0596. Hüsker Dü - Warehouse Songs & Stories (1987)

Sello discográfico: Warner Bros.

Producción: Grant Hart • Bob Mould

Dirección artística: Daniel Corrigan

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 69:39

Hüsker Dü fue un influyente grupo de punk, hardcore y rock alternativo de los años 1980, originario de Estados Unidos. El grupo fue formado en Minneapolis (Minnesota) en 1979 por el guitarrista Bob Mould, el bajista Greg Norton y el batería Grant Hart. Husker du quiere decir «¿te acuerdas?» en noruego; añadieron las diéresis para darle un toque más misterioso.

A pesar de su escaso éxito comercial, Hüsker Dü influyeron a varios grupos de punk pop, rock alternativo y noise pop desde mediados de los 1980 hasta finales de los 1990: Pixies, Nirvana, Green Day, Soul Asylum, Dinosaur Jr., Superchunk, The Posies, Foo Fighters.

Listado de temas:

1.These Important Years

2.Charity, Chastity, Prudence, And Hope

3.Standing in the Rain

4.Back From Somewhere

5.Ice Cold Ice

6.You're a Soldier

7.Could You Be the One?

8.Too Much Spice

9.Friend, You've Got to Fall

10.Visionary

11.She Floated Away

12.Bed of Nails

13.Tell You Why Tomorrow

14.It's Not Peculiar

15.Actual Condition

16.No Reservations

17.Turn It Around

18.She's a Woman (And Now He Is a Man)

19.Up in the Air

20.You Can Live at Home

0012. Miles Davis – Birth of the Cool (1957)

Grabación y publicación:

Aunque grabado entre 1949 y 1950, Birth of the Cool no fue publicado como un álbum cohesivo hasta 1957 por Capitol Records, cuando la escena del jazz ya había dado varios giros. Sin embargo, este disco funciona como un puente fundamental entre el bebop frenético de los 40 y el cool jazz más introspectivo de los 50. Se trata de una obra pionera, tanto en sonido como en concepción, donde un jovencísimo Miles Davis lidera un noneto que suena más como una mini-orquesta de cámara que como una típica formación de jazz.

El título no es solo una etiqueta estilística: es una declaración de intenciones. Aquí nace algo nuevo, contenido pero sofisticado, cerebral pero elegante. Davis no solo toca: marca el rumbo de lo que vendrá.

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Contexto:

A finales de los años 40, el bebop —liderado por figuras como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Bud Powell— era el lenguaje dominante del jazz moderno. Pero su velocidad, densidad armónica y virtuosismo extremo dejaron fuera a muchos oyentes (y músicos). Davis, que había tocado con Parker, buscaba una alternativa más suave, más melódica, con arreglos cuidados y una atmósfera más relajada sin sacrificar profundidad.

En colaboración con Gil Evans, Gerry Mulligan, John Lewis y otros jóvenes innovadores, Miles armó un grupo de nueve músicos con instrumentos inusuales para una banda de jazz (tuba, corno francés), creando una textura única. Lo que logró fue un híbrido entre el swing, el bebop y la música de cámara, que influenciaría profundamente el "West Coast jazz" y el desarrollo del jazz moderno en los años 50.

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Análisis de temas destacados:

1. Jeru
   Compuesta por Gerry Mulligan, abre con un aire majestuoso. Los arreglos ya dejan ver la densidad controlada del sonido, con voces instrumentales entrelazadas. Miles toca con una claridad casi meditativa.

2. Move
   Más acelerada, pero aún lejos del vértigo bebop. Hay orden en la agilidad, con una tuba que no solo acompaña, sino que participa en el contrapunto. Aquí el "cool" no es sinónimo de frialdad: es dirección.

3. Moon Dreams
   Uno de los temas más impresionistas del álbum. Arreglado por Gil Evans, suena casi como un Debussy en clave jazzística. La trompeta de Miles entra flotando, con un lirismo doloroso y bellísimo.

4. Budo
   Composición de Bud Powell, suena más cercana al bebop, pero con una vuelta de tuerca: la precisión de los arreglos transforma el caos en equilibrio.

5. Godchild / Boplicity / Rocker
   Estas piezas resumen el espíritu del disco: una búsqueda de forma, melodía y estructura, sin perder la frescura del jazz. Boplicity es quizá el emblema de todo el álbum: una pieza elegante, melancólica, contenida… y absolutamente moderna.

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Conclusión:

Birth of the Cool es un disco que, aunque no revolucionó el jazz en su momento, plantó semillas que florecerían una década después. Es una obra precursora, casi clandestina, pero cuya influencia se extiende hasta hoy. Aquí se escucha a Miles Davis como arquitecto, no solo como trompetista: alguien que ya entendía que el jazz podía evolucionar a través del espacio, el color y la calma.

No es un álbum de solos explosivos, sino de conjunto, de arquitectura sónica, donde cada voz cuenta. No hay urgencia, hay visión. Y esa visión se convertiría, más adelante, en Kind of Blue, en Sketches of Spain, en In a Silent Way. Todo empieza aquí: en el nacimiento del cool.

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Listado de temas (versión LP 1957):

1. Jeru

2. Move

3. Godchild

4. Budo

5. Venus de Milo

6. Rouge

7. Boplicity

8. Israel

9. Deception

10. Rocker

11. Moon Dreams

12. Darn That Dream

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0011. Sabú – Palo Congo (1957)

Grabación y publicación:

Publicado en 1957 como parte del prestigioso sello Blue Note, Palo Congo es el debut como líder del percusionista Louis "Sabu" Martínez, y una de las grabaciones más vibrantes y fundamentales del incipiente cruce entre el jazz y las músicas afrocaribeñas. El disco fue registrado en una única sesión el 30 de abril de 1957 en Nueva York, con un enfoque absolutamente orgánico: congas, voces, percusión tradicional y un contrabajo como único ancla melódica, todo al servicio de un ritmo ancestral.

A pesar de su corta duración (apenas 35 minutos), Palo Congo se alza como un documento esencial de la cultura afrocubana en el jazz estadounidense. No es solo un disco de percusión: es una celebración espiritual, una comunión tribal que atraviesa las raíces africanas del continente americano.

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Contexto:

Sabu Martínez, nacido en Nueva York en 1930 de ascendencia puertorriqueña, fue uno de los primeros y más carismáticos congeros del jazz moderno. Ya había tocado con Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Thelonious Monk y Art Blakey cuando grabó este álbum. Pero Palo Congo no es un disco de acompañamiento rítmico: es un manifiesto de identidad y herencia afrodescendiente, una explosión de espiritualidad rítmica y corporalidad musical.

El título hace referencia directa a la religión afrocubana del Palo Monte, derivada de creencias bantú del Congo. Este disco, entonces, se sitúa no solo en el plano estético, sino también en el ritual, en la transmisión cultural profunda. Es, literalmente, música que habla con los dioses a través del tambor.

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Análisis de temas destacados:

1. Billumba
   Desde el primer segundo se impone un llamado. La voz y las congas actúan como guía y respuesta. El patrón es hipnótico. Aquí ya se marca la pauta: esto no es “latin jazz” como decorado, sino raíz pura.

2. El Cuchy Frito
   De ritmo más alegre, casi festivo, con llamadas vocales que imitan el pregón callejero. El groove es tan firme que resulta imposible no mover el cuerpo.

3. Tribu
   Uno de los temas más complejos y envolventes. Aquí se nota la interacción libre entre los músicos, como si estuviéramos en una ceremonia más que en una sesión de estudio.

4. Rhapsodia del Maravilloso
   Quizá el momento más abstracto del disco. Voz y ritmo se funden en un flujo de improvisación que recuerda tanto a la santería como al free jazz primitivo.

5. Simba
   Un corte de vitalidad contagiosa. Aquí el contrabajo de Arsenio Rodríguez (sí, el gran innovador del son montuno) marca una pauta rítmica que los tambores adornan y empujan con energía brutal.

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Conclusión:

Palo Congo es mucho más que un disco de percusión afrocubana: es un testamento espiritual, una ceremonia grabada, un documento de poder ancestral en el corazón del jazz estadounidense. Su importancia trasciende el exotismo con el que en su época se vendía este tipo de música. Aquí hay raíz, hay historia, hay comunidad.

La interpretación de Sabu y los suyos es ardiente, precisa y visceral. No hay aquí ornamento ni diplomacia: el tambor habla, llama, responde y transmite. Y en ese trance rítmico, lo que se escucha es una parte olvidada —pero latente— de la música del continente americano.

Un disco breve, directo, y sin adornos superfluos. Pero de los que se sienten en el pecho antes que en el cerebro. Palo Congo es uno de esos álbumes que no solo se escuchan: se viven.

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Listado de temas:

1. Billumba

2. Palo Congo

3. Choferito-Plena

4. Asabache

5. Simbo

6. El Cuchy Frito

7. Tribilin Cantore

8. Trabuco

9. Rhapsodia del Maravilloso

10. Congo Martillo

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Dormir gratis en Alicante

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La tamborada más larga de España

En Tobarra (Albacete) tiene lugar una tamborada de 104 horas de duración en Semana Santa. Se trata de la tamborada más larga de España (o “tamborrada”) y tanto aprecian esta tradición que incluso cuando la Semana Santa coincide con el cambio de hora de primavera, en el pueblo se lo saltan. Al pueblo se lo conoce como la cuna del tambor. 

El miércoles Santo después de la comida de las cuadrillas empieza el toque del tambor. Desde las 16 horas del miércoles hasta las 12 de la noche del domingo de Resurrección la percusión envuelve al pueblo durante 104 horas y casi ininterrumpidamente. El toque solo se detiene en determinados momentos como el acto de la Bendición o el Encuentro. 

Os dejo un vídeo con imágenes que muestran la pasión con que sus habitantes esperan la Semana Santa en la localidad.

0010. Thelonious Monk – Brilliant Corners (1957)

Grabación y publicación:

Editado en 1957 por Riverside Records, Brilliant Corners es considerado el primer gran álbum de estudio de Thelonious Monk y una de las obras más complejas y visionarias del jazz moderno. Grabado en varias sesiones entre octubre y diciembre de 1956, el disco contó con una alineación de músicos estelares como Sonny Rollins, Max Roach, Oscar Pettiford y Paul Chambers. Pero a pesar del virtuosismo reunido, la música resultó tan complicada de ejecutar que incluso estos gigantes tuvieron dificultades para grabarla.

El resultado es un disco cerebral y al mismo tiempo profundamente expresivo, donde Monk lleva al límite su estilo anguloso, disonante y absolutamente personal. Un álbum que no hace concesiones, pero que recompensa cada escucha con revelaciones inesperadas.

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Contexto:

En la década de 1950, Monk era todavía una figura de culto. Con reputación de genio excéntrico, había sido malinterpretado por años: demasiado abstracto para los puristas del bebop, demasiado libre para los tradicionalistas. Pero poco a poco, críticos, músicos y público comenzaron a reconocer en él a uno de los compositores más originales del siglo XX, un artista que desarmaba el jazz desde adentro para reconstruirlo con una lógica que solo él dominaba.

Brilliant Corners fue el disco que finalmente consagró su genialidad compositiva y su valentía estética, y es aún hoy una obra central para entender cómo el jazz moderno puede ser arriesgado sin perder lirismo.

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Análisis de temas destacados:

1. Brilliant Corners
   El tema que da título al álbum es una montaña rusa de estructuras rítmicas complejas, cambios abruptos de tempo y armonías anguladas. Su grabación fue tan difícil que tuvieron que editar distintas tomas juntas —algo inusual para la época—. La melodía parece tambalearse, pero siempre encuentra el equilibrio. Pura arquitectura musical.

2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are
   Un blues retorcido, con el título como juego de palabras entre “Bolívar Blues” y un hotel de Nueva York. Aquí Monk se permite un aire más relajado, pero con su habitual uso de silencios elocuentes y voicings que parecen desafiar las leyes de la lógica tonal, aunque siempre suenan justo.

3. Pannonica
   Una de las composiciones más bellas de Monk, dedicada a Pannonica de Koenigswarter, su mecenas y amiga. Una balada con celesta en lugar de piano, que flota entre lo melancólico y lo mágico, como un sueño torcido pero dulce. Es su momento más íntimo del disco.

4. I Surrender, Dear
   Único estándar del álbum. Monk lo interpreta en piano solo, mostrando que, incluso en las baladas conocidas, su toque puede reinventar completamente el lenguaje del jazz, convirtiendo cada nota en una sorpresa, cada pausa en un punto de atención.

5. Bemsha Swing
   Compuesta junto a Denzil Best, es una de las más reconocibles del catálogo de Monk. Aquí, la percusión de Max Roach se entrelaza con los acentos impredecibles de Monk, creando un diálogo rítmico fascinante. El tema parece sencillo, pero está lleno de recovecos.

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Conclusión:

Brilliant Corners no es un disco fácil: es un laberinto sonoro, una colección de esquinas filosas y giros imprevistos. Pero en su aparente dificultad se esconde un profundo sentido del humor, del ritmo y de la belleza. Cada tema es un experimento emocional y estructural, donde Monk desafía la forma sin sacrificar el alma.

Aquí no hay virtuosismo exhibicionista: lo que hay es una inteligencia musical profunda, original y, sobre todo, muy humana. Monk no toca para impresionar, toca para explorar.

Este disco marcó el momento en que el mundo del jazz ya no pudo seguir negando la genialidad de Monk. A partir de aquí, su influencia sería incuestionable, extendiéndose hasta el free jazz, el jazz modal y más allá, hasta artistas contemporáneos que siguen tratando de descifrar su lógica interna.

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Listado de temas:

1. Brilliant Corners

2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are

3. Pannonica

4. I Surrender, Dear

5. Bemsha Swing

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0009. Count Basie – Atomic Mr Basie (1957)

Grabación y publicación:

Grabado entre octubre y diciembre de 1957 y lanzado al año siguiente por Roulette Records, The Atomic Mr. Basie es uno de los discos más brillantes de la etapa moderna del jazz orquestal. Una explosión (nunca mejor dicho) de energía, sofisticación y ritmo swing a niveles nucleares, con arreglos monumentales del joven Quincy Jones, que a sus 25 años firmó una de sus primeras grandes obras maestras.

William "Count" Basie, para entonces ya una institución del jazz desde los años 30, renació con este álbum como una fuerza contemporánea, modernizando el lenguaje de las big bands sin renunciar a su esencia: economía expresiva, swing firme, y una orquesta que suena como un solo cuerpo bailando.

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Contexto:

En la segunda mitad de los 50, el jazz había tomado múltiples direcciones: cool, hard bop, modal, free. Las big bands, por su parte, eran consideradas por muchos como reliquias de una era pasada. Pero Basie, con inteligencia y oído para los nuevos tiempos, decidió actualizar su sonido sin perder su raíz rítmica. El resultado fue este álbum, cuyo apodo “atómico” no solo respondía a su portada ni al contexto de la Guerra Fría, sino también a la potencia controlada de la música que contiene.

Quincy Jones, entonces una joven promesa ya curtida en arreglos para Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, aportó una visión moderna, exuberante, y sin complejos, que revitalizó por completo la maquinaria de la orquesta de Basie.

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Análisis de temas destacados:

1. The Kid from Red Bank
   El inicio es una declaración de principios: piano percutivo de Basie, metales a pleno, secciones que entran y salen como mecanismos de precisión. Alegre, veloz y perfecto para abrir el álbum.

2. Duet / Splanky / Flight of the Foo Birds
   Una tríada demoledora. Splanky es puro swing relajado, con una de las líneas de trompeta más elegantes del álbum. En Flight of the Foo Birds, el groove se intensifica: Quincy Jones arma aquí una estructura de cortes abruptos y repiques que suenan juguetones pero altamente disciplinados.

3. Whirly-Bird
   Un clásico de Neal Hefti, que aquí se convierte en pista de despegue para la sección de saxos. Rápida, casi cinematográfica. En vivo era un espectáculo aparte.

4. Midnite Blue / After Supper
   Aquí baja la velocidad sin perder interés. Midnite Blue es introspectiva, con un tono crepuscular. After Supper parece una conversación entre instrumentos, con momentos de humor y ligereza típicos de Basie.

5. Fantail
   Otro despliegue orquestal impecable. La estructura juega con la tensión y el silencio, dejando que cada entrada de la sección de metales sea un fogonazo controlado.

6. Teddy the Toad
   Tiene nombre de cuento y alma de blues. Una de las piezas más melódicas, con solos de una delicadeza casi irónica. Aquí se nota el genio de Basie para dejar espacio, dejar respirar la música.

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Conclusión:

The Atomic Mr. Basie no solo es uno de los mejores álbumes de big band de todos los tiempos: es una cátedra de cómo revitalizar una tradición sin caer en el pastiche ni en la rigidez nostálgica. Basie dirige con una economía de gestos, dejando que su orquesta brille por sí sola, mientras Quincy Jones entrega arreglos que son explosivos, juguetones y sutiles a la vez.

Es un disco que se puede estudiar, bailar o simplemente dejar correr en una noche de humo y whisky. La banda suena como una máquina bien aceitada, sí, pero también como un grupo de músicos con swing corriendo por las venas.

Este álbum es prueba viva de que el swing no murió con los años 40: solo necesitaba una buena dosis de energía atómica para volver a brillar.

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Listado de temas:

1. The Kid from Red Bank

2. Duet

3. After Supper

4. Flight of the Foo Birds

5. Double-O

6. Teddy the Toad

7. Whirly-Bird

8. Midnite Blue

9. Splanky

10. Fantail

11. Lil’ Darlin’

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0008. The Crickets – Chirping… (1957)

Grabación y publicación:
Publicado en noviembre de 1957 por Brunswick Records, The "Chirping" Crickets es el álbum debut de The Crickets, la banda liderada por el joven y ya revolucionario Buddy Holly. Grabado entre febrero y septiembre de ese año, el disco capturó de manera inmediata la esencia del nuevo sonido del rock and roll, con canciones breves, pegajosas, rítmicas y con una frescura que aún se percibe.

Este LP fue una anomalía para la época: en un momento donde los sencillos eran el formato dominante, Holly y sus compañeros lograron construir un álbum cohesivo y consistente que trascendía el carácter de simple recopilación de hits.

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Contexto:

Con apenas 21 años, Buddy Holly se convirtió en uno de los primeros grandes arquitectos del rock. Mientras Elvis arrasaba con carisma y fuerza vocal, y Chuck Berry inyectaba poesía callejera a la guitarra eléctrica, Holly trajo estructura, melodía y una sensibilidad pop más refinada. Su imagen —delgada, gafas de pasta, modales de estudiante aplicado— contrastaba con la rudeza rebelde del rock naciente, pero su música hablaba un idioma absolutamente moderno y contagioso.

The "Chirping" Crickets es entonces el germen del rock de guitarras, del power pop, del beat británico. No es exagerado decir que sin este disco no existirían los Beatles tal como los conocemos.

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Análisis de temas destacados:

1. Oh, Boy!
   Uno de los grandes éxitos del álbum. De ritmo acelerado, palmas, coros entusiastas y un Holly que canta con una energía juvenil desbordante. Un himno al deseo adolescente que aún suena fresco.

2. Not Fade Away
   Ritmo de bo diddley llevado al mínimo —apenas una pandereta, una guitarra percutiva, y una voz decidida—. Este tema fue versionado por los Rolling Stones, lo que habla del impacto seminal de su sencillez y fuerza rítmica.

3. Maybe Baby
   Pura melancolía con gancho. El juego entre los coros suaves y la voz directa de Holly marca un estilo que luego sería adoptado por decenas de bandas de los 60.

4. That'll Be the Day
   Probablemente el tema más famoso de Buddy Holly y el que abre el álbum. Su letra, medio burlona, medio desencantada, su riff inicial y su estructura simple pero infalible la hacen una de las piedras angulares del rock temprano.

5. I'm Looking for Someone to Love
   Corto, veloz, casi punk por su economía de medios y urgencia emocional. Canción hecha para bailar pegados pero con zapatillas Converse.

6. It's Too Late
   Aquí aparece la veta country de Holly, con una interpretación más cercana al lamento sureño que al rock desenfadado. Pero la voz suena igual de honesta.

7. Tell Me How / Last Night / Rock Me My Baby
   En todos ellos se nota la fórmula Crickets: estructuras sencillas, armonías vocales bien trabajadas, baterías sutiles pero firmes, y guitarras con el timbre nasal y brillante que Holly dominaba.

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Conclusión:

The "Chirping" Crickets es uno de los discos debut más influyentes de la historia del rock. Su valor no solo reside en sus canciones (que son encantadoras, pegajosas y vibrantes), sino en lo que anticipa: el formato de banda de guitarras, la autoría de las propias canciones, la imagen de chico normal con talento excepcional.

No es un disco de pose ni de rebeldía explícita: es un disco de confianza creativa, de alegría directa, de pop artesanal. Y su influencia es casi silenciosa, pero omnipresente: desde los Beatles hasta Weezer, pasando por los Byrds, los Everly Brothers y los primeros Stones.

Buddy Holly no vivió para ver su legado, pero en este álbum dejó claro que el rock también podía ser cerebral, melódico y sofisticado sin perder nervio ni juventud.

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Listado de temas:

1. That’ll Be the Day

2. I’m Looking for Someone to Love

3. Not Fade Away

4. Maybe Baby

5. It’s Too Late

6. Tell Me How

7. Oh, Boy!

8. An Empty Cup (And a Broken Date)

9. Send Me Some Lovin’

10. Last Night

11. Rock Me My Baby

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The Big Bang Theory tendrá un episodio especial de Star Wars

The Big Bang Theory tendrá un episodio especial de Star Wars

Timelapse de Madrid

Hoy os dejo esta pequeña maravilla, un timelapse de Madrid realizado por Fernando Jiménez Orgaz.

 

0007. Frank Sinatra – Songs for Swingin’ Lovers! (1956)

Grabación y publicación:

Publicado en marzo de 1956 por Capitol Records, Songs for Swingin’ Lovers! es el décimo álbum de estudio de Frank Sinatra, y el segundo de su célebre colaboración con el arreglista Nelson Riddle. Mientras que In the Wee Small Hours (1955) lo mostraba introspectivo, nostálgico y casi confesional, este disco es su respuesta luminosa y extrovertida: aquí Sinatra no sufre, seduce; no llora, baila.

Grabado con orquesta completa y un sonido cálido, elegante y rítmico, el álbum es una cátedra de cómo sonar relajado sin perder una sola nota de precisión musical. Una obra maestra del swing vocal, con estándares del Great American Songbook reinterpretados con soltura, picardía y absoluto control emocional.

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Contexto:

En los años 50, Sinatra estaba en plena reinvención. Tras una etapa difícil en lo personal y profesional, renació con su firma por Capitol, trabajando con Riddle y grabando una serie de álbumes conceptuales que definieron la madurez artística del pop vocal estadounidense. Songs for Swingin’ Lovers! consolidó su imagen de crooner sofisticado, seguro, encantador, que sabía cuándo insinuar y cuándo dejar espacio al silencio.

Este disco marcó un antes y un después en la producción de álbumes pop: no es una mera colección de canciones, sino un estado de ánimo constante, una noche eterna en blanco y negro, con whisky en mano y la ciudad a los pies.

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Análisis de temas destacados:

1. You Make Me Feel So Young
   Apertura perfecta. Un tema que rebosa vitalidad, con un Sinatra juguetón, optimista, sin una pizca de cinismo. Su voz parece flotar sobre los arreglos de Riddle, que saltan y giran como una comedia romántica bien escrita.

2. I've Got You Under My Skin
   El momento más emblemático del disco. El arreglo orquestal es puro fuego contenido: empieza suave, crece con tensión y estalla en una coda apasionada. Sinatra canta con una mezcla de control y deseo que transforma una canción de amor en una obsesión sensual. Es, sin duda, una de las grabaciones más perfectas del siglo XX.

3. Old Devil Moon
   Puro swing juguetón. Aquí se nota la influencia del jazz, pero siempre filtrado por el fraseo casi conversacional de Sinatra, que seduce sin forzar nunca una sílaba.

4. Pennies from Heaven
   De una dulzura casi infantil, pero elevada por la interpretación: Sinatra convierte lo sencillo en elegante, con una sonrisa apenas sugerida en cada frase.

5. Makin’ Whoopee
   Cómica, irónica, una joya menor. La risa está en el subtexto: Sinatra canta como si conociera todos los trucos del matrimonio, pero decidiera callárselos... por ahora.

6. Swingin' Down the Lane / Anything Goes / How About You?
   En todos estos temas, el título del álbum cobra vida: Sinatra swingea sin esfuerzo, como si cada canción fuese un paseo nocturno con pasos de claqué y farolas brillando.

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Conclusión:

Songs for Swingin’ Lovers! no solo consolidó a Frank Sinatra como el maestro absoluto del fraseo y la interpretación emocional en la música popular, sino que ayudó a redefinir cómo debía sonar un álbum de pop adulto. No es simplemente música para enamorados: es música para los que ya han vivido, han perdido, han ganado, y aún se permiten coquetear con el mundo.

Nelson Riddle orquesta con una elegancia que roza la invisibilidad, lo cual es precisamente su grandeza: cada instrumento está al servicio del swing, de la historia y de la voz. Y Sinatra, en su punto justo entre madurez vocal y juventud expresiva, canta como si nunca fuera a envejecer.

Este álbum no solo sigue siendo vigente: sigue enseñando. Sobre estilo, sobre ritmo, sobre cómo ser clásico sin parecer viejo.

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Listado de temas destacados:

1. You Make Me Feel So Young

2. It Happened in Monterey

3. You're Getting to Be a Habit with Me

4. You Brought a New Kind of Love to Me

5. Too Marvelous for Words

6. Old Devil

7. Pennies from Heaven

8. Love Is Here to Stay

9. I've Got You Under My Skin

10. I Thought About You

11. We'll Be Together Again

12. Makin' Whoopee

13. Swingin' Down the Lane

14. Anything Goes

15. How About You?

 

0006. Duke Ellington – At Newport (1956)

Grabación y publicación:

Grabado en vivo el 7 de julio de 1956 durante el Newport Jazz Festival y publicado por Columbia Records, Ellington at Newport no solo es uno de los discos más importantes del jazz en vivo, sino uno de los eventos más legendarios de la historia del jazz moderno. Este álbum no solo revitalizó la carrera de Duke Ellington —que por entonces atravesaba un periodo de menor popularidad— sino que reafirmó la grandeza eterna del swing en plena era del bebop y del cool jazz.

Contexto:
Para 1956, muchos consideraban a Ellington una figura "pasada de moda". Sin embargo, esa noche en Newport, con una banda afilada, repertorio clásico y una audiencia encendida, Ellington y su orquesta dieron un concierto explosivo, elegante y absolutamente memorable. El momento culminante fue un solo de 27 coros del saxofonista Paul Gonsalves en “Diminuendo and Crescendo in Blue”, que encendió a la audiencia hasta niveles históricos —gente bailando en los pasillos, gritando, rompiendo con la etiqueta del jazz culto.

La grabación capturó todo eso (aunque Columbia editó partes del audio en estudio posteriormente), y el álbum se convirtió en un éxito comercial y crítico inmediato, devolviendo a Ellington al centro del jazz internacional.

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Análisis de temas destacados:

1. Festival Junction
   Comienza con un groove relajado pero decidido. La sección de metales brilla con precisión matemática. Ellington demuestra que, aunque otros buscaran nuevos caminos en el jazz, él seguía escribiendo como nadie para una big band.

2. Blues to Be There
   Aquí se desata una de las primeras tensiones del set: blues sofisticado, con un fraseo flexible y una banda que camina firme como un tren. Cada solista aporta color y acento, con Ellington dirigiendo con elegancia desde el piano.

3. Newport Up
   Una muestra perfecta del swing "a lo Ellington": preciso, suelto y lleno de carácter. Los vientos cortan el aire, y el ritmo es tan natural que parece que la banda no toca, sino respira.

4. Diminuendo and Crescendo in Blue
   El momento icónico del concierto. El tema comienza con frases contenidas, como un motor arrancando. Y entonces, Paul Gonsalves entra con un solo de 27 coros improvisados que enciende al público como si estuvieran en un concierto de rock décadas antes del rock de estadios. El frenesí fue tal que la organización casi pierde el control de la audiencia.

   El solo, técnicamente simple, es emocionalmente arrollador: sostenido, creciente, hipnótico. Una lección de cómo la repetición puede incendiar una sala si tiene alma.

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Conclusión:

Ellington at Newport es más que un álbum de jazz en vivo: es un momento bisagra en la historia cultural de EE. UU., donde una figura señera del jazz clásico reclamó su lugar no solo como pionero, sino como artista aún vigente y desafiante. Ellington no solo demostró que su música seguía viva, sino que podía arrastrar multitudes con la misma intensidad que cualquier nuevo “revolucionario”.

Este disco es la prueba grabada de que el swing, en manos del mejor, no envejece. Con una orquesta en estado de gracia, un público inflamado, y una energía casi espiritual, Ellington at Newport es uno de los grandes documentos de lo que puede ser la música en vivo: no una reproducción del estudio, sino un acto de renacimiento colectivo.

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Edición original (1956) – Listado de temas:

1. Festival Junction

2. Blues to Be There

3. Newport Up

4. Jeep's Blues

5. Diminuendo and Crescendo in Blue

(Nota: Las reediciones posteriores, especialmente la de 1999, incluyen la grabación completa del concierto con partes antes no editadas, incluyendo los discursos, más piezas como “Take the ‘A’ Train” o “Mood Indigo” que fueron omitidas en la edición de 1956).

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Rapertura del Museo Arqueológico Nacional

Hoy reabre el Museo Arqueológico Nacional, tras su reforma y ampliación, una reforma que ha mejorado el suelo, el techo y los espacios de exposición, aumentando la zona de exposición.

Hay más de 13.000 obras expuestas, entre las que destaca la popular Dama de Elche, y un montón de obras que cubren la historia de la humanidad, desde la prehistoria hasta el siglo 19. Para celebrar la reapertura del Museo, la entrada será gratuita hasta el 20 de abril de 2014.

El Museo Arqueológico Nacional, situado en la calle Serrano, junto a la Plaza de Colón en Madrid.

0005. Fats Domino – This is Fats (1957)

Grabación y publicación:

Publicado por Imperial Records en noviembre de 1956, This Is Fats fue uno de los discos fundamentales para consolidar el estatus de Fats Domino como arquitecto del rock and roll. Grabado en su natal New Orleans con su inseparable productor y coautor Dave Bartholomew, el álbum combina la calidez del rhythm & blues con la energía juvenil del rock emergente, sin perder la elegancia casi informal que siempre caracterizó a Domino.

Contexto y estilo:

A diferencia de otros pioneros del rock que apostaban por la agresión o la teatralidad, Fats Domino lo hacía todo con una sonrisa y una mano derecha imparable al piano. Era la voz tranquila del rock and roll: su groove venía de la tradición creole, del boogie-woogie, del jazz de club y del R&B de bar de barrio. This Is Fats lo muestra en su punto más accesible y encantador, con un sonido que se volvió fundacional para lo que luego sería la música pop.

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Análisis de temas destacados:

1. Blueberry Hill
   Probablemente su grabación más famosa, y un clásico eterno. Domino no la compuso (data de 1940), pero la convirtió en suya para siempre. Su voz pausada y melódica, junto al piano y la sección de metales, la convierten en una mezcla perfecta entre balada y swing. Fue número uno en R&B y top 10 en el pop: cruce total de públicos.

2. Bo Weevil
   Tema tradicional sobre un insecto que arruina cosechas, aquí transformado en un número rítmico con un piano saltarín. Fats lo convierte en algo cercano al cuento folclórico, sin perder el pulso bailable.

3. La-La
   Una rareza vocal, casi minimalista. Domino se deja llevar por una melodía simple que crece con el arreglo. Lo suyo es insistencia más que explosión.

4. Trouble in Mind
   Una vieja canción de blues transformada en algo más suave, más accesible, sin perder su tono triste. Domino se la apropia con un fraseo que equilibra desesperación y consuelo.

5. Reeling and Rocking
   Puro ritmo. Aquí su piano lidera con acordes contundentes, como si arrastrara a la banda consigo. Es una clase de rock & roll sin aspavientos, pero totalmente infeccioso.

6. Blue Monday
   Otro himno. Su voz arrastrada, casi cansada, captura a la perfección la rutina laboral y emocional de un trabajador común. Y sin embargo, hay algo profundamente alegre en su interpretación. Blues cotidiano y hermoso.

7. So Long
   Un adiós sin dramatismo, casi como si dijera “nos vemos mañana”. Domino entendía que la emoción no siempre venía del grito, sino del gesto natural.

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Conclusión:

This Is Fats no es un disco de grandes giros dramáticos ni de innovaciones estructurales. Es, en cambio, un compendio impecable del encanto melódico, el ritmo cálido y la voz cercana que definieron a Fats Domino como el “rey amable” del rock and roll.

Donde otros rompían, él tejía. Su música fue puente entre el blues y el pop, entre lo negro y lo blanco, entre la radio sureña y las listas nacionales. Su estilo nunca fue abrasivo, pero fue contundente por repetición, swing y cercanía.

Este álbum, sin proclamarse como obra maestra, termina siendo una piedra angular del lenguaje musical moderno, desde The Beatles (que lo admiraban profundamente) hasta el R&B contemporáneo.

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Listado de temas:

1. Blueberry Hill

2. Honey Chile

3. Bo Weevil

4. La-La

5. Troubles of My Own

6. So Long

7. Reeling and Rocking

8. Blue Monday

9. What’s the Reason I’m Not Pleasing You

10. Blue Heaven

11. You Done Me Wrong

12. Troubles in Mind

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0004. Louis Prima – Wildest (1957)

Grabación y publicación:

Grabado en abril de 1956 y publicado por Capitol Records, The Wildest! no solo marcó el renacimiento artístico de Louis Prima, sino que capturó en vinilo toda la energía desenfrenada de su nuevo show en Las Vegas, acompañado por su esposa y vocalista Keely Smith, y por el explosivo saxofonista Sam Butera & The Witnesses. El disco fue una redefinición del entretenimiento swing, una fusión trepidante de jazz, rhythm & blues y comedia.

Concepto y enfoque:

Este álbum no busca introspección ni tragedias. En lugar de eso, es una fiesta constante. Pero no una fiesta vacía: es el trabajo de un artista maduro que entendió cómo convertir la locura en precisión escénica. Prima toma su herencia ítalo-americana, su amor por New Orleans y su experiencia en el jazz pre-bop y los lanza al presente con un carisma avasallante. The Wildest! no es solo una grabación: es una actuación grabada con las luces encendidas y el público en la cabeza.

La química entre Prima y Keely Smith es magnética: ella, estoica y fría como el hielo; él, una tormenta de energía. Juntos, inventan un tipo de dueto cómico-romántico que sería emulado por generaciones.

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Análisis de temas destacados:

1. Just a Gigolo / I Ain’t Got Nobody
   Un medley que define el disco. Prima empieza melancólico, casi paródico, y revienta en puro ritmo y desparpajo. El arreglo es dinámico, lleno de giros, con Butera gritando desde el saxo como si fuera parte de un circo infernal.

2. Jump, Jive an’ Wail
   Uno de los himnos del swing revival. Aquí Prima da una lección de ritmo y dicción, mientras la banda explota en síncopas. Pura electricidad. No hay otra palabra.

3. (Nothing’s Too Good) For My Baby
   Una carta de amor en clave de boogie. La voz rasposa de Louis, combinada con el coro y los vientos saltarines, lo convierte en un número tan divertido como musicalmente sólido.

4. Buona Sera
   Una oda romántica con sabor a vino tinto, luna napolitana y comedia de sobremesa. Prima abraza su herencia itálica con acento incluido, y el resultado es puro encanto teatral.

5. Oh Marie
   Otro clásico italo-americano. Aquí la banda acelera, y Prima dispara frases como si estuviera en medio de un espectáculo de cabaret. Keely lo observa desde un silencio cómplice.

6. The Lip
   El humor llega a su pico con esta parodia exagerada de masculinidad y deseo. Keely responde con indiferencia medida, y la interacción es puro ritmo cómico.

7. Five Months, Two Weeks, Two Days
   Swing con tintes de blues sobre una ruptura. La voz de Prima baila entre la desesperación y el jolgorio, en uno de los momentos más vibrantes del álbum.

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Conclusión:

The Wildest! es el manifiesto definitivo del swing como espectáculo popular. Aquí no hay lugar para el dolor: todo es ritmo, carisma y virtuosismo controlado. Louis Prima, lejos de ser solo un comediante o un crooner extrovertido, se revela como un director de orquesta del caos: sabe exactamente cuándo exagerar, cuándo callar, y cuándo dejar que la banda vuele.

El disco fue fundamental no solo en su época, sino como influencia directa para el swing revival de los 90s (Brian Setzer, Big Bad Voodoo Daddy, Royal Crown Revue). Pero más allá de modas, sigue siendo una obra de alegría artesanal, profundamente musical y absolutamente contagiosa.

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Listado de temas:

1. Just a Gigolo / I Ain’t Got Nobody

2. (Nothing’s Too Good) For My Baby

3. The Lip

4. Body and Soul

5. Jump, Jive an’ Wail

6. Oh Marie

7. Buona Sera

8. Night Train

9. Whistle Stop

10. Five Months, Two Weeks, Two Days

11. Banana Split for My Baby

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003. Louvin Brothers – Tragic Songs of Life (1956)

Grabación y publicación:

Publicado en octubre de 1956 por Capitol Records, Tragic Songs of Life fue el primer LP de los Louvin Brothers, Charlie y Ira Louvin, y uno de los álbumes más decisivos en la consolidación del estilo “brother harmony” dentro del country y la música de raíces estadounidense. Fue grabado en Nashville, con un acompañamiento instrumental mínimo que deja el foco completamente en las voces —su arma más letal.

Concepto:

Tal como indica su título, el álbum es una colección de baladas trágicas, asesinatos, pérdidas y condenas. Pero más que recrear lo lúgubre por morbo, el disco lo hace desde una visión moral y espiritual, con una intensidad casi bíblica. Ira, con su tenor quebrado y agudo, y Charlie, con su barítono más terrenal, crean armonías que parecen cantar desde otro mundo, como si fueran dos ángeles enfrentando el infierno humano.

Aquí no hay redención fácil, ni ornamento emocional. Solo historias duras narradas con precisión vocal y devoción austera.

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Análisis de temas destacados:

1. Kentucky
   Una apertura melancólica, donde se evoca la tierra natal con un tono de pérdida permanente. Aquí ya queda claro el sello Louvin: armonía milimétrica y guitarra acústica sin adornos.

2. I’ll Be All Smiles Tonight
   Vieja tonada tradicional, cantada desde la resignación: la tristeza por dentro, la sonrisa por fuera. La dicotomía emocional en las voces lo vuelve desgarrador.

3. Let Her Go, God Bless Her
   Canción de ruptura envuelta en espiritualidad. La distancia emocional se canta con una belleza vocal tan perfecta que duele.

4. What Is Home Without Love
   Otra muestra de cómo el álbum descompone la idea del amor romántico para mostrar su reverso: el abandono, el vacío. Una de las interpretaciones más sobrias y poderosas.

5. Knoxville Girl
   Uno de los murder ballads más oscuros jamás grabados. La letra, brutal en su contenido (un asesinato narrado sin emoción), contrasta con una armonía angelical. La frialdad del relato y la belleza vocal generan un efecto perturbador y fascinante.

6. The Great Atomic Power (no incluida aquí pero representativa de su obra)**
   Aunque no está en este álbum, vale mencionarla por mostrar su veta religiosa/apocalíptica. Los Louvin no temían mezclar el mundo físico con el espiritual en su música.

7. Mary of the Wild Moor
   Una narración al estilo de los cuentos góticos ingleses, sobre una mujer y su hijo abandonados a la intemperie. Canta a la culpa heredada, la tragedia familiar, con un tono que hiela la sangre.

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Conclusión:

Tragic Songs of Life es una obra fundacional del country gótico y de la narrativa trágica en la música popular estadounidense. Lejos de buscar el entretenimiento fácil, los Louvin Brothers construyen un mundo donde el dolor es aceptado, canalizado y —en cierto modo— redimido a través del canto.

Sus voces, tan cercanas al éxtasis religioso como al abismo emocional, convierten cada canción en un acto de purificación espiritual. Aquí no hay espectáculo, hay un tipo de belleza austera que conmueve por su honestidad y precisión emocional.

Es un disco que influenció a artistas tan dispares como Gram Parsons, Emmylou Harris o Nick Cave. Y sigue sonando, casi 70 años después, atemporal, inquebrantable y sublime.

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Listado de temas:

1. Kentucky

2. I’ll Be All Smiles Tonight

3. Let Her Go, God Bless Her

4. What Is Home Without Love

5. A Tiny Broken Heart

6. In the Pines

7. Alabama

8. Katie Dear

9. My Brother’s Will

10. Knoxville Girl

11. Take the News to Mother

12. Mary of the Wild Moor

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El mundo perdido de Harry O. Hoyt (1925)

Adaptación de la obra de Arthur Conan Doyle "El mundo perdido".

Resumen: Una expedición científica británica viaja a una remota meseta de la selva brasileña. Allí encuentran hombres prehistóricos y toda clase de dinosaurios en esta adaptación de la famosa novela de Sir Arthur Conan Doyle. Los efectos especiales corrieron a cargo de Willis H. O´Brien, un pionero de la animación en el cine que desarrolló la técnica de simular la animación por medio de figuras de goma con estructuras metálicas que se movían unos milímetros para cada fotograma. (FILMAFFINITY)

Ficha en Filmaffinity

Fuente Internet Archive 

 

La Montaña de la Luna, China

A unos pocos kilómetros del bello pueblo de Yangshuo, en el sur de China, encontramos esta montaña en cuya parte superior se abre un arco natural casi perfecto. Su nombre, “Yuèliàng Shān”, significa la Montaña de la Luna, y obviamente recibe el calificativo por la forma semicircular del agujero que atraviesa la formación cárstica, tan típica de ésta región de China. 

Es posible subir a la parte superior del arco, aunque un cartel que indica “prohibido el paso” marca el pequeño carril que lleva a su cima.  Antes de llegar al propio arco hay que subir unos 800 escalones hasta la cima de la propia colina, de donde nace el arco en sí. La montaña está en un recinto cerrado para el que hay que abonar entrada. 

0002. Elvis Presley – Elvis Presley (1956)

Grabación y publicación:

Publicado el 23 de marzo de 1956 por RCA Victor, Elvis Presley fue el álbum debut oficial de Elvis y, también, el primer disco de rock and roll en encabezar la lista de álbumes Billboard. Se compone de grabaciones realizadas entre 1954 y 1956, en parte en Sun Studios (Memphis) con Sam Phillips, y en parte en estudios de RCA tras la histórica compra del contrato de Elvis por $35,000. La portada, con Elvis tocando la guitarra sobre un fondo negro con su nombre en letras rosa y verde fosforescentes, se volvió icono visual del rock, imitada incluso por The Clash décadas después.

Concepto y contexto:
Este álbum no fue concebido como un disco conceptual, sino como una recopilación de sencillos y material grabado por un joven Elvis en plena ebullición creativa. Y sin embargo, se siente como un manifiesto: el nacimiento del rock and roll como fenómeno de masas. Lo que aquí se escucha es energía, mezcla cultural (country, blues, R&B), rebeldía y, sobre todo, una voz que no se parecía a nada conocido.

Más que perfección técnica, lo que marca este disco es urgencia, carisma y sexualidad sin filtro. Es un documento vivo de un momento de ruptura.

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Análisis de temas destacados:

1. Blue Suede Shoes
   El disco abre con este cover de Carl Perkins. Elvis lo transforma en un estallido juvenil. Su interpretación no es solo energética, es peligrosa: el fraseo acelerado, el slapback de la guitarra, el ritmo impulsivo. Es rock en estado puro.

2. I’m Counting on You
   Una balada que contrasta con la apertura. Aquí vemos al Elvis crooner, emocional, más cercano al country. La producción es mínima, dejando que su voz flote con vulnerabilidad.

3. I Got a Woman
   Original de Ray Charles. En esta versión, Elvis y su banda (con Scotty Moore en guitarra y Bill Black en contrabajo) cruzan el evangelio con el boogie. Es una apropiación cultural clara, pero también una traducción emocional que prende fuego.

4. One-Sided Love Affair
   Juguetona, con tintes de rhythm & blues. Suena a bar de carretera, a rock primitivo. No hay arreglos complicados, solo ritmo, voz y actitud.

5. Tutti Frutti
   Cover de Little Richard. Elvis no iguala la locura del original, pero le imprime su sello. El resultado es menos explosivo, pero igual de frenético.

6. Tryin’ to Get to You
   Un tema más introspectivo, grabado originalmente en Sun. Aquí brilla la tensión sexual implícita, ese quiebre de la voz que no es actuación: es deseo contenido. Una de sus mejores interpretaciones vocales del período.

7. Blue Moon
   Probablemente la pieza más extraña y fascinante del disco. Elvis la convierte en una balada casi fantasmal, con ecos prolongados, voz distante, a medio camino entre el doo-wop y la música espectral. Pura melancolía extraterrestre.

8. Money Honey
   Un final potente. Original de The Drifters, aquí Elvis se impone con groove y sarcasmo. El ritmo manda. Se siente como una actuación en vivo en plena madrugada.

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Conclusión:

Elvis Presley es el Big Bang del rock and roll grabado. No es un álbum perfectamente armado: es crudo, desordenado, y a ratos dispar, pero ese es su poder. El joven Elvis, con 21 años, convierte lo que antes era música marginal —el R&B negro, el hillbilly blanco, el góspel— en una nueva cultura popular global.

Más que un disco, Elvis Presley es una explosión registrada en vinilo. Aquí nace el mito, pero también el lenguaje moderno del pop, la figura del frontman sexual, y la idea del rock como fuerza juvenil. Un debut que cambió todo sin necesidad de pedir permiso.

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Listado de temas:

1. Blue Suede Shoes

2. I’m Counting on You

3. I Got a Woman

4. One-Sided Love Affair

5. I Love You Because

6. Just Because

7. Tutti Frutti

8. Trying to Get to You

9. I’m Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)

10. I’ll Never Let You Go (Little Darlin’)

11. Blue Moon

12. Money Honey

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0001. Frank Sinatra – In the Wee Small Hours (1955)

Grabación y publicación:

Grabado entre febrero y marzo de 1955 en Hollywood, y publicado ese mismo año por Capitol Records, este fue uno de los primeros LPs conceptuales de la historia. Con arreglos orquestales de Nelson Riddle, In the Wee Small Hours no es una simple colección de baladas, sino un viaje introspectivo por la soledad, el arrepentimiento y el amor perdido.

Concepto:
A diferencia del Sinatra de los años previos —el crooner jovial, símbolo del swing— aquí nos encontramos con el Sinatra herido, devastado por la ruptura con Ava Gardner. Su voz baja, madura y contenida, acompañada por arreglos sobrios y nocturnos, transforma el disco en una confesión íntima, casi cinematográfica. In the Wee Small Hours fue revolucionario por centrarse en un estado de ánimo sostenido, lo que lo convierte en una obra pionera del “álbum como narrativa emocional”.

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Análisis de temas destacados:

1. In the Wee Small Hours of the Morning
   Abre el disco con una imagen perfecta: el insomnio solitario, la noche como refugio y castigo. El fraseo de Sinatra es delicado, resignado. Una de las mejores aperturas de álbum de todos los tiempos.

2. Mood Indigo
   Un clásico de Duke Ellington que en manos de Sinatra se convierte en un susurro elegante. Riddle introduce atmósferas tenues, casi suspendidas, donde cada silencio pesa tanto como cada nota.

3. Glad to Be Unhappy
   No hay ironía: Sinatra acepta la tristeza como estado existencial, como un lugar donde uno puede reconocerse. Su interpretación es estoica, sin melodrama.

4. I Get Along Without You Very Well
   Una de las piezas más devastadoras del disco. El narrador se engaña a sí mismo —o lo intenta— pero su voz lo traiciona. La contención es tan poderosa como el llanto que nunca llega.

5. Deep in a Dream
   Uno de los momentos más hipnóticos. La orquesta crea una sensación onírica, como si estuviéramos flotando con él por los pasillos de la memoria. El desgarro aquí es puro cine negro emocional.

6. What Is This Thing Called Love?
   Más enérgica, pero igualmente amargada. El tono es inquisitivo, como un hombre que intenta entender un misterio ya sufrido. Aquí Sinatra brilla por su control técnico y emocional.

7. Last Night When We Were Young
   Es probablemente uno de los mejores ejemplos del concepto del álbum. La juventud como recuerdo fantasmal, el amor como eco. Si Kind of Blue explora el tiempo en jazz, esta canción lo hace en forma de torch song.

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Conclusión:

In the Wee Small Hours es una de las cimas del álbum vocal del siglo XX. En él, Sinatra redefine su carrera, abrazando la tristeza sin adornos ni cinismo. Cada canción fluye dentro de un mismo clima emocional: la madrugada del alma.

Es un disco para escuchar en soledad, con luces bajas. Aquí, el sufrimiento no es un exceso: es una forma de comprender lo perdido. Sinatra y Riddle construyen un universo donde el corazón roto es una arquitectura completa. Elegante, contenido y profundamente humano.

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Listado de temas:

1. In the Wee Small Hours of the Morning

2. Mood Indigo

3. Glad to Be Unhappy

4. I Get Along Without You Very Well

5. Deep in a Dream

6. I See Your Face Before Me

7. Can't We Be Friends?

8. When Your Lover Has Gone

9. What Is This Thing Called Love?

10. Last Night When We Were Young

11. I'll Be Around

12. Ill Wind

13. It Never Entered My Mind

14. Dancing on the Ceiling

15. I'll Never Be the Same

16. This Love of Mine

Nepal busca "barrenderos" para el Everest

El gobierno del país ha aprobado una nueva norma para que quienes asciendan a la montaña más alta del mundo vuelvan con 8 kilos de basura.

El Everest es un gigantesco basurero que acoge los residuos de las 800 personas que suben de media cada año. El gobierno de Nepal ha decidido tomar la iniciativa para preservar una de sus grandes fuentes de ingresos turísticos, para ello, el ejecutivo ha dado un paso más en la normativa para ascender al Everest que, hasta ahora, sancionaba con 400 euros a los escaladores que no recogían sus propios residuos. Ahora, los montañeros no solo tendrán que recoger los restos que hayan generado sino que se les exigirá descender con un mínimo de ocho kilos de basura, que serán entregados a los funcionarios en el campo base. En caso de no hacerlo, se enfrentarán a fuertes multas. De esta manera, se calcula que al final de la temporada, entre marzo y mayo, se habrán descargado unos 6.400 kilos de basura.

También se ha aprobado establecer un cuerpo estable de policía en el campo base, a 4.800 metros de altura, destinado a establecer el orden y controlar que todas las personas que acuden a la cima cumplen con la normativa. En el futuro, el plan es tener un centro médico y contra un meteorólogo con el fin de mantener limpia y segura una fuente inagotable de ingresos para Nepal.

Fuente: Libertad Digital

0203. Santana – Abraxas (1970)

0203. Santana – Abraxas (1970) 

Un año después de aparecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, la obra maestra de Carlos Santana y apenas su segundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahí está, muy presente, la huella de Miles Davis) y ritmos afro antillanos.

La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbre discográfica de los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si “Santana”, el larga duración anterior, contenía tres futuros temas clásicos (”Souls Sacrifice”, “Evil Ways” y “Jingo”), este opus número 2 ofrecía exactamente lo mismo con “Black Magic Woman” (composición de Peter Green, líder del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba gran rock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda “Gypsy Queen”, “Oye cómo va” (original del enorme timbalista Tito Puente) y “Samba pa ti” ( una de las piezas más bellas jamás escritas por Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en la calidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas. Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandes rasgos jazzísticos, como “Incident at Neshabur” o “Singing Winds, Crying Beasts”, no dejan lugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera “Hope You’re Felling Better”. Por supuesto que más allá del alto nivel de los diversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, sus licks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, pero sobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquí interpreta.

Con "Abraxas", Santana obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas consecutivas y consiguió vender más de un millón de copias; algo extraño por entonces en un trabajo discográfico fundamentalmente instrumental. En definitiva, un excelente disco que no pasará de moda. 

Lista de temas:

1. Singing Winds, Crying Beasts
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye Como Va
4. Incident at Neshabur
5. Se A Cabo
6. Mother's Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You're Feeling Better
9. El Nicoya

1001 discos que escuchar antes de morir

Se trata un libro interesante referencia musical. Editado por: Robert Dimery con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional. La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta la actualidad. Mi intención es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los años que comprende.El libro se va actualizando año tras año manteniendo siempre el número de discos (1001) y para lograrlo obviamente que sacan algunos y agregan los del año que se hayan destacado y justifiquen su inclusión en el libro.

El corto animado perdedor del Oscar es 'Mickey Mouse: Get a Horse!'

Era el favorito, pero no pudo ser. Se caracteriza por la  mezcla de animación hecha a mano con otra creada mediante el uso de ordenador, una forma ideal de poner al día al personaje más característico de la compañía. El corto fue exhibido en cines como estupendo acompañante para ‘Frozen, el reino del hielo‘ (‘Frozen’, Chris Buck y Jennifer Lee, 2013) y también será incluido en las ediciones en dvd y blu-ray que aparecerán próximamente a la venta en nuestro país.

El corto animado ganador del Oscar es 'Mr Hublot'

Este años el Oscar al de mejor cortometraje animado ha sido para ‘Mr Hublot‘ (Laurent Witz y Alexandre Espigares, 2013). La historia de ‘Mr Hublot’ es bastante sencilla sin diálogos y que apela a unos sentimientos con los que todos podemos identificarnos.

The Misadventures Of Buster Keaton

Os dejo este largometraje teatral de Buster Keaton

Depeche Mode en Madrid (18/01/2014)

Gran concierto el del sábado con buenos momentos y con la banda muy en forma, con Dave Gahan sin parar en todo el concierto, saltando, bailando, moviéndose como deleitándonos con todas las poses del gran frontman que es. Lo que se puede esperar de una de esas bandas que dejan a todo el mundo satisfecho prácticamente con solo aparecer en el escenario.

Aquí os dejo el setlis con los enlaces que he pillado de internet. Que lo disfruteis.

Setlist:
Welcome to My World 
Angel 
Walking in My Shoes 
Precious 
Stripped 
Should Be Higher 
In Your Room ('Zephyr Mix' version)
The Child Inside 
Judas (Acoustic)
Heaven 
Behind the Wheel 
A Pain That I'm Used To ('Jacques Lu Cont's Remix' version)
A Question of Time 
Enjoy the Silence 
Personal Jesus 
Bis:
Home (Acoustic;Sung by Martin)
Halo ('Goldfrapp Remix' version)
Just Can't Get Enough 
I Feel You 
Never Let Me Down Again 

U2 y 'Ordinary Love' se llevan el Globo de Oro a la mejor canción: ¿así están las cosas?

Sinceramente creo que no es para tanto.

Chamberí, la estación fantasma del metro de Madrid

Existe en Madrid una curiosa estación “fantasma” de metro que puede visitarse. 

Quienes cojan normalmente la Línea 1 entre las estaciones de Bilbao e Iglesia habrán visto entre ellas lo que parece una antigua estación de metro en la que los trenes no paran. Se trata de la antigua estación de Chamberí, que actualmente está rehabilitada y hace las funciones de pequeño museo sobre el transporte.

Chamberí era una de las ocho estaciones que componían la Línea 1 del Metro de Madrid y fue inaugurada en octubre de 1919, diseñada por el arquitecto Antonio Palacios. Pero en 1966 se decidió ampliar el número de vagones de los trenes de la línea, y al no poderse ampliar la estación para que los andenes correspondiesen con la longitud de los trenes se optó por cerrarla, ya que por la proximidad con las estaciones aledañas tampoco era realmente necesaria. 

En 2006 se decidió recuperar el lugar y se inició un proceso de rehabilitación para crear el museo que es ahora. Junto a la Nave de motores de Pacífico, la estación de Chamberí forma parte de Andén 0, un programa promovido por Metro de Madrid en colaboración con el Ayuntamiento de la ciudad, con el objetivo de dar a conocer la historia de este medio de transporte tanto a nivel tecnológico como artístico.