0031. Stan Getz & Charlie Byrd - Jazz Samba (1962)

🕰 Grabación y publicación:

• Grabación: 13 de febrero de 1962, en el All Souls Unitarian Church de Washington D.C., elegida por su excelente acústica.

• Publicación: Abril de 1962, bajo el sello Verve Records.

• Producción: Creado bajo la dirección de Creed Taylor, uno de los productores más influyentes en la popularización del jazz accesible.

Este álbum marcó el inicio de una de las revoluciones estilísticas del jazz moderno al introducir con éxito la bossa nova brasileña en el mercado estadounidense.

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🌍 Contexto y estilo:

A comienzos de los años 60, el jazz estaba explorando nuevos caminos: el free jazz, el modal y el hard bop dominaban la escena. En paralelo, una corriente suave, melódica y rítmicamente única comenzaba a tomar forma en Brasil: la bossa nova, que combinaba samba con armonías sofisticadas del jazz.

El guitarrista Charlie Byrd, luego de una gira por Sudamérica patrocinada por el gobierno de EE.UU., quedó fascinado con la bossa nova y convenció a Stan Getz de colaborar en un proyecto que la fusionara con el jazz.

Stan Getz, conocido por su tono de saxofón cálido y lírico, fue el puente perfecto entre ambos mundos. Jazz Samba fue el primer álbum bossa nova grabado por músicos estadounidenses y se convirtió en un éxito comercial inesperado.

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🔍 Análisis de temas destacados:

• “Desafinado” (Antonio Carlos Jobim / Newton Mendonça)
  Tema clave del álbum. Esta versión instrumental se convirtió en un éxito radial, alcanzando el #15 en el Billboard Hot 100. Su título significa “desafinado” o fuera de tono, pero irónicamente la pieza fluye con elegancia y precisión melódica. El fraseo de Getz es etéreo.

• “Samba de Uma Nota Só” (One Note Samba)
  Otro clásico de Jobim, que juega con una línea melódica que repite una sola nota, mientras los acordes evolucionan armónicamente. La interpretación de Byrd y Getz es minimalista, divertida y técnicamente impecable.

• “E Luxo Só”
  Una pieza más lenta y suave, que muestra la capacidad del dúo para crear atmósferas íntimas. El diálogo entre la guitarra y el saxo es sutil y emotivo.

• “Baía”
  Cierre majestuoso del álbum. Un tema tradicional brasileño con un enfoque casi cinematográfico, en el que Getz despliega su sonido más envolvente.

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🧾 Conclusión:

Jazz Samba es un álbum pionero y decisivo: fue el primer paso de la bossa nova hacia la internacionalización y, al mismo tiempo, un punto de inflexión en la carrera de Stan Getz, quien se convertiría en uno de los mayores difusores del género.

Su éxito abrió las puertas a álbumes esenciales como Getz/Gilberto (1964), donde nacería el icónico “The Girl from Ipanema”.

Musicalmente, este disco se distingue por su suavidad, lirismo, sofisticación armónica y frescura, y sigue siendo uno de los álbumes de jazz más accesibles y agradables para nuevos oyentes.

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🎵 Listado de temas:

1. Desafinado

2. Samba de Uma Nota Só (One Note Samba)

3. O Pato (The Duck)

4. Samba Triste

5. Samba de Duas Notas (Two Note Samba)

6. E Luxo Só

7. Baía

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0032. Booker T & The MG's - Green Onions (1962)

Grabación y publicación:

El tema principal, “Green Onions”, fue grabado casi por accidente en Stax Studios (Memphis, Tennessee) a mediados de 1962, como un instrumental improvisado por la banda durante una sesión para otro artista. Sorprendentemente, fue editado como sencillo y se convirtió en un éxito inmediato, alcanzando el #3 en el Billboard Hot 100 y el #1 en la lista R&B.

El álbum completo fue lanzado en octubre de 1962 por Stax Records, recogiendo varias piezas instrumentales previas de la banda, así como nuevas composiciones y versiones, todas en la línea de un soul instrumental directo, con toques de R&B y blues.

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Contexto y estilo:

Booker T. & the MG’s fueron la banda de estudio de Stax Records, pieza central del llamado “Memphis Sound”. Estaban compuestos por:

• Booker T. Jones (órgano Hammond B-3)

• Steve Cropper (guitarra)

• Lewie Steinberg (bajo, luego reemplazado por Donald “Duck” Dunn)

• Al Jackson Jr. (batería)

Eran una banda interracial en un contexto de fuerte tensión racial en EE. UU., lo que añadía un carácter único e incluso subversivo a su existencia y éxito. Su sonido era minimalista pero groovy, ideal para pistas de baile, y completamente instrumental: dejaban que las melodías, los riffs y los grooves hablaran por sí mismos.

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Análisis de temas destacados:

• “Green Onions”: El tema titular es un clásico indiscutible. Con su riff hipnótico de órgano Hammond, base rítmica sólida y actitud cool, se convirtió en el arquetipo del soul instrumental. Su atmósfera es tanto funky como misteriosa, y ha sido utilizada en innumerables películas, series y anuncios.

• “Mo’ Onions”: Variación de “Green Onions” con un enfoque aún más centrado en la improvisación y el groove. Confirma que no se trató de un golpe de suerte, sino de una fórmula deliberada.

• “Comin’ Home Baby” y “Twist and Shout”: Versiones instrumentales que demuestran la capacidad del grupo para reinterpretar hits vocales como piezas de soul instrumental.

• “Behave Yourself”: Más pausado y bluesero. Aquí el Hammond se vuelve más introspectivo, creando una pieza casi meditativa.

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Conclusión:

Green Onions no es solo un disco de acompañamiento ni un experimento instrumental: es una declaración de estilo minimalista y elegante, un pilar del soul de los 60 y un punto de partida para toda una generación de músicos.

Booker T. & the MG’s no solo demostraron que el groove podía ser el eje de una canción sin necesidad de letra, sino que también pusieron a Stax Records en el mapa mundial, sentando las bases para futuros trabajos con artistas como Otis Redding, Sam & Dave, y Wilson Pickett.

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Listado de temas:

1. Green Onions

2. Rinky Dink

3. I Got a Woman

4. Mo’ Onions

5. Twist and Shout

6. Behave Yourself

7. Stranger on the Shore

8. Lonely Avenue

9. One Who Really Loves You

10. You Can’t Sit Down

11. A Woman, a Lover, a Friend

12. Comin’ Home Baby

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0033. Ray Charles - Modern Sounds In Country & Western Music (1962)

Grabación y publicación:

Grabado entre febrero y marzo de 1962 en los Capitol Studios (Nueva York y Los Ángeles), este álbum fue publicado por ABC-Paramount Records el 2 de abril de 1962. Fue producido por Sid Feller, quien trabajó estrechamente con Ray Charles para adaptar el repertorio country a un contexto musical completamente nuevo. El proyecto fue arriesgado: un artista afroamericano abordando un género asociado tradicionalmente con el público blanco conservador del sur estadounidense.

Ray Charles, con pleno control creativo tras firmar con ABC, rompió todas las barreras raciales y estilísticas del momento.

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Contexto y estilo:

Modern Sounds in Country and Western Music es un disco radical para su época. Fusiona country tradicional con soul, jazz, pop orquestal y rhythm & blues, reconfigurando completamente la forma en la que el público percibía tanto a Ray Charles como al country en sí mismo.

En plena era de la segregación racial en EE. UU., Charles desafió tanto las normas culturales como las del negocio musical. El resultado no fue solo un éxito de ventas (alcanzó el #1 en las listas pop de Billboard), sino una obra maestra de trascendencia histórica, demostrando que la música no conoce de razas ni géneros delimitados.

El álbum se divide estilísticamente: algunos temas con arreglos sinfónicos y otros con secciones más reducidas tipo big band, lo que le da una riqueza y dinamismo poco común.

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Análisis de temas destacados:

• “I Can’t Stop Loving You”: Original de Don Gibson, esta balada se convirtió en uno de los mayores éxitos de la carrera de Ray Charles. Su interpretación conmueve por la intensidad emocional y la majestuosidad del acompañamiento orquestal. La forma en que convierte una canción country melancólica en una elegía soul es de una profundidad insólita.

• “You Don’t Know Me”: Otro tema country transformado en un lamento introspectivo. Ray lo interpreta con un fraseo contenido, casi vulnerable, reforzado por los arreglos de cuerdas que acentúan la tensión emocional.

• “Bye Bye Love”: Aquí Charles toma el éxito de los Everly Brothers y lo convierte en una pieza alegre con sabor a rhythm & blues, saxos swingueantes y coros que hacen palmas. Una reinvención festiva y liberadora.

• “Just a Little Lovin’ (Will Go a Long Way)” y “Hey, Good Lookin’”: Representan el lado más dinámico del disco, con secciones de metales brillantes, ritmo bailable y el estilo característico de Ray como showman.

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Conclusión:

Modern Sounds in Country and Western Music es una obra revolucionaria no solo por su calidad musical, sino por su impacto social y cultural. Ray Charles desmanteló las barreras entre géneros, entre razas y entre públicos, reivindicando la universalidad de las emociones humanas a través de la música.

Mucho más que un disco de versiones, este álbum es una reinterpretación total del cancionero country desde una perspectiva soul, creando algo completamente nuevo. Su legado perdura no solo en la música, sino en cómo entendemos la posibilidad de fusión, identidad y expresión en el arte.

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Listado de temas:

1. Bye Bye, Love

2. You Don’t Know Me

3. Half as Much

4. I Love You So Much It Hurts

5. Just a Little Lovin’

6. Born to Lose

7. Worried Mind

8. It Makes No Difference Now

9. You Win Again

10. Careless Love

11. I Can’t Stop Loving You

12. Hey, Good Lookin’

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0030. Bill Evans - Sunday at the Village Vanguard (1961)

Grabación y producción:

Grabado en vivo el 25 de junio de 1961 en el legendario Village Vanguard de Nueva York. Producido por Orrin Keepnews para Riverside Records, y cuidadosamente editado a partir de las actuaciones de ese único día.

Publicación:
Originalmente publicado en 1961, con posteriores reediciones y expansiones. El álbum funciona como complemento inseparable de Waltz for Debby, grabado en la misma sesión.

Concepto:
Sunday at the Village Vanguard es más que una grabación en vivo: es un retrato sonoro de una conexión espiritual, casi telepática, entre tres músicos que redefinieron el diálogo dentro del jazz. Fue la última actuación grabada del contrabajista Scott LaFaro, quien moriría trágicamente diez días después. Esa sombra trágica otorga al disco una carga emocional singular.

El trío formado por Bill Evans (piano), Scott LaFaro (contrabajo) y Paul Motian (batería) estableció un nuevo paradigma: ya no como solista y acompañantes, sino como tres voces interdependientes, en una conversación libre y profundamente musical.

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Análisis de temas destacados:

1. Gloria's Step (Take 2)
   Abre el disco con una composición de LaFaro. Desde el primer compás se percibe el interplay magistral entre los tres. El contrabajo marca dirección y armonía con una agilidad insólita. La pieza fluye con un naturalismo que parece improvisado por completo, aunque es de una estructura compleja.

2. My Man's Gone Now
   Interpretación de la pieza de Porgy and Bess. Trágica y lírica, Evans despliega aquí su sentido del espacio, el susurro y el silencio, acompañado por un LaFaro que habla desde lo más profundo del instrumento.

3. Solar
   Composición de Miles Davis. Aquí, el trío construye sobre la melodía una conversación intensa pero delicada. Paul Motian se vuelve esencial: nunca interfiere, siempre respira junto a los demás.

4. Alice in Wonderland
   Lúdica pero introspectiva. Evans toma esta melodía infantil y la convierte en un pequeño mundo onírico, donde cada nota parece meditada pero ligera como una pluma.

5. All of You
   Una de las versiones más estructuralmente audaces. LaFaro toma la delantera en varios momentos, rompiendo con el rol tradicional del bajo. El resultado es un ejercicio de libertad con total coherencia.

6. Jade Visions (Take 2)
   Otra composición de LaFaro, que sirve como epílogo emocional del disco. Breve, oscura, melancólica. Suena a despedida sin saberlo.

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Conclusión:

Sunday at the Village Vanguard no es simplemente uno de los mejores discos de trío en el jazz: es una lección de escucha mutua, de contención, de lirismo. Bill Evans muestra que la fuerza no siempre está en el volumen, y que la emoción más profunda puede nacer del susurro más tenue.

El álbum es además un homenaje implícito a Scott LaFaro, cuya técnica y sensibilidad cambiaron para siempre la función del contrabajo en el jazz. Su presencia es tan vital en este disco que, más que acompañante, parece una extensión emocional del piano de Evans.

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Listado de temas:

1. Gloria’s Step (Take 2)

2. My Man’s Gone Now

3. Solar

4. Alice in Wonderland (Take 2)

5. All of You (Take 2)

6. Jade Visions (Take 2)

(En ediciones ampliadas se incluyen otras tomas y piezas como "Gloria's Step" (Take 1 y 3), "All of You" (Take 1 y 3), entre otras.)

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0345. Queen – A Night at the Opera (1975)

Sello discográfico: EMI

Producción: Roy Thomas Baker • Queen

Dirección artística: David Costa

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 42:52

Fantástico álbum de Queen con título de película de los hermanos Marx. Bajo tonalidad socarrona, suntuoso en sus arreglos vocales e instrumentales, logrado en sus melodías y bastante ecléctico en la esencia de sus composiciones, con sonidos que van desde el hardrock hasta el pop pasando por el cabaret y sus particulares remedos operísticos. La clave de su éxito recae en la sabia combinación desde una postura teatral entre elementos rockeros con la ópera y el musichall.

"Bohemian Rhapsody". Es una canción de seis minutos en la que se tocan varios estilos, desde el rock hasta la opera. Es, sin lugar a dudas, la canción más compleja de Queen. En realidad se trata de 3 canciones en una; una balada, una ópera y una parte de hard-rock. Pero lo más complicado fue la parte de ópera. Duró siete días y en cada sesión se grababa entre 10 y 12 horas. Se mezclaron 180 voces con fragmentos de guitarra, piano, bajo y batería. En definitiva, se tardó en grabar la canción completa 3 semanas. Pero el esfuerzo valió la pena, ya que el single "Bohemian Rhapsody" estuvo nueve semanas seguidas en el número uno, batiendo todos los records.

Queen hizo historia en este disco, ya que fue el primer grupo en utilizar un videoclip para promoción. El video se rodó tan solo en 4 horas y costo 4500 libras, y en él aparecen los cuatro componentes de la banda con un estilo parecido al de la portada del disco Queen II.

Listado de temas:

1.Death on Two Legs (Dedicated to...)

2.Lazing on a Sunday Afternoon

3.I'm in Love With My Car

4.You're My Best Friend

5.'39

6.Sweet Lady

7.Seaside Rendezvous

8.Prophet's Song, The

9.Love of My Life

10.Good Company

11.Bohemian Rhapsody

12.God Save the Queen

0037. Jimmy Smith - Back at the Chicken Shack (1960)

Grabación y publicación:

Aunque fue publicado en febrero de 1963 por Blue Note Records, Back at the Chicken Shack fue grabado el 25 de abril de 1960, durante la misma sesión que produjo también Midnight Special, otro álbum emblemático de Jimmy Smith. La sesión tuvo lugar en los Van Gelder Studios de Rudy Van Gelder, en Englewood Cliffs, Nueva Jersey —un santuario para el jazz moderno.

Producido por Alfred Lion, el disco captura un momento de pura alquimia entre cuatro músicos excepcionales en un ambiente distendido y libre, como sugiere el título.

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Contexto y estilo:

Jimmy Smith fue el gran responsable de llevar el órgano Hammond B-3 al primer plano del jazz moderno. Su estilo combinaba swing, bebop, blues y soul con una energía y musicalidad que redefinieron el papel del instrumento, acercando el jazz al público popular sin traicionar su complejidad.

Back at the Chicken Shack se inscribe dentro del estilo conocido como soul jazz, una rama más cálida, directa y accesible del hard bop. Pero bajo esa accesibilidad se esconde una ejecución magistral: grooves profundos, improvisaciones vibrantes y una compenetración casi telepática entre los músicos.

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Análisis de temas destacados:

• “Back at the Chicken Shack”: El tema que da título al álbum es también su declaración de intenciones. Groove relajado, swing contagioso, y una melodía simple pero hipnótica. Smith domina con elegancia, dejando espacio a los demás para brillar. Es uno de los himnos indiscutibles del soul jazz.

• “When I Grow Too Old to Dream”: Balada introspectiva donde Smith demuestra su capacidad para el lirismo y la contención, acompañado por el sutil fraseo de Stanley Turrentine al saxo tenor. Cada nota respira.

• “Minor Chant”: Compuesta por Turrentine, es un blues modal con sabor a espiritual. Aquí el saxo lleva la batuta emocional, mientras Smith construye atmósferas densas con acordes prolongados y grooves soterrados.

• “Messy Bessie”: El cierre perfecto. Un tema más movido, con riffs blueseros y una rítmica casi funky. Es aquí donde Donald Bailey en la batería y Kenny Burrell a la guitarra completan la fiesta rítmica con soltura y clase.

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Conclusión:

Back at the Chicken Shack no solo es un clásico del soul jazz, es una puerta de entrada ideal al universo del jazz moderno para oyentes de cualquier nivel. Jimmy Smith logra lo que muy pocos: un balance perfecto entre técnica y feeling, entre virtuosismo y calidez.

Lejos de pretensiones intelectuales, este disco se escucha con el cuerpo, con los pies marcando el ritmo y la cabeza oscilando entre compases. Su vigencia no radica en la innovación radical, sino en la excelencia absoluta con la que se ejecuta una idea clara: el jazz también puede ser accesible, sabroso y profundamente humano.

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Listado de temas:

1. Back at the Chicken Shack

2. When I Grow Too Old to Dream

3. Minor Chant

4. Messy Bessie

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0170. Stooges - The Stooges (1969)

 

Publicado el 5 de agosto de 1969 por Elektra Records, The Stooges irrumpe como un puñetazo mal dado pero efectivo en la mandíbula de la contracultura hippie. En plena era de la psicodelia elegante y el idealismo flower power, Iggy Pop y su banda llegaron para escupir en la cara del buen gusto, con una música cruda, repetitiva, monolítica, primitiva y absolutamente liberadora.

Este debut, producido por John Cale (sí, el de The Velvet Underground), es uno de los discos fundacionales del punk, pero también una anomalía ruidosa e indomable que no se parece exactamente a nada que hubiera sonado antes. Suena mal. Suena urgente. Suena auténtico.

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El sonido de lo salvaje

The Stooges no componían como los demás. No les interesaban los solos virtuosos, ni las armonías vocales, ni las letras poéticas. Sus canciones eran mantras sucios construidos sobre dos o tres acordes, pero cargados de electricidad, deseo y furia contenida. La voz de Iggy es un aullido existencial, un lamento sexual, un berrido adolescente. Las guitarras de Ron Asheton son puro fango distorsionado, riffs que parecen derretirse en sus propios acoples.

El resultado no es solo una obra de rock, sino una explosión de energía primitiva, un disco que no quiere gustar, sino dejar marca.

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Piezas clave:

• “1969” abre con una línea de bajo seca y un riff que no promete nada más que repetición, pero en esa repetición se encuentra la magia. “It’s another year for me and you / Another year with nothing to do.” Es la voz del tedio suburbano, del joven sin causa. Un manifiesto sin eslogan.

• “I Wanna Be Your Dog” es el centro gravitacional del disco. Un riff que no se detiene, una campana que repica como tortura, y un Iggy que se entrega, sometido, salvaje, sexual y desarmado. Una de las canciones más icónicas de la historia del rock por su simplicidad abrasiva y su potencia carnal.

• “We Will Fall” es la pieza más insólita del álbum: 10 minutos de drones, mantras vocales y un violín que parece flotar sobre una ceremonia pagana. Suena como si los Stooges hubieran sido poseídos por la Velvet más litúrgica. Hipnótica, perturbadora.

• “No Fun” es otro himno del aburrimiento hecho combustible. “No fun, my babe, no fun.” Como un Chuck Berry deforme y ralentizado, arrastrado por la suciedad del garage y la rabia del desinterés.

• “Real Cool Time”, “Ann” y “Not Right” completan el cuerpo del disco con la misma fórmula: riffs sólidos, letras mínimas, actitud excesiva. Canciones que no buscan desarrollo, sino impacto.

• “Little Doll” cierra el álbum con un groove oscuro, casi tribal. Una especie de trance primitivo donde la banda parece fundirse en un solo cuerpo que golpea, muerde y baila.

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Conclusión

The Stooges no fue un éxito en su tiempo. Pero con los años, su influencia se volvió sísmica. Aquí nació el punk, sí, pero también el noise rock, el grunge, el post-punk. Este disco es la semilla podrida que germinó en todas las ramas más sucias, honestas y viscerales del rock.

Es un álbum que no quiere convencer, solo contagiar. No ofrece consuelo: ofrece una salida, una liberación. Es feo, ruidoso, simple, y absolutamente necesario.

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Listado de temas:

1. 1969

2. I Wanna Be Your Dog

3. We Will Fall

4. No Fun

5. Real Cool Time

6. Ann

7. Not Right

8. Little Doll

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0628. k.d. Lang - Shadowland (1988)

Sello discográfico: Sire

Producción: Owen Bradley

Dirección artística: Jeri Heiden

Nacionalidad: Canadá

Duración: 35:54

Cathryn Dawn Lang (k.d. lang) es una cantante canadiense de pop y country ganadora de cuatro  premios Grammy, nació en Alberta, Canadá occidental, el 2 de noviembre de 1961, aunque vivió toda su niñez y su juventud en Edmonton. Hija pequeña de una familia de cuatro hermanos, k.d. lang, en minúsculas, como desea ser conocida, no descubrió su vocación musical hasta bien entrada la adolescencia.. En 1987 le propuso al consagrado, y ya por entonces enfermo, Roy Orbison cantar con él "Crying", una de las canciones más míticas del desaparecido autor. Orbison, después de muchas dudas, accedió y grabaron juntos el tema principal de la banda sonora de la película "Hiding Out". Esto fue el empujón definitivo que lang necesitaba.

Shadowland se hizo muy popular entre crítica y público. La cantante grabada otro álbum country, Absolute Torch and Twang, de 1989, antes de  convertirse en una cantante absolutamente estelar con el rompedor álbum de 1992 Ingénue.

Listado de temas:

1.Western Stars

2.Lock, Stock and Teardrops

3.Sugar Moon

4.I Wish I Didn’t Love You So

5.(Waltz Me) Once Again Around the Dance Floor

6.Black Coffee

7.Shadowland

8.Don’t Let the Stars Get in Your Eyes

9.Tears Don’t Care Who Cries Them

10.I’m Down to My Last Cigarette

11.Busy Being Blue

12.Honky Tonk Angels’ Medley

0025. Joan Baez – Joan Baez (1960)

Grabación y publicación:

Grabado en solo cuatro días en el Ballet Box de Nueva York durante el verano de 1960 y publicado por Vanguard Records ese mismo año, el debut homónimo de Joan Baez es un punto de inflexión en la historia del folk norteamericano. La producción es mínima —voz y guitarra— lo que permite que la emoción cruda y la claridad técnica de Baez sean el centro absoluto del disco.

Concepto:

Más que una colección de canciones tradicionales, Joan Baez es una proclamación ética y estética. Con apenas 19 años, Baez elige un repertorio compuesto mayoritariamente por baladas folk de origen anglosajón, escocés e irlandés, muchas transmitidas oralmente a través de generaciones. En su entrega vocal hay una mezcla única de inocencia y autoridad moral, de dulzura y firmeza. Su voz de soprano clara, pura y sin adornos es su principal arma.

El álbum también es el manifiesto de una generación que aún no había encontrado nombre, pero que pronto comenzaría a alzarse por los derechos civiles, la paz y la justicia social. Aquí se intuye esa energía en estado puro, antes de politizarse, pero ya cargada de conciencia.

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Análisis de temas destacados:

1. Silver Dagger
   El disco se abre con esta balada tradicional americana, una historia de advertencia y renuncia amorosa. Baez canta con una ternura afilada que corta como el puñal del título. Es un tema íntimo, directo, sin artificios.

2. East Virginia
   Una joya del folk de los Apalaches. Baez transforma una melodía repetitiva en una experiencia hipnótica gracias a su voz cristalina. La tristeza se convierte en belleza sostenida.

3. All My Trials
   De origen bahameño, esta canción de cuna espiritual se convierte en una elegía pacífica, una promesa de consuelo. Aquí se ve ya el germen del folk como vehículo de resistencia.

4. House of the Rising Sun
   Antes de que The Animals la convirtieran en himno rock, Baez la entonó con dramatismo contenido. Su interpretación sugiere destino, pecado y resignación, sin caer en el exceso.

5. Mary Hamilton
   Balada escocesa trágica, cantada con una frialdad casi ceremonial. Dura más de cinco minutos y nunca decae, sostenida únicamente por el fraseo perfecto y el tempo paciente de Baez.

6. Fare Thee Well (Ten Thousand Miles)
   Pura melancolía medieval. Aquí se manifiesta la influencia del canto antiguo inglés, donde la separación se vuelve eterna y serena a la vez. Su voz es casi un rezo.

7. El Preso Número Nueve
   Un detalle especial: Baez interpreta esta canción tradicional mexicana en español con una dicción clara y un respeto evidente por el contenido trágico del relato. Marca ya su tendencia al internacionalismo musical.

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Conclusión:

Joan Baez no es solo un debut sobresaliente: es el nacimiento de una voz moral y artística que marcaría toda una época. Su sonido es sencillo, pero su carga simbólica es profunda. Este disco demuestra que no se necesita una gran producción para emocionar profundamente, solo una convicción férrea y una entrega honesta.

En el mismo 1960 donde el rock & roll dominaba las radios, Joan Baez emerge como un contrapunto austero y esencial: voz, guitarra, historia y convicción. Es el folk en su forma más pura, antes del Dylan eléctrico, antes del flower power: casi una liturgia acústica.

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Listado de temas:

1. Silver Dagger

2. East Virginia

3. Fare Thee Well

4. House of the Rising Sun

5. All My Trials

6. Wildwood Flower

7. Donna Donna

8. John Riley

9. Rake and Rambling Boy

10. Little Moses

11. Mary Hamilton

12. Henry Martin

13. El Preso Número Nueve

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Alphas

Alphas tiene cierto aire a CSI y explota el  dilema entre humanos con poderes y humanos sin poderes.

Argumento: Un grupo con poderes llamados Alphas (al servicio del estado) intenta descubrir a nuevos Alphas para controlarlos, identificarlos y reclutarlos. En paralelo surge una organización, Red Flag, que intenta reclutar a dichos Alphas con fines presuntamente delictivos.

La serie tiene dos temporadas y en la segunda temporada baja notablemente el nivel al incorporar como trama principal a los Red Flag por lo que fue cancelada.

Serie para los amantes de la ciencia ficción y de los superhéroes. 

Ficha en Filmaffinity

0024. Dave Brubeck Quartet – Time Out (1959)

Grabación:

Realizado en tres sesiones: 25 de junio, 1 de julio y 18 de agosto de 1959.

Publicación:
1959, por Columbia Records.

Concepto:
Time Out fue concebido como un experimento rítmico, explorando compases poco comunes en el jazz tradicional. En su momento, esta audacia estilística generó críticas negativas, aunque con el tiempo se transformó en uno de los álbumes más emblemáticos e influyentes del género.

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Análisis de temas destacados:

1. Blue Rondo à la Turk
   Inspirado en ritmos turcos y con guiños a la Marcha Alla Turca de Mozart, abre el disco con una mezcla de clásico y jazz, en un tema tanto blusero como experimental.

2. Strange Meadow Lark
   Una balada con ritmo de vals. Destaca el solo cálido del saxofonista Paul Desmond, sumamente elegante.

3. Take Five
   Compuesta por Desmond, es quizás la pieza más reconocida del álbum y del jazz moderno. Su compás de 5/4 y el inolvidable solo del baterista Joe Morello la convierten en una obra atemporal.

4. Three to Get Ready
   Juega con compases alternos de 3/4 y 4/4. Brubeck despliega aquí su imaginario musical clásico, en una pieza sofisticada pero accesible.

5. Kathy’s Waltz
   Melódicamente cercana a la anterior, aunque con una personalidad propia. Dulce y encantadora, nunca debe subestimarse.

6. Everybody’s Jumpin’
   Regresa el swing exuberante, donde cada integrante del cuarteto brilla con soltura.

7. Pick Up Sticks
   Cierra el álbum con una atmósfera relajada. El contrabajo de Eugene Wright destaca por su groove suave y elegante.

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Conclusión:

Time Out no solo desafió las convenciones del jazz con su uso de métricas inusuales, sino que las hizo populares. El álbum es un hito por su innovación rítmica, su calidad interpretativa y su capacidad para mantener el interés melódico pese a su complejidad técnica.

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0023. Marty Robbins – Gunfighter Ballads & Trail Songs (1959)

Grabación:

Realizado el 7 de abril de 1959 en una sola sesión maratónica en los estudios de Columbia en Nashville.

Publicación:
1959, por Columbia Records.

Concepto:
Este álbum se erige como una colección de baladas del oeste, profundamente enraizadas en la tradición del country western y el folk narrativo estadounidense. Con su distintivo estilo vocal y una capacidad innata para contar historias, Marty Robbins da forma a un disco que se ha convertido en emblema del western musical.

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Análisis de temas destacados:

1. Big Iron
   Abre el disco con un relato tenso y cinematográfico sobre un ranger solitario enfrentando a un forajido. La narrativa es clara, visual y llena de dramatismo, sostenida por una melodía inolvidable. Un clásico absoluto.

2. Cool Water
   Un canto a la desesperación en el desierto, donde la voz de Robbins se une en armonía con los coros para transmitir el agotamiento y la esperanza de los viajeros sedientos.

3. Billy the Kid
   Una reconstrucción romántica del mítico forajido. La canción equilibra mito y melancolía, con un tono casi compasivo hacia el joven criminal.

4. A Hundred and Sixty Acres
   Más ligera en tono, retrata el sueño del colono que trabaja la tierra. Una muestra del rango temático del álbum, no solo centrado en pistolas y violencia, sino también en la vida del hombre común.

5. They’re Hanging Me Tonight
   Aquí emerge el tono más oscuro del disco. Un canto desde la voz del condenado, con una carga emocional profunda. Robbins brilla en la interpretación introspectiva, dramática y resignada.

6. El Paso
   Sin duda, la pieza central del álbum. Una narración en primera persona sobre un crimen pasional, con una instrumentación que mezcla bolero y western. Sus más de cuatro minutos fueron revolucionarios para la radio de la época. Ganadora del Grammy y una de las baladas narrativas más influyentes del country.

7. Running Gun
   Rápida y directa, con ecos a Big Iron, trata sobre un pistolero que huye de su destino inevitable. Otro ejemplo de la capacidad de Robbins para construir personajes complejos en apenas unos versos.

8. Strawberry Roan
   Basada en una famosa balada cowboy tradicional. Deja ver el gusto de Robbins por el folclore del oeste, en una pieza más liviana y humorística.

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Conclusión:

Gunfighter Ballads & Trail Songs es una obra maestra del western musical, donde la voz de Marty Robbins y su precisión narrativa elevan cada canción a pequeñas películas cantadas. El álbum no solo ayudó a popularizar el género, sino que consolidó a Robbins como un cuentacuentos excepcional, dotado de sensibilidad, carisma y un dominio vocal impresionante.

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Listado de temas:

1. Big Iron

2. Cool Water

3. Billy the Kid

4. A Hundred and Sixty Acres

5. They’re Hanging Me Tonight

6. The Strawberry Roan

7. El Paso

8. In the Valley

9. The Master’s Call

10. Running Gun

11. Down in the Little Green Valley

12. Utah Carol

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Abducidos (Taken)

Abducidos es una serie del año 2002. La serie mezcla la historia de tres familias durante tres generaciones con el del fenómeno OVNI. 

Imprescindible para los amantes del fenómenos y en general de todo lo misterioso. 

La serie tiene diez capítulos de 80 minutos que se hacen un poco pesados. Lo peor son los efectos especiales, bastante flojos. Además tiene una muy buena banda sonora Banda Sonora. Está protagonizada por Dakota Fanning (muy niña).

Os dejo la ficha de Filmaffinity

Título original

Taken (TV)aka 

Año

2002

Duración

877 min.

País

 Estados Unidos

Director

Breck Eisner, Félix Enríquez Alcalá, John Fawcett, Tobe Hooper, Jeremy Kagan,Michael Katleman, Sergio Mimica-Gezzan, Bryan Spicer, Jeff Woolnough, Thomas J. Wright

Guión

Leslie Bohem

Música

Laura Karpman

Fotografía

Jonathan Freeman, Joel Ransom

Reparto

Dakota Fanning, Julie Benz, Eric Close, Joel Gretsch, Steve Burton, Catherine Dent,Jason Gray-Stanford, John Hawkes, Tina Holmes, Michael Moriarty

Productora

DreamWorks Television

Género

Ciencia ficción. Drama | Extraterrestres. Miniserie de TV

Sinopsis

Serie de TV de 10 episodios (2002) que narra las extraordinarias historias de abducción vividas por tres familias a lo largo de cuatro generaciones. Desde la Alemania de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), pasando por la Guerra de Vietnam, y llegando hasta nuestros días, este drama explora lo que sabemos acerca de encuentros con extraterrestres durante un periodo de cincuenta años. (FILMAFFINITY)

Premios

2003: Emmy: Mejor Miniserie. 6 nominaciones, incluyendo mejores efectos visuales

2002: Globos de oro: Nominada Mejor miniserie o película para TV

Grandes momentos de Star Wars (II)

La escena del Darth Sidious y Anakin Skywalker

Los fans buscan algunas teorías intentando conectar todos los puntos. En la escena, Palpatine habla con Anakin Skywalker, y esta parte de la historia es clave, ya que es cuando finalmente Anakin cae en el lado oscuro. Todo fue muy rápido: Palpatine se enfrenta a Mace Windu. 

Palpatine reconoce ser Darth Sidious, y al final, Anakin Skywalker es rebautizado como Darth Vader. A raíz de esta escena, se barajó la posibilidad de que Palpatine fuera el padre de Anakin, y por tanto, el abuelo de Luke y Leia.

One World Observatory

El esperado mirador One World Observatory, situado entre los niveles 100 y 102 del One World Trade Center de Nueva York abrirá sus puertas al público el 29 de mayo de 2015.

La nueva atracción turística ofrecerá las mejores panorámicas de la Gran Manzana desde el edificio más alto del hemisferio occidental (542 metros de altura o 1.776 pies, en referencia al año de la declaración de independencia de Estados Unidos). El observatorio incorpora las nuevas tecnologías disponibles como una visita interactiva ofrece imágenes de alta definición en tiempo real de las calles del Bajo Manhattan. 

Ya se pueden comprar entradas para subir al Observatorio a un precio de 32 dólares. Los familiares de las víctimas de los atentados y los trabajadores que participaron en las tareas de rescate podrán acceder siempre de forma gratuita.

 

0022. Miles Davis – Kind of Blue (1959)

Grabación:

Grabado en dos sesiones: el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959 en los Columbia 30th Street Studio de Nueva York.

Publicación:
17 de agosto de 1959, bajo el sello Columbia Records.

Concepto:
Kind of Blue es mucho más que un álbum de jazz: es una declaración de principios. Miles Davis, junto a un sexteto irrepetible, se adentra en el terreno del jazz modal, abandonando las complejas estructuras armónicas del bebop para abrir espacio a la improvisación libre sobre modos o escalas. El resultado es un disco minimalista, elegante, introspectivo y atemporal.

Considerado por muchos como el disco de jazz más importante de todos los tiempos, Kind of Blue es un hito que cambió para siempre el curso del género.

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Análisis de temas destacados:

1. So What
   El álbum comienza con una introducción casi espectral de bajo y piano, cortesía de Paul Chambers y Bill Evans, que desemboca en un tema icónico. La estructura de dos acordes y su enfoque modal dan libertad a los solos de Davis, Cannonball Adderley y John Coltrane, quienes conversan con total naturalidad y fluidez. Un manifiesto del jazz moderno.

2. Freddie Freeloader
   Único tema del disco donde toca el pianista Wynton Kelly, aporta un groove más bluesero. La interacción del grupo es cálida y distendida, pero no menos sofisticada. Es un homenaje a un conserje del club que solía dejar entrar a los músicos sin pagar.

3. Blue in Green
   Composición atribuida oficialmente a Davis, aunque con fuerte contribución de Bill Evans. Es melancólica, introspectiva y casi etérea. Una pieza delicada donde Evans y Davis brillan con sutileza, como si el tiempo se detuviera.

4. All Blues
   Un blues en compás de 6/8, pero trabajado con una delicadeza inusual. Davis toca con una trompeta con sordina, creando un efecto íntimo. El tema respira espacio, swing y maestría compositiva.

5. Flamenco Sketches
   Cierra el disco con una estructura inusual: cinco modos distintos para improvisar, sin un orden fijo ni duración establecida. Cada solista explora con libertad, generando una sensación de contemplación profunda. Es un final abierto, espiritual, como si el álbum se disolviera lentamente en el aire.

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Conclusión:

Kind of Blue es una obra que trasciende géneros. Su influencia es incalculable: desde el jazz hasta el rock, la música clásica contemporánea y el ambient. Cada escucha revela algo nuevo. Con este disco, Miles Davis no solo reinventó su propio lenguaje, sino que abrió una nueva vía para la música moderna: menos rígida, más expresiva y libre.

No es solo un disco fundamental del jazz, es una piedra angular de la música del siglo XX.

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Listado de temas:

1. So What

2. Freddie Freeloader

3. Blue in Green

4. All Blues

5. Flamenco Sketches

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El Camino Lebaniego ofrece wifi gratis

El Camino Lebaniego es una variante del Camino de Santiago que une San Vicente de la Barquera con el Monasterio de Santo Toribio en Potes, Cantabria. Son 50 kilómetros de recorrido desde la costa cántabra por el valle del Liébana hacia el interior de los Picos de Europa y de la Cordillera Cantábrica. 

Este camino ha sido precursor en la innovación tecnológica y está trabajando para ofrecer una red de conexión wifi gratuita para todos los peregrinos que lo transitan. Durante el recorrido, los peregrinos se encontrarán con esta red de puntos de conexión desde donde acceder a información especialmente pensada para los visitantes: acceso a navegadores web y a través de ellos a webs de información local, podrán compartir su paso, subir fotografías e impresiones en tiempo real a través de sus cuentas en redes sociales, solicitar mas información, tomar contacto con sus familiares y amigos o compartir la experiencia con otros caminantes. 

Se ofrecerán también contenidos adaptados a personas con discapacidad con el objetivo de facilitar una experiencia completa a lo largo de sus 50 kilómetros para todas las personas que deseen vivirla. El Camino cuenta además con una aplicación móvil con mapas, detalle de la ruta y climatología que ayudan en mucho la experiencia del peregrino hacia el Monasterio.

Toda la información se encuentra en español y en inglés y puedes descagarla desde aquí mismo: 

Aplicación en iTunes 

Aplicación en Google Play 

Se puede seguir el desarrollo de todo el proyecto desde su propia web: Camino Lebaniego en red.

In the Flesh

In the Flesh es una miniserie de televisión británica creada por Dominic Mitchell y transmitida por BBC Three. Está ambientada con posterioridad a un apocalipsis zombi. Kieren Walker es un adolescente británico que forma parte del grupo de personas que volvió a la vida durante los acontecimientos de un apocalipsis zombi, llegando a convertirse en muertos vivientes de carácter violento y caníbal. Una vez que el ataque de los zombis es controlado, la condición sufrida por ellos -denominada Síndrome del Parcialmente Muerto (Partially Deceased Syndrome o PDS)- es curada por el gobierno británico y se realizan esfuerzos por su reintegración en la comunidad. Kieren es enviado de vuelta con su familia, en el pueblo de Roarton (Lancashire). Sin embargo, su reintegración no será sencilla, ya que deben lidiar con los prejuicios de los demás. En Roarton hay una fuerte presencia de la Human Volunteer Force (HVF), una agrupación paramilitar que enfrentó a los zombis durante el ataque, por lo que debe mantener en secreto su condición.

Ficha en Filmaffinity

Grandes momentos de Star Wars (I)

La lucha entre Luke y Darth Vader

La última batalla entre Luke Skywalker y Darth Vader. Aquí ya no peleaban como Lord Sith y caballero Jedi, sino como padre e hijo. 

0021. Ray Charles - The Genius of Ray Charles (1959)

Grabación y publicación:

Publicado por Atlantic Records en octubre de 1959, The Genius of Ray Charles marca una transición clave en la carrera del artista: deja atrás parcialmente el R&B crudo y de raíces para lanzarse a explorar territorios más amplios como el jazz, el pop orquestal y el soul sin etiquetas. Aquí, Ray Charles se reinventa sin dejar de ser él mismo.

Grabado en dos sesiones diferenciadas, el disco divide sus intenciones: en la primera cara, Ray se rodea de una big band explosiva con arreglos vibrantes de Quincy Jones y Ernie Wilkins. En la segunda, cambia radicalmente el tono y se apoya en una orquesta de cuerdas, dirigida por Ralph Burns, para interpretar baladas románticas con una voz desgarradora, más cercana a Sinatra que al gospel. El resultado es un disco tan versátil como audaz, que confirmó que lo de “genio” no era solo un apodo publicitario.

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Contexto:

1959 fue un año trascendental para la música moderna (con lanzamientos como Kind of Blue de Miles Davis o Time Out de Dave Brubeck), y Ray Charles no se quedó atrás. Con este álbum, dejó claro que no iba a ser encasillado: ni como cantante de rhythm and blues, ni como heredero exclusivo del góspel. En The Genius of Ray Charles, toma composiciones de Harold Arlen, George Gershwin o Jimmy Van Heusen, y las hace suyas.

Este álbum se adelanta al soul sin necesidad de nombrarlo: es un cruce entre emoción popular y sofisticación formal, entre la tierra y el cielo, entre el club y la sala de conciertos.

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Análisis de temas destacados:

1. Let the Good Times Roll
   Abre el disco con potencia: una big band lanzada al swing desenfrenado, mientras Ray canta con energía pura. Puro gozo y desparpajo.

2. It Had to Be You
   Aquí comienza la demostración de su capacidad de convertir un estándar clásico en una experiencia emocional. La voz arrastra las palabras con una mezcla de ternura y desilusión que le es única.

3. Alexander’s Ragtime Band
   Otra pieza para la fiesta. Ray se mete con el ragtime de Irving Berlin y lo convierte en una bomba de swing con sabor a Nueva Orleans.

4. When Your Lover Has Gone
   Primera incursión seria en el universo crooner. Su interpretación es intensa y dolorosa, pero sin caer en el sentimentalismo barato.

5. Come Rain or Come Shine
   Posiblemente el momento más emblemático del disco. Ray Charles desnuda la canción, la reconstruye desde el alma. Cada inflexión vocal transmite vulnerabilidad y poder.

6. Don’t Let the Sun Catch You Cryin’
   Una joya de interpretación vocal. Aquí, la emoción está contenida, como si no quisiera llorar pero no pudiera evitarlo. Su fraseo es todo humanidad.

7. Deed I Do
   Regreso al swing sabroso con una sonrisa en los labios. El piano de Ray se asoma y baila con la banda.

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Conclusión:

The Genius of Ray Charles no es un álbum cualquiera. Es la declaración artística de alguien que sabía que podía hacerlo todo: cantar como un predicador, tocar como un jazzista, frasear como un crooner, sentir como un bluesman. Y lo hizo. Aquí se distancia del R&B más puro, pero en vez de perder autenticidad, gana en ambición y profundidad emocional.

El disco es una bisagra: abre la puerta al soul de los años 60, pero también mira hacia atrás, hacia Gershwin y Sinatra, con respeto y rebeldía. Ray no imita: transforma. Ese es el sello del genio.

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Listado de temas (versión original LP):

1. Let the Good Times Roll

2. It Had to Be You

3. Alexander’s Ragtime Band

4. Two Years of Torture

5. When Your Lover Has Gone

6. Deed I Do

7. Just for a Thrill

8. You Won’t Let Me Go

9. Tell Me You’ll Wait for Me

10. Don’t Let the Sun Catch You Cryin’

11. Am I Blue?

12. Come Rain or Come Shine

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0180. The Doors – Morrison Hotel (1970)

0180. The Doors – Morrison Hotel (1970)

Sello discográfico: Elektra

Producción: Paul A. Rothchild

Dirección artística: Gary Burden

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 37:24

El penúltimo disco de los Doors con la presencia de su líder Jim Morrison. Con este trabajo, el grupo californiano se aleja de la faceta más psicodélica de su primera etapa y experimental pop de "Soft Parade" para ofrecer un disco alimentado desde la particular poética de su vocalista en las raíces de la sonoridad tradicional estadounidense, especialmente en el rock'n'roll, el blues y algunos apuntes jazzísticos.

El grupo se hallaba sometido a una presión considerable, sobre todo porque el vocalistay líder Jim Morrison debía presentarse ante la justicia acusado de obscenidad

Blues-rock de ardoroso intensidad, baladas de fuerte amarre sentimental y evocaciones líricas contenidas en un Lp que presenta un pletórico Morrison a la voz y unos músicos inmejorables a la ejecución instrumental, destacando Krieger, aquí aportando un sonido muy bluesy en su guitarra y los atmosféricos teclados siempre omnipresentes de Ray Manzarek.

Los mejores temas son el clásico "Roadhouse blues", "Waiting for the sun", "You make me real", "The spy", "Peace Frog", "Blue sunday", "Land Ho!" y "Queen of the highway", una elegante percepción de los amoríos entre Jim Morrison y su mujer Pam.

El sentimiento blues que caracteriza este álbum proseguiría, si cabecon mayor firmeza, en su siguiente trabajo, "L.A. Woman".

Listado de temas:
1. Roadhouse Blues
2. Waiting For The Sun
3. You Make Me Real
4. Peace Frog
5. Blue Sunday
6. Ship Of Fools
7. Land Ho!
8. The Spy
9. Queen Of The Highway
10. Indian Summer

0464. Circle Jerks - Group Sex (1980)

Grabación y publicación:

Group Sex fue grabado en agosto de 1980 en Studio City, California, y publicado ese mismo año a través del pequeño sello independiente Frontier Records. La producción estuvo a cargo de Spot, ingeniero clave en el desarrollo del sonido punk de la Costa Oeste, y la banda misma.

El disco fue grabado en apenas unas horas, con un presupuesto ínfimo y una energía cruda que quedó plasmada sin filtros ni edulcorantes. Su brevedad (apenas 15 minutos y 21 segundos para 14 canciones) es un manifiesto punk en sí mismo.

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Contexto y estilo:

Group Sex es uno de los discos fundacionales del hardcore punk de Los Ángeles, y una piedra angular del punk estadounidense. Circle Jerks se formó a partir de las cenizas de Black Flag, cuando Keith Morris (voz original de esa banda) se unió con el guitarrista Greg Hetson (futuro miembro de Bad Religion).

A diferencia del punk británico más politizado, el hardcore angelino era más nihilista, sarcástico, violento y veloz. Circle Jerks llevaron esto al extremo: canciones cortas, letras absurdas o directas, riffs sucios y actitud provocadora.

Lo que Group Sex aporta al género es una energía urgente y una estética que mezcla humor negro, rabia juvenil y una visión despiadada del entorno urbano. No es solo velocidad: es una explosión de descontento lanzada como metralla.

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Análisis de temas destacados:

• “Deny Everything”: Un inicio demoledor. En solo 27 segundos, marca el tono: negación, sarcasmo y ataque frontal a las instituciones y a la realidad impuesta.

• “Back Against the Wall”: Uno de los temas más “estructurados”, casi una canción completa, con riffs frenéticos y una letra sobre la alienación personal. El estribillo es puro grito de supervivencia.

• “Wasted”: Versión rápida del tema de Black Flag coescrito por Keith Morris. Aquí adquiere un tono aún más crudo, como un regreso a su etapa inicial pero sin restricciones.

• “World Up My Ass”: Descaro y desprecio absoluto. Una sátira al conformismo y al sistema, escupida con velocidad y furia. Su título es prácticamente un lema generacional del hardcore.

• “Red Tape”: Un ataque frontal a la burocracia y al orden social. Agresiva, rítmicamente pegajosa y una muestra de cómo el grupo combina caos con cierta inteligencia rítmica.

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Conclusión:

Group Sex no solo es uno de los álbumes seminales del hardcore punk estadounidense, es también una de las expresiones más puras del descontento juvenil de su época. Su brevedad no es una carencia, sino una declaración estética: aquí no hay espacio para adornos ni sutilezas, solo para verdades gritadas a toda velocidad.

Su influencia se extiende a bandas como Minor Threat, Dead Kennedys, Bad Brains y más allá, ayudando a definir el lenguaje sonoro y visual del hardcore durante décadas. Incluso hoy, Group Sex suena con la misma urgencia que en 1980.

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Listado de temas:

1. Deny Everything

2. I Just Want Some Skank

3. Beverly Hills

4. Operation

5. Back Against the Wall

6. Wasted

7. Behind the Door

8. World Up My Ass

9. Paid Vacation

10. Don’t Care

11. Live Fast Die Young

12. What’s Your Problem

13. Group Sex

14. Red Tape

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El Museo Reina Sofía expondrá el cuadro más caro del mundo

El Museo Reina Sofía dará cobijo al cuadro más caro del mundo. Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás conmigo?) de Paul Gauguin fue subastado recientemente por 265 millones de euros. 

En julio, llegará a Madrid dentro de la colección del Kunstmuseum de Basilea. La obra de 1892, propiedad del coleccionista suizo Rudolf Staechelin, fue vendida a un museo de Qatar y posteriormente donada a la pinacoteca suiza. Superó en la puja a Los jugadores de Cartas, de Paul Cezanne, vendido por 228 millones. 

El óleo fue pintado por el artista francés durante su estancia en Tahití.

Fuente: Libertad Digital

Ha muerto Daevid Allen

Daevid Allen, el que fuera fundador de Soft Machine y Gong, dos de los puntales del denominado rock progresivo y pscicodélico, murió a los 77. Daevid Allen había nacido en Melbourne en 1938 y tras pasar por París en los 60 y fundar Daevid Allen Trío, una banda de free jazz, se mudó a Canterbury (Inglaterra), donde formó Soft Machine.

De nuevo en París formó en 1967 Gong, una banda que combinaba space-rock, jazz y fusión progresiva.

El maestro de almas de Irène Némirovsky

Novela sobre el desarraigo y la azarosa búsqueda de reconocimiento social. 

Dario Asfar, un joven médico originario de Crimea , llega a Niza acompañado de su mujer y de su hijo recién nacido. Atormentado por las deudas, Dario lucha desesperadamente por conseguir una clientela, pero su origen levantino sólo inspira desconfianza y rechazo. La precaria situación de su familia lo empuja entonces a emprender el único camino que se le ofrece para escapar de la miseria: aprovechándose del creciente auge del psicoanálisis, Dario se transforma en terapeuta, una suerte de charlatán dispuesto a ofrecer a los ricos burgueses el sosiego del alma y la felicidad que tanto anhelan. Sin embargo, el éxito y la fortuna tan ansiados tendrán para él consecuencias insospechadas. 

El maestro de almas fue publicada por entregas en el semanario Gringoire entre mayo y agosto de 1939, apenas tres años antes de la desaparición de la autora, y reeditada en forma de libro por primera vez en el año 2006.

Otra gran obra de Irène Némirovsky

0020. Ella Fitzgerald - Sings The Gershwin Songbook (1959)

Grabación y publicación:

Grabado entre enero y julio de 1959, y publicado ese mismo año por Verve Records, este monumental proyecto abarca nada menos que 59 canciones en cinco discos (en su edición original en vinilo). The Gershwin Songbook es quizá el pináculo de la serie de “Songbooks” que Ella Fitzgerald grabó entre 1956 y 1964, donde se propuso rendir tributo definitivo a los grandes compositores del cancionero estadounidense.

En este caso, el homenaje es doble: George Gershwin, el genio musical, y Ira Gershwin, el maestro de las palabras. Al timón de los arreglos y dirección de orquesta: Nelson Riddle, quien con su orquestación luminosa y moderna viste a Ella con elegancia sin eclipsarla jamás.

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Contexto:

Para 1959, Ella Fitzgerald era la primera dama del jazz, una artista consolidada que podía moverse entre el scat vertiginoso y la balada más delicada. Lo que hace aquí es más que cantar canciones famosas: las vuelve definitivas. No hay apuro, no hay artificio. Solo una cantante en total control de su voz, navegando las melodías de Gershwin con inteligencia, ternura y swing.

Este Songbook no es un recital de estándares, es una catedral sonora construida sobre la grandeza del teatro musical y el jazz vocal. Cada canción es tratada con respeto y frescura, como si se acabara de escribir ayer.

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Análisis de temas destacados:

1. "But Not for Me"
   Ligera, conversacional, con un swing relajado. Ella hace que el dolor de la letra parezca casi irónico. Riddle le da espacio para flotar entre las frases.

2. "Someone to Watch Over Me"
   Una de las versiones más bellas jamás grabadas de esta balada. Aquí, Ella canta como quien susurra una plegaria, con un control emocional que estremece.

3. "I Got Rhythm"
   Aquí aparece la Ella juguetona, rítmica, la que sabe dialogar con la orquesta como si fueran viejos amigos. Una clase de swing puro.

4. "Let's Call the Whole Thing Off"
   Una joya de humor y química. Fitzgerald convierte el ingenio verbal de Ira Gershwin en un ejercicio de encanto vocal. Puro deleite lúdico.

5. "A Foggy Day"
   Suave y melancólica, con ese punto justo entre nostalgia y esperanza. Ella no exagera, simplemente deja que la canción se respire sola.

6. "Embraceable You"
   No hay prisa, ni exageración. Solo una voz acariciando cada sílaba, cada nota. Romanticismo sin azúcar.

7. "They Can't Take That Away from Me"
   Aquí brilla la madurez interpretativa de Fitzgerald. Canta con ternura resignada, y cada frase cae como una reflexión que solo puede hacer alguien que ha amado y perdido.

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Conclusión:

Sings the George and Ira Gershwin Songbook no es solo uno de los mejores álbumes de Ella Fitzgerald: es uno de los discos más ambiciosos y logrados de la historia de la música popular estadounidense. No hay en toda la colección una nota desentonada, una frase poco pensada. Todo está interpretado con dignidad, dulzura, y una técnica que no grita, sino que susurra y seduce.

Este es un álbum que requiere tiempo y atención. No es para escuchas rápidas: es para quedarse, una noche entera, acompañando cada canción como si fuese un viejo recuerdo.

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Selección del extenso listado de canciones:

1. Sam and Delilah

2. But Not for Me

3. My One and Only

4. Let's Call the Whole Thing Off

5. Embraceable You

6. They All Laughed

7. Someone to Watch Over Me

8. I Got Rhythm

9. A Foggy Day

10. Love Is Here to Stay

11. Nice Work If You Can Get It

12. They Can't Take That Away from Me

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La torre vigía de Ana María Matute

La torre vigía es la primera novela de la trilogía medieval de Ana María Matute. Situada en el mundo tenebroso, mágico y sensual de la Alta Edad media, hecha de heroísmo y superstición, violencia y barbarie, esta novela es, en realidad, un auténtico libro de caballerías escrito en forma autobiográfica, en el que se narran, desde dentro, los años de formación y aprendizaje de un joven héroe caballeresco a la luz de la sensibilidad moderna.

Sinceramente esperaba más del libro, me ha costado.