que dos laboratorios independientes lo consigan. Así pues, el Ununseptio ha llegado a la tabla periódica después de que se descubriera en 2010 y se haya intentado reproducir en un laboratorio a lo largo de estos 4 años.

La actual distribución de los elementos químicos se atribuye al científico ruso Dmitri Mendeléyev quien los ordenó según su masa atómica. En esa clasificación dejó huecos específicos para elementos que él intuía que existían pero aún no habían sido descubiertos. Como el nuevo Ununseptio que a partir de ahora será uno más en la tabla periódica.

Mi pregunta ¿Quién elige los nombres?

0596. Hüsker Dü - Warehouse Songs & Stories (1987)

Sello discográfico: Warner Bros.

Producción: Grant Hart • Bob Mould

Dirección artística: Daniel Corrigan

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 69:39

Hüsker Dü fue un influyente grupo de punk, hardcore y rock alternativo de los años 1980, originario de Estados Unidos. El grupo fue formado en Minneapolis (Minnesota) en 1979 por el guitarrista Bob Mould, el bajista Greg Norton y el batería Grant Hart. Husker du quiere decir «¿te acuerdas?» en noruego; añadieron las diéresis para darle un toque más misterioso.

A pesar de su escaso éxito comercial, Hüsker Dü influyeron a varios grupos de punk pop, rock alternativo y noise pop desde mediados de los 1980 hasta finales de los 1990: Pixies, Nirvana, Green Day, Soul Asylum, Dinosaur Jr., Superchunk, The Posies, Foo Fighters.

Listado de temas:

1.These Important Years

2.Charity, Chastity, Prudence, And Hope

3.Standing in the Rain

4.Back From Somewhere

5.Ice Cold Ice

6.You're a Soldier

7.Could You Be the One?

8.Too Much Spice

9.Friend, You've Got to Fall

10.Visionary

11.She Floated Away

12.Bed of Nails

13.Tell You Why Tomorrow

14.It's Not Peculiar

15.Actual Condition

16.No Reservations

17.Turn It Around

18.She's a Woman (And Now He Is a Man)

19.Up in the Air

20.You Can Live at Home

0012. Miles Davis – Birth of the Cool (1957)

Grabación y publicación:

Aunque grabado entre 1949 y 1950, Birth of the Cool no fue publicado como un álbum cohesivo hasta 1957 por Capitol Records, cuando la escena del jazz ya había dado varios giros. Sin embargo, este disco funciona como un puente fundamental entre el bebop frenético de los 40 y el cool jazz más introspectivo de los 50. Se trata de una obra pionera, tanto en sonido como en concepción, donde un jovencísimo Miles Davis lidera un noneto que suena más como una mini-orquesta de cámara que como una típica formación de jazz.

El título no es solo una etiqueta estilística: es una declaración de intenciones. Aquí nace algo nuevo, contenido pero sofisticado, cerebral pero elegante. Davis no solo toca: marca el rumbo de lo que vendrá.

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Contexto:

A finales de los años 40, el bebop —liderado por figuras como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Bud Powell— era el lenguaje dominante del jazz moderno. Pero su velocidad, densidad armónica y virtuosismo extremo dejaron fuera a muchos oyentes (y músicos). Davis, que había tocado con Parker, buscaba una alternativa más suave, más melódica, con arreglos cuidados y una atmósfera más relajada sin sacrificar profundidad.

En colaboración con Gil Evans, Gerry Mulligan, John Lewis y otros jóvenes innovadores, Miles armó un grupo de nueve músicos con instrumentos inusuales para una banda de jazz (tuba, corno francés), creando una textura única. Lo que logró fue un híbrido entre el swing, el bebop y la música de cámara, que influenciaría profundamente el "West Coast jazz" y el desarrollo del jazz moderno en los años 50.

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Análisis de temas destacados:

1. Jeru
   Compuesta por Gerry Mulligan, abre con un aire majestuoso. Los arreglos ya dejan ver la densidad controlada del sonido, con voces instrumentales entrelazadas. Miles toca con una claridad casi meditativa.

2. Move
   Más acelerada, pero aún lejos del vértigo bebop. Hay orden en la agilidad, con una tuba que no solo acompaña, sino que participa en el contrapunto. Aquí el "cool" no es sinónimo de frialdad: es dirección.

3. Moon Dreams
   Uno de los temas más impresionistas del álbum. Arreglado por Gil Evans, suena casi como un Debussy en clave jazzística. La trompeta de Miles entra flotando, con un lirismo doloroso y bellísimo.

4. Budo
   Composición de Bud Powell, suena más cercana al bebop, pero con una vuelta de tuerca: la precisión de los arreglos transforma el caos en equilibrio.

5. Godchild / Boplicity / Rocker
   Estas piezas resumen el espíritu del disco: una búsqueda de forma, melodía y estructura, sin perder la frescura del jazz. Boplicity es quizá el emblema de todo el álbum: una pieza elegante, melancólica, contenida… y absolutamente moderna.

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Conclusión:

Birth of the Cool es un disco que, aunque no revolucionó el jazz en su momento, plantó semillas que florecerían una década después. Es una obra precursora, casi clandestina, pero cuya influencia se extiende hasta hoy. Aquí se escucha a Miles Davis como arquitecto, no solo como trompetista: alguien que ya entendía que el jazz podía evolucionar a través del espacio, el color y la calma.

No es un álbum de solos explosivos, sino de conjunto, de arquitectura sónica, donde cada voz cuenta. No hay urgencia, hay visión. Y esa visión se convertiría, más adelante, en Kind of Blue, en Sketches of Spain, en In a Silent Way. Todo empieza aquí: en el nacimiento del cool.

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Listado de temas (versión LP 1957):

1. Jeru

2. Move

3. Godchild

4. Budo

5. Venus de Milo

6. Rouge

7. Boplicity

8. Israel

9. Deception

10. Rocker

11. Moon Dreams

12. Darn That Dream

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0011. Sabú – Palo Congo (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1957 como parte del prestigioso sello Blue Note, Palo Congo es el debut como líder del percusionista Louis "Sabu" Martínez, y una de las grabaciones más vibrantes y fundamentales del incipiente cruce entre el jazz y las músicas afrocaribeñas. El disco fue registrado en una única sesión el 30 de abril de 1957 en Nueva York, con un enfoque absolutamente orgánico: congas, voces, percusión tradicional y un contrabajo como único ancla melódica, todo al servicio de un ritmo ancestral.

A pesar de su corta duración (apenas 35 minutos), Palo Congo se alza como un documento esencial de la cultura afrocubana en el jazz estadounidense. No es solo un disco de percusión: es una celebración espiritual, una comunión tribal que atraviesa las raíces africanas del continente americano.

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Contexto:

Sabu Martínez, nacido en Nueva York en 1930 de ascendencia puertorriqueña, fue uno de los primeros y más carismáticos congeros del jazz moderno. Ya había tocado con Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Thelonious Monk y Art Blakey cuando grabó este álbum. Pero Palo Congo no es un disco de acompañamiento rítmico: es un manifiesto de identidad y herencia afrodescendiente, una explosión de espiritualidad rítmica y corporalidad musical.

El título hace referencia directa a la religión afrocubana del Palo Monte, derivada de creencias bantú del Congo. Este disco, entonces, se sitúa no solo en el plano estético, sino también en el ritual, en la transmisión cultural profunda. Es, literalmente, música que habla con los dioses a través del tambor.

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Análisis de temas destacados:

1. Billumba
   Desde el primer segundo se impone un llamado. La voz y las congas actúan como guía y respuesta. El patrón es hipnótico. Aquí ya se marca la pauta: esto no es “latin jazz” como decorado, sino raíz pura.

2. El Cuchy Frito
   De ritmo más alegre, casi festivo, con llamadas vocales que imitan el pregón callejero. El groove es tan firme que resulta imposible no mover el cuerpo.

3. Tribu
   Uno de los temas más complejos y envolventes. Aquí se nota la interacción libre entre los músicos, como si estuviéramos en una ceremonia más que en una sesión de estudio.

4. Rhapsodia del Maravilloso
   Quizá el momento más abstracto del disco. Voz y ritmo se funden en un flujo de improvisación que recuerda tanto a la santería como al free jazz primitivo.

5. Simba
   Un corte de vitalidad contagiosa. Aquí el contrabajo de Arsenio Rodríguez (sí, el gran innovador del son montuno) marca una pauta rítmica que los tambores adornan y empujan con energía brutal.

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Conclusión:

Palo Congo es mucho más que un disco de percusión afrocubana: es un testamento espiritual, una ceremonia grabada, un documento de poder ancestral en el corazón del jazz estadounidense. Su importancia trasciende el exotismo con el que en su época se vendía este tipo de música. Aquí hay raíz, hay historia, hay comunidad.

La interpretación de Sabu y los suyos es ardiente, precisa y visceral. No hay aquí ornamento ni diplomacia: el tambor habla, llama, responde y transmite. Y en ese trance rítmico, lo que se escucha es una parte olvidada —pero latente— de la música del continente americano.

Un disco breve, directo, y sin adornos superfluos. Pero de los que se sienten en el pecho antes que en el cerebro. Palo Congo es uno de esos álbumes que no solo se escuchan: se viven.

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Listado de temas:

1. Billumba

2. Palo Congo

3. Choferito-Plena

4. Asabache

5. Simbo

6. El Cuchy Frito

7. Tribilin Cantore

8. Trabuco

9. Rhapsodia del Maravilloso

10. Congo Martillo

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Dormir gratis en Alicante

Desde Turismo de Alicante, en concreto desde la página web Alicanteinvita.es, sortean 10 estancias hoteleras para dos personas en la ciudad alicantina.

Participar en el sorteo es muy sencillo, tan solo tienes que registrarte en dicha web esperar que la suerte te favorezca en este sorteo. Entre los diez hoteles que forman parte del premio de este sorteo hay cuatro de 4*, cuatro de 3* y dos de 2*, por lo que dentro de la suerte de que te toque puedes tener mucha mucha suerte y que te toque uno de cuatro estrellas. El régimen regalado en el sorteo es AD , por lo que para viajar a Alicante y disfrutar del regalo tan solo vas a tener que invertir en el desplazamiento, las comidas y las cenas. El premio se podrá disfrutar hasta final de año, es decir, hasta el 31 de diciembre de 2014.

La fecha máxima para participar en este sorteo es el próximo 25 de abril de 2014, por lo que no os podéis quejar de que os avisamos con poca antelación para participar, ¡suerte a todos los que os animéis a probar suerte!

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La tamborada más larga de España

En Tobarra (Albacete) tiene lugar una tamborada de 104 horas de duración en Semana Santa. Se trata de la tamborada más larga de España (o “tamborrada”) y tanto aprecian esta tradición que incluso cuando la Semana Santa coincide con el cambio de hora de primavera, en el pueblo se lo saltan. Al pueblo se lo conoce como la cuna del tambor. 

El miércoles Santo después de la comida de las cuadrillas empieza el toque del tambor. Desde las 16 horas del miércoles hasta las 12 de la noche del domingo de Resurrección la percusión envuelve al pueblo durante 104 horas y casi ininterrumpidamente. El toque solo se detiene en determinados momentos como el acto de la Bendición o el Encuentro. 

Os dejo un vídeo con imágenes que muestran la pasión con que sus habitantes esperan la Semana Santa en la localidad.

0010. Thelonious Monk – Brilliant Corners (1957)

Grabación y publicación:

Editado en 1957 por Riverside Records, Brilliant Corners es considerado el primer gran álbum de estudio de Thelonious Monk y una de las obras más complejas y visionarias del jazz moderno. Grabado en varias sesiones entre octubre y diciembre de 1956, el disco contó con una alineación de músicos estelares como Sonny Rollins, Max Roach, Oscar Pettiford y Paul Chambers. Pero a pesar del virtuosismo reunido, la música resultó tan complicada de ejecutar que incluso estos gigantes tuvieron dificultades para grabarla.

El resultado es un disco cerebral y al mismo tiempo profundamente expresivo, donde Monk lleva al límite su estilo anguloso, disonante y absolutamente personal. Un álbum que no hace concesiones, pero que recompensa cada escucha con revelaciones inesperadas.

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Contexto:

En la década de 1950, Monk era todavía una figura de culto. Con reputación de genio excéntrico, había sido malinterpretado por años: demasiado abstracto para los puristas del bebop, demasiado libre para los tradicionalistas. Pero poco a poco, críticos, músicos y público comenzaron a reconocer en él a uno de los compositores más originales del siglo XX, un artista que desarmaba el jazz desde adentro para reconstruirlo con una lógica que solo él dominaba.

Brilliant Corners fue el disco que finalmente consagró su genialidad compositiva y su valentía estética, y es aún hoy una obra central para entender cómo el jazz moderno puede ser arriesgado sin perder lirismo.

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Análisis de temas destacados:

1. Brilliant Corners
   El tema que da título al álbum es una montaña rusa de estructuras rítmicas complejas, cambios abruptos de tempo y armonías anguladas. Su grabación fue tan difícil que tuvieron que editar distintas tomas juntas —algo inusual para la época—. La melodía parece tambalearse, pero siempre encuentra el equilibrio. Pura arquitectura musical.

2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are
   Un blues retorcido, con el título como juego de palabras entre “Bolívar Blues” y un hotel de Nueva York. Aquí Monk se permite un aire más relajado, pero con su habitual uso de silencios elocuentes y voicings que parecen desafiar las leyes de la lógica tonal, aunque siempre suenan justo.

3. Pannonica
   Una de las composiciones más bellas de Monk, dedicada a Pannonica de Koenigswarter, su mecenas y amiga. Una balada con celesta en lugar de piano, que flota entre lo melancólico y lo mágico, como un sueño torcido pero dulce. Es su momento más íntimo del disco.

4. I Surrender, Dear
   Único estándar del álbum. Monk lo interpreta en piano solo, mostrando que, incluso en las baladas conocidas, su toque puede reinventar completamente el lenguaje del jazz, convirtiendo cada nota en una sorpresa, cada pausa en un punto de atención.

5. Bemsha Swing
   Compuesta junto a Denzil Best, es una de las más reconocibles del catálogo de Monk. Aquí, la percusión de Max Roach se entrelaza con los acentos impredecibles de Monk, creando un diálogo rítmico fascinante. El tema parece sencillo, pero está lleno de recovecos.

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Conclusión:

Brilliant Corners no es un disco fácil: es un laberinto sonoro, una colección de esquinas filosas y giros imprevistos. Pero en su aparente dificultad se esconde un profundo sentido del humor, del ritmo y de la belleza. Cada tema es un experimento emocional y estructural, donde Monk desafía la forma sin sacrificar el alma.

Aquí no hay virtuosismo exhibicionista: lo que hay es una inteligencia musical profunda, original y, sobre todo, muy humana. Monk no toca para impresionar, toca para explorar.

Este disco marcó el momento en que el mundo del jazz ya no pudo seguir negando la genialidad de Monk. A partir de aquí, su influencia sería incuestionable, extendiéndose hasta el free jazz, el jazz modal y más allá, hasta artistas contemporáneos que siguen tratando de descifrar su lógica interna.

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Listado de temas:

1. Brilliant Corners

2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are

3. Pannonica

4. I Surrender, Dear

5. Bemsha Swing

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0009. Count Basie – Atomic Mr Basie (1957)

Grabación y publicación:

Grabado entre octubre y diciembre de 1957 y lanzado al año siguiente por Roulette Records, The Atomic Mr. Basie es uno de los discos más brillantes de la etapa moderna del jazz orquestal. Una explosión (nunca mejor dicho) de energía, sofisticación y ritmo swing a niveles nucleares, con arreglos monumentales del joven Quincy Jones, que a sus 25 años firmó una de sus primeras grandes obras maestras.

William "Count" Basie, para entonces ya una institución del jazz desde los años 30, renació con este álbum como una fuerza contemporánea, modernizando el lenguaje de las big bands sin renunciar a su esencia: economía expresiva, swing firme, y una orquesta que suena como un solo cuerpo bailando.

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Contexto:

En la segunda mitad de los 50, el jazz había tomado múltiples direcciones: cool, hard bop, modal, free. Las big bands, por su parte, eran consideradas por muchos como reliquias de una era pasada. Pero Basie, con inteligencia y oído para los nuevos tiempos, decidió actualizar su sonido sin perder su raíz rítmica. El resultado fue este álbum, cuyo apodo “atómico” no solo respondía a su portada ni al contexto de la Guerra Fría, sino también a la potencia controlada de la música que contiene.

Quincy Jones, entonces una joven promesa ya curtida en arreglos para Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, aportó una visión moderna, exuberante, y sin complejos, que revitalizó por completo la maquinaria de la orquesta de Basie.

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Análisis de temas destacados:

1. The Kid from Red Bank
   El inicio es una declaración de principios: piano percutivo de Basie, metales a pleno, secciones que entran y salen como mecanismos de precisión. Alegre, veloz y perfecto para abrir el álbum.

2. Duet / Splanky / Flight of the Foo Birds
   Una tríada demoledora. Splanky es puro swing relajado, con una de las líneas de trompeta más elegantes del álbum. En Flight of the Foo Birds, el groove se intensifica: Quincy Jones arma aquí una estructura de cortes abruptos y repiques que suenan juguetones pero altamente disciplinados.

3. Whirly-Bird
   Un clásico de Neal Hefti, que aquí se convierte en pista de despegue para la sección de saxos. Rápida, casi cinematográfica. En vivo era un espectáculo aparte.

4. Midnite Blue / After Supper
   Aquí baja la velocidad sin perder interés. Midnite Blue es introspectiva, con un tono crepuscular. After Supper parece una conversación entre instrumentos, con momentos de humor y ligereza típicos de Basie.

5. Fantail
   Otro despliegue orquestal impecable. La estructura juega con la tensión y el silencio, dejando que cada entrada de la sección de metales sea un fogonazo controlado.

6. Teddy the Toad
   Tiene nombre de cuento y alma de blues. Una de las piezas más melódicas, con solos de una delicadeza casi irónica. Aquí se nota el genio de Basie para dejar espacio, dejar respirar la música.

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Conclusión:

The Atomic Mr. Basie no solo es uno de los mejores álbumes de big band de todos los tiempos: es una cátedra de cómo revitalizar una tradición sin caer en el pastiche ni en la rigidez nostálgica. Basie dirige con una economía de gestos, dejando que su orquesta brille por sí sola, mientras Quincy Jones entrega arreglos que son explosivos, juguetones y sutiles a la vez.

Es un disco que se puede estudiar, bailar o simplemente dejar correr en una noche de humo y whisky. La banda suena como una máquina bien aceitada, sí, pero también como un grupo de músicos con swing corriendo por las venas.

Este álbum es prueba viva de que el swing no murió con los años 40: solo necesitaba una buena dosis de energía atómica para volver a brillar.

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Listado de temas:

1. The Kid from Red Bank

2. Duet

3. After Supper

4. Flight of the Foo Birds

5. Double-O

6. Teddy the Toad

7. Whirly-Bird

8. Midnite Blue

9. Splanky

10. Fantail

11. Lil’ Darlin’

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0008. The Crickets – Chirping… (1957)

Grabación y publicación:
Publicado en noviembre de 1957 por Brunswick Records, The "Chirping" Crickets es el álbum debut de The Crickets, la banda liderada por el joven y ya revolucionario Buddy Holly. Grabado entre febrero y septiembre de ese año, el disco capturó de manera inmediata la esencia del nuevo sonido del rock and roll, con canciones breves, pegajosas, rítmicas y con una frescura que aún se percibe.

Este LP fue una anomalía para la época: en un momento donde los sencillos eran el formato dominante, Holly y sus compañeros lograron construir un álbum cohesivo y consistente que trascendía el carácter de simple recopilación de hits.

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Contexto:

Con apenas 21 años, Buddy Holly se convirtió en uno de los primeros grandes arquitectos del rock. Mientras Elvis arrasaba con carisma y fuerza vocal, y Chuck Berry inyectaba poesía callejera a la guitarra eléctrica, Holly trajo estructura, melodía y una sensibilidad pop más refinada. Su imagen —delgada, gafas de pasta, modales de estudiante aplicado— contrastaba con la rudeza rebelde del rock naciente, pero su música hablaba un idioma absolutamente moderno y contagioso.

The "Chirping" Crickets es entonces el germen del rock de guitarras, del power pop, del beat británico. No es exagerado decir que sin este disco no existirían los Beatles tal como los conocemos.

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Análisis de temas destacados:

1. Oh, Boy!
   Uno de los grandes éxitos del álbum. De ritmo acelerado, palmas, coros entusiastas y un Holly que canta con una energía juvenil desbordante. Un himno al deseo adolescente que aún suena fresco.

2. Not Fade Away
   Ritmo de bo diddley llevado al mínimo —apenas una pandereta, una guitarra percutiva, y una voz decidida—. Este tema fue versionado por los Rolling Stones, lo que habla del impacto seminal de su sencillez y fuerza rítmica.

3. Maybe Baby
   Pura melancolía con gancho. El juego entre los coros suaves y la voz directa de Holly marca un estilo que luego sería adoptado por decenas de bandas de los 60.

4. That'll Be the Day
   Probablemente el tema más famoso de Buddy Holly y el que abre el álbum. Su letra, medio burlona, medio desencantada, su riff inicial y su estructura simple pero infalible la hacen una de las piedras angulares del rock temprano.

5. I'm Looking for Someone to Love
   Corto, veloz, casi punk por su economía de medios y urgencia emocional. Canción hecha para bailar pegados pero con zapatillas Converse.

6. It's Too Late
   Aquí aparece la veta country de Holly, con una interpretación más cercana al lamento sureño que al rock desenfadado. Pero la voz suena igual de honesta.

7. Tell Me How / Last Night / Rock Me My Baby
   En todos ellos se nota la fórmula Crickets: estructuras sencillas, armonías vocales bien trabajadas, baterías sutiles pero firmes, y guitarras con el timbre nasal y brillante que Holly dominaba.

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Conclusión:

The "Chirping" Crickets es uno de los discos debut más influyentes de la historia del rock. Su valor no solo reside en sus canciones (que son encantadoras, pegajosas y vibrantes), sino en lo que anticipa: el formato de banda de guitarras, la autoría de las propias canciones, la imagen de chico normal con talento excepcional.

No es un disco de pose ni de rebeldía explícita: es un disco de confianza creativa, de alegría directa, de pop artesanal. Y su influencia es casi silenciosa, pero omnipresente: desde los Beatles hasta Weezer, pasando por los Byrds, los Everly Brothers y los primeros Stones.

Buddy Holly no vivió para ver su legado, pero en este álbum dejó claro que el rock también podía ser cerebral, melódico y sofisticado sin perder nervio ni juventud.

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Listado de temas:

1. That’ll Be the Day

2. I’m Looking for Someone to Love

3. Not Fade Away

4. Maybe Baby

5. It’s Too Late

6. Tell Me How

7. Oh, Boy!

8. An Empty Cup (And a Broken Date)

9. Send Me Some Lovin’

10. Last Night

11. Rock Me My Baby

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The Big Bang Theory tendrá un episodio especial de Star Wars

The Big Bang Theory tendrá un episodio especial de Star Wars

Timelapse de Madrid

Hoy os dejo esta pequeña maravilla, un timelapse de Madrid realizado por Fernando Jiménez Orgaz.