30 diciembre 2015

0045. Dusty Springfield - A Girl Called Dusty (1963)

0045. Dusty Springfield - A Girl Called Dusty (1963)

(Londres, 1939 - 1999) Cantante británica, más conocida como Dusty Springfield. Grabó por primera vez a finales de los cincuenta con The Lane Sisters, antes de formar en el año 1960, junto con su hermano Tom y Tim Field, los famosos Springfields, de orientación folk y country. Con esta formación consiguió unos cuantos singles de éxito, y tres años más tarde comenzó su trabajo en solitario con el sello Phillips (el mismo con el que grababan The Springfields).

Tras la separación de The Springfields, Dusty iniciaría su carrera en solitario en 1963 con el single "I only want to be with you", canción con claras influencias de los grupos femeninos de soul de la Motown producidos por Phil Spector. En este tema, además de cantar, Dusty se involucró en la producción y los arreglos, algo que a partir de entonces sería una constante a lo largo de su carrera. El sencillo logró un destacado éxito, llevándola a ser la cantante más conocida en su país y una referencia para muchas jóvenes británicas, quienes imitaban su peinado y su maquillaje.

Un año más tarde, en 1964, editó I Only Wanna Be With You, que llegó hasta el número cuatro en las listas inglesas y que le lanzó a la fama de manera inmediata. El LP asociado, su álbum de debut llamado A Girl Called Dusty, se editó ese mismo año y también entró en el top diez británico.

De ese mismo álbum se extrae Wishin´ And Hopin´ como single para los Estados Unidos, en donde alcanzó la misma posición que su single de estreno en el Reino Unido. En ese año se hizo con el público en ambos lados del Atlántico.

Listado de temas:

1.: Mama Said
2.: You Don't Own Me
3.: Do Re Mi
4.: When The Lovelight Starts Shining Through His Eyes
5.: My Colouring Book
6.: Mockingbird
8.: Nothing
7.: Twenty Four Hours From Tulsa
9.: Anyone Who Had A Heart
10.: Will You Love Me Tomorrow
11.: Wishin' And Hopin'
12.: Don't You Know
13.: I Only Want To Be With You (alternate mix)
14.: He's Got Something
15.: Every Day I Have To Cry (bonus track)
16.: Can I Get A Witness (bonus track)
17.: All Cried Out (bonus track)
18.: I Wish I'd Never Loved You (bonus track)
19.: Once Upon A Time (bonus track)
20.: Summer Is Over (bonus track)

23 diciembre 2015

0044. Solomon Burke – Rock ‘n’ Soul (1964)


0044. Solomon Burke – Rock ‘n’ Soul (1964)

Solomon Burke es una de las voces más importantes de la historia del soul. Calificado como “El Rey del Rock’n’Soul”, se convirtió inmediatamente en uno de los pilares del sello Atlantic, el que más estrellas del soul ha tenido en su nómina. Acompañado en la actualidad por una sólida banda, sus conciertos tienen un tremendo impacto, con un potencial sonoro difícil de imaginar hasta verlos en escena. Solomon Burke es un miembro destacado del Hall Of Fame, donde se entroniza a los mejores de cada especialidad, y ha ganado el premio Grammy en varias ocasiones. Solomon Burke se consolido definitivamente como uno de los mejores y más intensos cantantes de los años sesenta, junto a nombres de la talla de Don Covay, Joe Tex, Otis Redding, Arthur Conley, Ben E. King y Wilson Pickett con los que casi llegó a formar un auténtico clan. Burke es ese tipo de cantante nacido del gospel y que por evolución llega al soul en unos años donde el floreciente nacimiento de dicho estilo se entreveía ya como uno de los más influyentes en las músicas venideras 

Listado de temas:
 
1. Goodbye Baby (Baby Goodbye)
2. Cry To Me (Single/LP Version)
3. Won't You Give Him (One More Chance)
4. If You Need Me
5. Hard, Ain't It Hard
6. Can't Nobody Love You
7. Just Out Of Reach (Of My Two Empty Arms)
8. You're Good For Me
9. You Can't Love 'Em All
10. Someone To Love Me
11. Beautiful Brown Eyes


16 diciembre 2015

0043. Jacques Brel – Olympia 64 (1964)

0043. Jacques Brel – Olympia 64 (1964)

La Canción francófona tiene sus héroes: Jacques Brel, nacido el 8 de abril de 1929 en el suburbio de Bruselas a Schaerbeek, es uno de ellos. Jacques Brel, fue un cantante belga francófono y, al mismo tiempo, actor y cineasta. Sus canciones son famosas por la poesía y honestidad de sus letras. Su primer disco sale en 1953 en Bélgica; pero la fuerza de los textos y la violencia de la interpretación cimbran en las bases de muchos. David Bowie, Sting, Frank Sinatra y Nina Simone han interpretado sus canciones.

Listado de temas:
1. Amsterdam
2. Les Timides (The Timid People)
3. Le Dernier Repas (The Last Supper)
4. Les Jardins De Casino (The Casino Gardens)
5. Les Vieux (The Old People)
6. Les Toros (The Bulls)
7. Le Tango Funebre (The Funeral Tango)
8. Le Plat Pays (The Flat Lands)
9. Les Bonbons (Candies)
10. Mathilde
11. Les Bigotes (The Bigoted Church Ladies)
12. Les Bourgeois (Middle Class People)
13. Jef
14. Madeleine

09 diciembre 2015

0042. The Beatles – A Hard Day’s Night (1963)

0042. The Beatles – A Hard Day’s Night (1963)

A Hard Day's Night fue el tercer álbum de The Beatles y salió al mercado en el Reino Unido el 10 de julio de 1964 como banda sonora de su primera película, también con el mismo nombre. 

El álbum, mientras muestra el desarrollo de los talentos de los compositores del grupo, mantiene la estructura de canciones e instrumentación del rock and roll básico. Entre las canciones más notables del álbum se pueden destacar la que le da título (con su distintivo y reconocible acorde de apertura) y la pegadiza "Can't Buy Me Love". También es destacable "And I Love Her", balada que escribió McCartney.

El título del álbum (y de la película) fue una creación accidental del baterista Ringo Starr. El grupo empezó a rodar la película sin tener aún ningún título definitivo, aunque se barajaba Beatlemania. Después de una jornada de rodaje particularmente accidentada, Starr salió del estudio creyendo que aún era de día y dijo "It's been a hard day..." ("Ha sido un día duro", y entonces, dándose cuenta de que ya estaba oscuro, corrigió "...day's night" ("...la noche de un día duro"

La cara A del álbum contiene las canciones de la banda sonora de la película. La cara B incluye temas que fueron grabados para la película pero no incluidos en ella, aunque una reedición de la misma hecha en los 80 incluye un prólogo antes de los títulos de crédito con "I'll Cry Instead" en la banda sonora. Éste fue el primer álbum de los Beatles compuesto íntegramente por composiciones originales, lo que no se volvería a dar hasta el lanzamiento de Rubber Soul en 1965.

En el 2003, la revista Rolling Stone lo califico como el número 388, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Listado de temas:
1. Hard Day's Night
2. I Should Have Known Better
3. If I Fell
4. I'm Happy Just to Dance With You
5. And I Love Her
6. Tell Me Why
7. Can't Buy Me Love
8. Any Time at All
9. I'll Cry Instead
10. Things We Said Today
11. When I Get Home
12. You Can't Do

Disco en Spotify

02 diciembre 2015

0041. Stan Getz & João Gilberto – Getz/Gilberto (1963)

0041. Stan Getz & João Gilberto – Getz/Gilberto (1963)

Alrededor de 1962 la Bossa Nova ya había sido adoptada por músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz. Este último invitó a João Gilberto y Tom Jobim para que colaboraran en lo que acabó convirtiéndose en uno de los discos de jazz más vendidos de la historia, Getz/Gilberto. El álbum Getz/Gilberto, ganó dos premios Grammy en 1965, el de mejor álbum y el de mejor single, superando a Los Beatles con su tema “A Hard Day’s Night”. Esto fue sin duda una victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación de esta música entre millones de personas, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz. De este trabajo destaca la composición de Jobim/de Moraes "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema; en su versión inglesa, The Girl from Ipanema), que se convirtió en una canción clásica del pop internacional y llevó a la fama a Astrud Gilberto, mujer en aquel entonces de João Gilberto y cantante en esta pieza.

Listado de temas:
1. Girl From Ipanema
2. Doralice
3. Para Machuchar Meu Coracao
4. Desafinado
5. Corcovado (Quiet Nights Of Quiet Stars)
6. So Danco Samba
7. O Grande Amor
8. Vivo Sonhando (Dreamer)


25 noviembre 2015

0040. James Brown – Live at the Apollo (1963)

James Brown trabajó el soul en los sesentas, funk en los setentas y rap en los ochentas.

La audiencia ya sabía de la existencia de Brown y de la intensidad de su espectáculo, pero él se convirtió en un fenómeno con el lanzamiento del disco “Live at the Apollo” de 1963. El LP era un retrato sonoro de la intensidad y potencia de sus presentaciones, lo que eventualmente empujó al disco a ser el número dos en la lista de álbumes más vendidos. Algo sin precedentes en la historia del R&B. “Live at the Apollo” fue una muestra del carácter de Brown a la hora de buscar nuevas oportunidades: 

El LP se grabó contra los deseos de la discográfica. Su música es ahora más influyente que nunca, dado que su voz y sus ritmos aparecen en una gran cantidad de temas rap y hip-hop, al tiempo que los críticos reconocen que sus innovaciones a la música soul y rock están entre las más importantes.

Lo que Elvis Presley fue para el rock and roll, es lo que James Brown fue para el R&B. Al igual que 

Me ha gustado mucho el disco

Listado de temas:

1. Introduction by Fats Gonder/Opening Fanfare - James Brown,

2. I'll Go Crazy

3. Try Me

4. Think - James Brown, Pauling, Lowman

5. Lost Someone

6. Lost Someone

7. Medley: Please Please Please/You've Got the Power/I Found Someone 

8. Night Train - James Brown, Forrest, Jimmy

18 noviembre 2015

0039. Charles Mingus – Black Saint & the Sinner Lady (1963)

0039. Charles Mingus – Black Saint & the Sinner Lady (1963)

Sello discográfico: Impulse!
Producción: Bob Thiele
Dirección artística: Hollis King
Nacionalidad: EE. UU.
Duración: 39:25

A este disco se le considera como uno de los mejores discos de jazz que se han hecho en cuanto a sus arreglos orquestales, es una obra maestra mingusiana, imagen virtual de Ellington, y contiene todas las esencias de la música de Mingus. Obra que parece haber sido pensada para la danza, es también una síntesis de toda su obra anterior y sorprende por su estructura, muy similar a la sinfónica.

En las aportaciones de los músicos llama la atención, por un lado, el empleo "español" de la guitarra, que recuerda, en parte, el pasado "chicano" de Mingus, y, sobre todo, el papel solista del saxo alto de Charlie Mariano.

La música presenta constantes cruces entre la tradición europea y el bop, tejido todo ello con el entusiasmo y vigor de la interpretación. Es una verdadera música romántica, escrita de modo exhuberante para la orquesta, en la que destaca sobre todo el trabajo armónico muy cercano a lo modal. Es, sin duda, el disco favorito de muchos seguidores de la obra de Mingus y del jazz en general.

Está concebida como una suite de 6 partes:
Track A. Solo Dancer
Track B. Duet Solo Dancers
Track C. Group Dancers
Mode D. Trio and Group Dancers
Mode E. Single Solos and Group Dance
Mode F. Group and Solo Dance.


11 noviembre 2015

0038. Sam Cooke – Live at the Harlem Square (1963)

0038. Sam Cooke – Live at the Harlem Square (1963)

Soul es la palabra. Y una auténtica explosión de soul en su estado más puro y primigenio, es lo que se produjo aquella noche de 1963en el Harlem Square Club de Florida en 1963. Una apoteosis total de poderío vocal e interpretativo a cargo del que posiblemente sea el vocalista más grande que nos ha dejado la música soul, Sam Cooke, acompañado para la ocasión por una banda completamente entregada.

Al margen de la calidad de los temas y su maestría vocal, lo fascinante este disco es la energía, la emoción y el desgarro con el que Cooke desgrana cada uno de los temas, todos interpretados con un punto más de agresividad, y ritmo que el que presentan sus exitosas y fantásticas versiones de estudio. Los fraseos casi gospel con los que enlaza los temas, y con los que capta la atención de los presentes. Su complicidad y comunión con el público. La delicadeza y sensibilidad con la que abre ese tremendo medley que incluye It's All Right y For Sentimental Reasons, y la intensidad con la que lo interpreta. El desparrame vocal que impregna a ese fantástico Somebody Have Mercy, y el increíble comienzo y desarrollo de Bring It On Home to Me. Realmente glorioso.

Curiosamente esta joya, aunque fue grabada para publicarse en el mismo 63, como un disco en directo que se titularía One Night Stand, finalmente tardó 22 años en publicarse, ya que RCA, lo acabó editando en 1985, tras el éxito de la reedición del single Wonderful worl.

Es la mejor prueba de que Sam Cooke invento el soul... o por lo menos fue uno de los principales causantes de ello. Escúchalo, después te pregunto si no te gusta el soul.

Listado de temas:
01. Feel It
02. Chain Gang
03. Cupid
04. Medley: It's All Right / For Sentimental Reasons
05. Twisting the Night Away
06. Somebody Have Mercy
07. Bring It On Home to Me
08. Nothing Can Change This Love
09. Having a Party


04 noviembre 2015

0037. Phil Spector & Various Artists – A Christmas Gift for You (1963)

0037. Phil Spector & Various Artists – A Christmas Gift for You (1963)

Corría el año 1963 cuando el productor norteamericano Phil Spector tuvo la genial idea de contagiar a una serie de trece villancicos anglosajones su orquestación favorita: el wall of sound (muro de sonido). Beatles y Beach Boys fueron de las primeras bandas que solicitaron sus servicios, pero siempre se le recordará por haber creado esos grupos de chicas de los 60 que guardaban en su soul fresco y de angustia juvenil no sólo toda la esencia de una década sino también un sentimiento y una música pop muy particular. Spector escogió la voz de varias de estas vocalistas para elaborar el (quizás) mejor disco navideño de la historia del pop y el soul. Un clásico que alterna a Darlene Love, The Ronettes, Bob B. Soxx and The Blue Jane y The Crystals.

Cursilería y calor de pascua con múltiples pistas de acompañamiento superpuestas para abrumar al oyente, el genuino wall of sound spectoriano. Darlene Love sobresale del resto, aunque sólo sea por ese hit navideño que resulta ser Christmas (Baby please come home), el más cercano al espíritu de las girl goups por su vitamínica porción de zumo de sincera declaración de amor y por su fresca y pegadiza melodía: no es de extrañar que Joe Dante la utilizará para abrir los títulos de crédito de Gremlins, más de veinte años después, con todo el sentido del mundo.

Además, el Santa Claus is coming to town de The Crystals aúna animados gorgoritos con frenesí bebop femenino, un dato que sólo es capaz de excepcionar la más exclusiva sección masculina: Bob B. Soxx y la inapreciable finalización del álbum por parte del propio Phil Spector en Silent Night; así como es de destacar la selecta y profesional orquesta que acompaña a las chicas, formada por: Jack Nitsche, Sonny Bono y Frank Capp en la percusión, Louis Blackburn con el cuerno, Leon Russell con el piano, Steve Douglas y Jay Migliori con el saxo, Barney Kessel, Irv Rubbins, Tommy Tedesco, Nino Tempo y Bill Pitman con la guitarra, Ray Pohlman con el bajo y Johnny Vidor con las cadenas.

En A Christmas gift for you hay lugar tanto para la imaginación infantil con Frosty the snowman o Rudolph the red-nosed reindeer como para la macabra coincidencia de que el LP fuera realizado el mismo día en el que asesinaron a John F. Kennedy (22 de noviembre de 1963). Un disco eterno de apenas media hora que casi inauguraba una década decisiva en muchos aspectos culturales y sociales, y en la que Phil Spector y sus grupos de chicas sellaron su impronta a través de sonido mono, abrumadoras y cálidas melodias y voces llegadas desde el impulso latente. Un clásico en toda regla, y no sólo como modernizador del popular villancico.

Listado de temas:
1. White Christmas - Darlene Love
2. Frosty The Snowman - The Ronettes
3. The Bells of St. Mary - Bob B. Soxx and The Blue Jeans
4. Santa Claus is Comin’ to Town - The Crystals
5. Sleigh Ride - The Ronettes
6. Marshmallow World - Darlene Love
7. I Saw Mommy Kissing Santa Claus - The Ronettes
8. Rudolph The Red-Nosed Reindeer - The Crystals
9. Winter Wonderland - Darlene Love
10. Parade Of The Wooden Soldiers - The Crystals
11. Christmas (Baby Please Come Home) - Darlene Love
12. Here Comes Santa Claus - Bob B. Soxx and The Blue Jeans
13. Silent Night - Phil Spector and Artists


https://play.spotify.com/album/5F0FzdQzO7yib0TRBm1qc2

28 octubre 2015

0036. Bob Dylan – The Freewheelin' Bob Dylan (1963)

0036. Bob Dylan – The Freewheelin' Bob Dylan (1963)

The Freewheelin' Bob Dylan es el segundo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1963.

A diferencia de su álbum debut, Bob Dylan, en el cual se ofrecían dos únicas composiciones originales, The Freewheelin' contiene dos versiones de temas tradicionales, "Corrina, Corrina" y "Honey, Just Allow Me One More Chance". "Blowin' in the Wind", una de las composiciones más conocidas de la carrera musical de Dylan, es el tema elegido para abrir el álbum.

The Freewheelin' Bob Dylan alcanzó el puesto #22 en las listas de Billboard, siendo certificado como disco de platino, y el primer puesto en las listas británicas al publicarse el álbum en 1965. Fue uno de los 50 álbumes seleccionados en 2002 por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para ser añadido al National Recording Registry.

Listado de temas:
1. Blowin' in the Wind
2. Girl from the North Country
3. Masters of War
4. Down the Highway
5. Bob Dylan's Blues
6. A Hard Rain's a-Gonna Fall
7. Don't Think Twice, It's All Right
8. Bob Dylan's Dream
9. Oxford Town
10. Talkin' World War III Blues
11. Corrina, Corrina (Tradicional)
12. Honey, Just Allow Me One More Chance (Dylan/Henry Thomas)
13. I Shall Be Free



21 octubre 2015

0035. The Beatles – With the Beatles (1963)

0035. The Beatles – With the Beatles (1963)

With the Beatles fue el segundo álbum de The Beatles, grabado sólo cuatro meses después de Please Please Me, su primer disco, y lanzado a fines de 1963.

El álbum presenta ocho composiciones originales (incluyendo la primera de George Harrison: "Don't Bother Me" y seis versiones, la mayoría de éxitos de R&B y de la Motown. La mayor parte de las canciones de este álbum fueron lanzadas en los Estados Unidos en un álbum llamado Meet the Beatles! el 20 de enero de 1964.

With the Beatles ya había vendido medio millón de copias por encargo antes de salir al mercado y vendió otro medio para septiembre de 1965, lo que le convirtió en el segundo álbum en vender un millón de copias en el Reino Unido (el primero había sido la banda sonora de la película South Pacific). Se mantuvo en la cima de las listas durante 21 semanas, desplazando a Please Please Me, de manera que los Beatles ocuparon el primer puesto durante 51 semanas consecutivas. Incluso llegó a alcanzar el número 11 en las listas de singles (en aquella época dichas listas también reflejaban los LPs más vendidos). La leyenda se empezaba a forjar…

Listado de temas
1. It Won't Be Long
2. All I've Got To Do
3. All My Loving
4. Don't Bother Me
5. Little Child
6. Till There Was You
7. Please Mister Postman
8. Roll Over Beethoven
9. Hold Me Tifht
10. You Really Got A Hold On Me
11. I Wanna Be Your Man
12. Devil In Her Heart
13. Not A Second Time
14. Money

14 octubre 2015

0034. Ray Price – Night Life (1962)

0034. Ray Price – Night Life (1962)

Es una pena que el paso del tiempo a veces no haga justicia con un artista, hoy en día Ray Price no es muy recordado por los fans de nuestro estilo preferido, pero hubo un tiempo en el que fué una estrella indiscutible, haya en los 50´s fué precursor de un particular Honky Tonk que ha llegado hasta nuestros días.

Nacido un 12 de Enero de 1926 en Perryville (Texas), tiene una infancia marcada por la separación de sus padres que hace que viva a caballo entre Dallas con su madre y la granja de su padre en Perryville.Después de estudiar veterinaria en Abilene se enrola en los Marines en el año 1942, donde permanece hasta el final de la contienda, para volver a Texas al terminar la guerra.Estamos en 1946 y comienza a actuar en clubes locales y Honky Tonks de Dallas, además de actuar regularmente en la emisora KRBC local, donde es
apodado Cherokee Cowboy. Su calidad la ve pronto el sello "Columbia" que lo ficha no sin antes un pequeño litigio con el competidor "Decca" que también lo quería entre sus filas.

La asociación rápidamente da sus frutos y el obtiene el primer hit en 1952 con "Talk to Your Heart" que coloca en el número 3 de las listas. Además tiene la fortuna de intimar con la leyenda Hank Williams, lo que hace que se le habran puertas hasta entonces cerradas, incluso Williams le cede canciones como "Weary Blues" además de ayudarle a entrar a formar parte del show del Grand Ole Opry. Mas aún, a la muerte de Hank Williams en 1953, Ray Price hereda la banda de la megaestrella, los Drifting Cowboys y aunque sus estilos particulares difieran enormemente, la industria y el público entiende este hecho como un testigo a recoger por parte de Ray Price para con la estrella e ídolo musical muerto.

En la introducción hablada del disco, Price describe lo que seguirá como canciones de "alegría, tristeza y corazones rotos, o sea, mucho de lo último y casi nada de lo primero. No nos dejemos engañar por los compases bailables marca de la casa. Night Life es la respuesta desde Nashville al In The Wee Small hours de Sinatra y el arquetipo del dolor de amores a la hora de partir.

Listado de temas:

1. Introduction And Theme/Night Life
2. Lonely Street
3. The Wild Side Of Life
4. Sittin’ And Thinkin’
5. The Twenty-Forth Hour
6. A Girl In The Night
7. Pride
8. There’s No Fool Like A Young Fool
9. If She Could See Me Now
10. Bright Lights And Blonde Haired Women
11. Are You Sure
12. Let Me Talk To You

07 octubre 2015

0033. Stan Getz & Charlie Byrd - Jazz Samba (1962)

0033. Stan Getz & Charlie Byrd - Jazz Samba (1962)

Considerado como uno de los más importantes tenores del jazz, fue conocido por el sobrenombre de The Sound "El Sonido" debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su versión de "La Chica de Ipanema". La primera influencia de Getz fue el ligero y suave tono de Lester Young. Este disco es el que le vuelve a colocar en la popularidad, Jazz Samba su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de Jazz en 1963 por el tema Desafinado".

Listado de temas:
1. Desafinado
2. Samba Dees Days
3. O Pato
4. Samba Triste
5. Samba de Uma Nota Só
6. E Luxo Só
7. Bahía (aka "Baía"
8. Desafinado - 45 rpm issue

20 septiembre 2015

0032. Booker T & The MG's - Green Onions (1962)

Grabación y publicación:

El tema principal, “Green Onions”, fue grabado casi por accidente en Stax Studios (Memphis, Tennessee) a mediados de 1962, como un instrumental improvisado por la banda durante una sesión para otro artista. Sorprendentemente, fue editado como sencillo y se convirtió en un éxito inmediato, alcanzando el #3 en el Billboard Hot 100 y el #1 en la lista R&B.

El álbum completo fue lanzado en octubre de 1962 por Stax Records, recogiendo varias piezas instrumentales previas de la banda, así como nuevas composiciones y versiones, todas en la línea de un soul instrumental directo, con toques de R&B y blues.


Contexto y estilo:

Booker T. & the MG’s fueron la banda de estudio de Stax Records, pieza central del llamado “Memphis Sound”. Estaban compuestos por:

  • Booker T. Jones (órgano Hammond B-3)

  • Steve Cropper (guitarra)

  • Lewie Steinberg (bajo, luego reemplazado por Donald “Duck” Dunn)

  • Al Jackson Jr. (batería)

Eran una banda interracial en un contexto de fuerte tensión racial en EE. UU., lo que añadía un carácter único e incluso subversivo a su existencia y éxito. Su sonido era minimalista pero groovy, ideal para pistas de baile, y completamente instrumental: dejaban que las melodías, los riffs y los grooves hablaran por sí mismos.


Análisis de temas destacados:

  • “Green Onions”: El tema titular es un clásico indiscutible. Con su riff hipnótico de órgano Hammond, base rítmica sólida y actitud cool, se convirtió en el arquetipo del soul instrumental. Su atmósfera es tanto funky como misteriosa, y ha sido utilizada en innumerables películas, series y anuncios.

  • “Mo’ Onions”: Variación de “Green Onions” con un enfoque aún más centrado en la improvisación y el groove. Confirma que no se trató de un golpe de suerte, sino de una fórmula deliberada.

  • “Comin’ Home Baby” y “Twist and Shout”: Versiones instrumentales que demuestran la capacidad del grupo para reinterpretar hits vocales como piezas de soul instrumental.

  • “Behave Yourself”: Más pausado y bluesero. Aquí el Hammond se vuelve más introspectivo, creando una pieza casi meditativa.


Conclusión:

Green Onions no es solo un disco de acompañamiento ni un experimento instrumental: es una declaración de estilo minimalista y elegante, un pilar del soul de los 60 y un punto de partida para toda una generación de músicos.

Booker T. & the MG’s no solo demostraron que el groove podía ser el eje de una canción sin necesidad de letra, sino que también pusieron a Stax Records en el mapa mundial, sentando las bases para futuros trabajos con artistas como Otis Redding, Sam & Dave, y Wilson Pickett.


Listado de temas:

  1. Green Onions

  2. Rinky Dink

  3. I Got a Woman

  4. Mo’ Onions

  5. Twist and Shout

  6. Behave Yourself

  7. Stranger on the Shore

  8. Lonely Avenue

  9. One Who Really Loves You

  10. You Can’t Sit Down

  11. A Woman, a Lover, a Friend

  12. Comin’ Home Baby


14 septiembre 2015

0033. Ray Charles - Modern Sounds In Country & Western Music (1962)

Grabación y publicación:

Grabado entre febrero y marzo de 1962 en los Capitol Studios (Nueva York y Los Ángeles), este álbum fue publicado por ABC-Paramount Records el 2 de abril de 1962. Fue producido por Sid Feller, quien trabajó estrechamente con Ray Charles para adaptar el repertorio country a un contexto musical completamente nuevo. El proyecto fue arriesgado: un artista afroamericano abordando un género asociado tradicionalmente con el público blanco conservador del sur estadounidense.

Ray Charles, con pleno control creativo tras firmar con ABC, rompió todas las barreras raciales y estilísticas del momento.


Contexto y estilo:

Modern Sounds in Country and Western Music es un disco radical para su época. Fusiona country tradicional con soul, jazz, pop orquestal y rhythm & blues, reconfigurando completamente la forma en la que el público percibía tanto a Ray Charles como al country en sí mismo.

En plena era de la segregación racial en EE. UU., Charles desafió tanto las normas culturales como las del negocio musical. El resultado no fue solo un éxito de ventas (alcanzó el #1 en las listas pop de Billboard), sino una obra maestra de trascendencia histórica, demostrando que la música no conoce de razas ni géneros delimitados.

El álbum se divide estilísticamente: algunos temas con arreglos sinfónicos y otros con secciones más reducidas tipo big band, lo que le da una riqueza y dinamismo poco común.


Análisis de temas destacados:

  • “I Can’t Stop Loving You”: Original de Don Gibson, esta balada se convirtió en uno de los mayores éxitos de la carrera de Ray Charles. Su interpretación conmueve por la intensidad emocional y la majestuosidad del acompañamiento orquestal. La forma en que convierte una canción country melancólica en una elegía soul es de una profundidad insólita.

  • “You Don’t Know Me”: Otro tema country transformado en un lamento introspectivo. Ray lo interpreta con un fraseo contenido, casi vulnerable, reforzado por los arreglos de cuerdas que acentúan la tensión emocional.

  • “Bye Bye Love”: Aquí Charles toma el éxito de los Everly Brothers y lo convierte en una pieza alegre con sabor a rhythm & blues, saxos swingueantes y coros que hacen palmas. Una reinvención festiva y liberadora.

  • “Just a Little Lovin’ (Will Go a Long Way)” y “Hey, Good Lookin’”: Representan el lado más dinámico del disco, con secciones de metales brillantes, ritmo bailable y el estilo característico de Ray como showman.


Conclusión:

Modern Sounds in Country and Western Music es una obra revolucionaria no solo por su calidad musical, sino por su impacto social y cultural. Ray Charles desmanteló las barreras entre géneros, entre razas y entre públicos, reivindicando la universalidad de las emociones humanas a través de la música.

Mucho más que un disco de versiones, este álbum es una reinterpretación total del cancionero country desde una perspectiva soul, creando algo completamente nuevo. Su legado perdura no solo en la música, sino en cómo entendemos la posibilidad de fusión, identidad y expresión en el arte.


Listado de temas:

  1. Bye Bye, Love

  2. You Don’t Know Me

  3. Half as Much

  4. I Love You So Much It Hurts

  5. Just a Little Lovin’

  6. Born to Lose

  7. Worried Mind

  8. It Makes No Difference Now

  9. You Win Again

  10. Careless Love

  11. I Can’t Stop Loving You

  12. Hey, Good Lookin’



07 septiembre 2015

0030. Bill Evans - Sunday at the Village Vanguard (1961)

Grabación y producción:

Grabado en vivo el 25 de junio de 1961 en el legendario Village Vanguard de Nueva York. Producido por Orrin Keepnews para Riverside Records, y cuidadosamente editado a partir de las actuaciones de ese único día.

Publicación:
Originalmente publicado en 1961, con posteriores reediciones y expansiones. El álbum funciona como complemento inseparable de Waltz for Debby, grabado en la misma sesión.

Concepto:
Sunday at the Village Vanguard es más que una grabación en vivo: es un retrato sonoro de una conexión espiritual, casi telepática, entre tres músicos que redefinieron el diálogo dentro del jazz. Fue la última actuación grabada del contrabajista Scott LaFaro, quien moriría trágicamente diez días después. Esa sombra trágica otorga al disco una carga emocional singular.

El trío formado por Bill Evans (piano), Scott LaFaro (contrabajo) y Paul Motian (batería) estableció un nuevo paradigma: ya no como solista y acompañantes, sino como tres voces interdependientes, en una conversación libre y profundamente musical.


Análisis de temas destacados:

  1. Gloria's Step (Take 2)
    Abre el disco con una composición de LaFaro. Desde el primer compás se percibe el interplay magistral entre los tres. El contrabajo marca dirección y armonía con una agilidad insólita. La pieza fluye con un naturalismo que parece improvisado por completo, aunque es de una estructura compleja.

  2. My Man's Gone Now
    Interpretación de la pieza de Porgy and Bess. Trágica y lírica, Evans despliega aquí su sentido del espacio, el susurro y el silencio, acompañado por un LaFaro que habla desde lo más profundo del instrumento.

  3. Solar
    Composición de Miles Davis. Aquí, el trío construye sobre la melodía una conversación intensa pero delicada. Paul Motian se vuelve esencial: nunca interfiere, siempre respira junto a los demás.

  4. Alice in Wonderland
    Lúdica pero introspectiva. Evans toma esta melodía infantil y la convierte en un pequeño mundo onírico, donde cada nota parece meditada pero ligera como una pluma.

  5. All of You
    Una de las versiones más estructuralmente audaces. LaFaro toma la delantera en varios momentos, rompiendo con el rol tradicional del bajo. El resultado es un ejercicio de libertad con total coherencia.

  6. Jade Visions (Take 2)
    Otra composición de LaFaro, que sirve como epílogo emocional del disco. Breve, oscura, melancólica. Suena a despedida sin saberlo.


Conclusión:

Sunday at the Village Vanguard no es simplemente uno de los mejores discos de trío en el jazz: es una lección de escucha mutua, de contención, de lirismo. Bill Evans muestra que la fuerza no siempre está en el volumen, y que la emoción más profunda puede nacer del susurro más tenue.

El álbum es además un homenaje implícito a Scott LaFaro, cuya técnica y sensibilidad cambiaron para siempre la función del contrabajo en el jazz. Su presencia es tan vital en este disco que, más que acompañante, parece una extensión emocional del piano de Evans.


Listado de temas:

  1. Gloria’s Step (Take 2)

  2. My Man’s Gone Now

  3. Solar

  4. Alice in Wonderland (Take 2)

  5. All of You (Take 2)

  6. Jade Visions (Take 2)

(En ediciones ampliadas se incluyen otras tomas y piezas como "Gloria's Step" (Take 1 y 3), "All of You" (Take 1 y 3), entre otras.)


02 agosto 2015

0345. Queen – A Night at the Opera (1975)

Sello discográfico: EMI

Producción: Roy Thomas Baker • Queen

Dirección artística: David Costa

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 42:52

Fantástico álbum de Queen con título de película de los hermanos Marx. Bajo tonalidad socarrona, suntuoso en sus arreglos vocales e instrumentales, logrado en sus melodías y bastante ecléctico en la esencia de sus composiciones, con sonidos que van desde el hardrock hasta el pop pasando por el cabaret y sus particulares remedos operísticos. La clave de su éxito recae en la sabia combinación desde una postura teatral entre elementos rockeros con la ópera y el musichall.


"Bohemian Rhapsody". Es una canción de seis minutos en la que se tocan varios estilos, desde el rock hasta la opera. Es, sin lugar a dudas, la canción más compleja de Queen. En realidad se trata de 3 canciones en una; una balada, una ópera y una parte de hard-rock. Pero lo más complicado fue la parte de ópera. Duró siete días y en cada sesión se grababa entre 10 y 12 horas. Se mezclaron 180 voces con fragmentos de guitarra, piano, bajo y batería. En definitiva, se tardó en grabar la canción completa 3 semanas. Pero el esfuerzo valió la pena, ya que el single "Bohemian Rhapsody" estuvo nueve semanas seguidas en el número uno, batiendo todos los records.

Queen hizo historia en este disco, ya que fue el primer grupo en utilizar un videoclip para promoción. El video se rodó tan solo en 4 horas y costo 4500 libras, y en él aparecen los cuatro componentes de la banda con un estilo parecido al de la portada del disco Queen II.

Listado de temas:

1.Death on Two Legs (Dedicated to...)

2.Lazing on a Sunday Afternoon

3.I'm in Love With My Car

4.You're My Best Friend

5.'39

6.Sweet Lady

7.Seaside Rendezvous

8.Prophet's Song, The

9.Love of My Life

10.Good Company

11.Bohemian Rhapsody

12.God Save the Queen

26 julio 2015

0037. Jimmy Smith - Back at the Chicken Shack (1960)

Grabación y publicación:

Aunque fue publicado en febrero de 1963 por Blue Note Records, Back at the Chicken Shack fue grabado el 25 de abril de 1960, durante la misma sesión que produjo también Midnight Special, otro álbum emblemático de Jimmy Smith. La sesión tuvo lugar en los Van Gelder Studios de Rudy Van Gelder, en Englewood Cliffs, Nueva Jersey —un santuario para el jazz moderno.

Producido por Alfred Lion, el disco captura un momento de pura alquimia entre cuatro músicos excepcionales en un ambiente distendido y libre, como sugiere el título.


Contexto y estilo:

Jimmy Smith fue el gran responsable de llevar el órgano Hammond B-3 al primer plano del jazz moderno. Su estilo combinaba swing, bebop, blues y soul con una energía y musicalidad que redefinieron el papel del instrumento, acercando el jazz al público popular sin traicionar su complejidad.

Back at the Chicken Shack se inscribe dentro del estilo conocido como soul jazz, una rama más cálida, directa y accesible del hard bop. Pero bajo esa accesibilidad se esconde una ejecución magistral: grooves profundos, improvisaciones vibrantes y una compenetración casi telepática entre los músicos.


Análisis de temas destacados:

  • “Back at the Chicken Shack”: El tema que da título al álbum es también su declaración de intenciones. Groove relajado, swing contagioso, y una melodía simple pero hipnótica. Smith domina con elegancia, dejando espacio a los demás para brillar. Es uno de los himnos indiscutibles del soul jazz.

  • “When I Grow Too Old to Dream”: Balada introspectiva donde Smith demuestra su capacidad para el lirismo y la contención, acompañado por el sutil fraseo de Stanley Turrentine al saxo tenor. Cada nota respira.

  • “Minor Chant”: Compuesta por Turrentine, es un blues modal con sabor a espiritual. Aquí el saxo lleva la batuta emocional, mientras Smith construye atmósferas densas con acordes prolongados y grooves soterrados.

  • “Messy Bessie”: El cierre perfecto. Un tema más movido, con riffs blueseros y una rítmica casi funky. Es aquí donde Donald Bailey en la batería y Kenny Burrell a la guitarra completan la fiesta rítmica con soltura y clase.


Conclusión:

Back at the Chicken Shack no solo es un clásico del soul jazz, es una puerta de entrada ideal al universo del jazz moderno para oyentes de cualquier nivel. Jimmy Smith logra lo que muy pocos: un balance perfecto entre técnica y feeling, entre virtuosismo y calidez.

Lejos de pretensiones intelectuales, este disco se escucha con el cuerpo, con los pies marcando el ritmo y la cabeza oscilando entre compases. Su vigencia no radica en la innovación radical, sino en la excelencia absoluta con la que se ejecuta una idea clara: el jazz también puede ser accesible, sabroso y profundamente humano.


Listado de temas:

  1. Back at the Chicken Shack

  2. When I Grow Too Old to Dream

  3. Minor Chant

  4. Messy Bessie


12 julio 2015

0170. Stooges - The Stooges (1969)

Publicado el 5 de agosto de 1969 por Elektra Records, The Stooges irrumpe como un puñetazo mal dado pero efectivo en la mandíbula de la contracultura hippie. En plena era de la psicodelia elegante y el idealismo flower power, Iggy Pop y su banda llegaron para escupir en la cara del buen gusto, con una música cruda, repetitiva, monolítica, primitiva y absolutamente liberadora.

Este debut, producido por John Cale (sí, el de The Velvet Underground), es uno de los discos fundacionales del punk, pero también una anomalía ruidosa e indomable que no se parece exactamente a nada que hubiera sonado antes. Suena mal. Suena urgente. Suena auténtico.


El sonido de lo salvaje

The Stooges no componían como los demás. No les interesaban los solos virtuosos, ni las armonías vocales, ni las letras poéticas. Sus canciones eran mantras sucios construidos sobre dos o tres acordes, pero cargados de electricidad, deseo y furia contenida. La voz de Iggy es un aullido existencial, un lamento sexual, un berrido adolescente. Las guitarras de Ron Asheton son puro fango distorsionado, riffs que parecen derretirse en sus propios acoples.

El resultado no es solo una obra de rock, sino una explosión de energía primitiva, un disco que no quiere gustar, sino dejar marca.


Piezas clave:

  • “1969” abre con una línea de bajo seca y un riff que no promete nada más que repetición, pero en esa repetición se encuentra la magia. “It’s another year for me and you / Another year with nothing to do.” Es la voz del tedio suburbano, del joven sin causa. Un manifiesto sin eslogan.

  • “I Wanna Be Your Dog” es el centro gravitacional del disco. Un riff que no se detiene, una campana que repica como tortura, y un Iggy que se entrega, sometido, salvaje, sexual y desarmado. Una de las canciones más icónicas de la historia del rock por su simplicidad abrasiva y su potencia carnal.

  • “We Will Fall” es la pieza más insólita del álbum: 10 minutos de drones, mantras vocales y un violín que parece flotar sobre una ceremonia pagana. Suena como si los Stooges hubieran sido poseídos por la Velvet más litúrgica. Hipnótica, perturbadora.

  • “No Fun” es otro himno del aburrimiento hecho combustible. “No fun, my babe, no fun.” Como un Chuck Berry deforme y ralentizado, arrastrado por la suciedad del garage y la rabia del desinterés.

  • “Real Cool Time”, “Ann” y “Not Right” completan el cuerpo del disco con la misma fórmula: riffs sólidos, letras mínimas, actitud excesiva. Canciones que no buscan desarrollo, sino impacto.

  • “Little Doll” cierra el álbum con un groove oscuro, casi tribal. Una especie de trance primitivo donde la banda parece fundirse en un solo cuerpo que golpea, muerde y baila.


Conclusión

The Stooges no fue un éxito en su tiempo. Pero con los años, su influencia se volvió sísmica. Aquí nació el punk, sí, pero también el noise rock, el grunge, el post-punk. Este disco es la semilla podrida que germinó en todas las ramas más sucias, honestas y viscerales del rock.

Es un álbum que no quiere convencer, solo contagiar. No ofrece consuelo: ofrece una salida, una liberación. Es feo, ruidoso, simple, y absolutamente necesario.


Listado de temas:

  1. 1969

  2. I Wanna Be Your Dog

  3. We Will Fall

  4. No Fun

  5. Real Cool Time

  6. Ann

  7. Not Right

  8. Little Doll


05 julio 2015

0628. k.d. Lang - Shadowland (1988)

Sello discográfico: Sire
Producción: Owen Bradley
Dirección artística: Jeri Heiden
Nacionalidad: Canadá
Duración: 35:54

Cathryn Dawn Lang (k.d. lang) es una cantante canadiense de pop y country ganadora de cuatro  premios Grammy, nació en Alberta, Canadá occidental, el 2 de noviembre de 1961, aunque vivió toda su niñez y su juventud en Edmonton. Hija pequeña de una familia de cuatro hermanos, k.d. lang, en minúsculas, como desea ser conocida, no descubrió su vocación musical hasta bien entrada la adolescencia.. En 1987 le propuso al consagrado, y ya por entonces enfermo, Roy Orbison cantar con él "Crying", una de las canciones más míticas del desaparecido autor. Orbison, después de muchas dudas, accedió y grabaron juntos el tema principal de la banda sonora de la película "Hiding Out". Esto fue el empujón definitivo que lang necesitaba.

Shadowland se hizo muy popular entre crítica y público. La cantante grabada otro álbum country, Absolute Torch and Twang, de 1989, antes de  convertirse en una cantante absolutamente estelar con el rompedor álbum de 1992 Ingénue.

Listado de temas:

1.Western Stars
2.Lock, Stock and Teardrops
3.Sugar Moon
4.I Wish I Didn’t Love You So
5.(Waltz Me) Once Again Around the Dance Floor
6.Black Coffee
7.Shadowland
8.Don’t Let the Stars Get in Your Eyes
9.Tears Don’t Care Who Cries Them
10.I’m Down to My Last Cigarette
11.Busy Being Blue
12.Honky Tonk Angels’ Medley

28 junio 2015

0025. Joan Baez – Joan Baez (1960)

Grabación y publicación:

Grabado en solo cuatro días en el Ballet Box de Nueva York durante el verano de 1960 y publicado por Vanguard Records ese mismo año, el debut homónimo de Joan Baez es un punto de inflexión en la historia del folk norteamericano. La producción es mínima —voz y guitarra— lo que permite que la emoción cruda y la claridad técnica de Baez sean el centro absoluto del disco.

Concepto:
Más que una colección de canciones tradicionales, Joan Baez es una proclamación ética y estética. Con apenas 19 años, Baez elige un repertorio compuesto mayoritariamente por baladas folk de origen anglosajón, escocés e irlandés, muchas transmitidas oralmente a través de generaciones. En su entrega vocal hay una mezcla única de inocencia y autoridad moral, de dulzura y firmeza. Su voz de soprano clara, pura y sin adornos es su principal arma.

El álbum también es el manifiesto de una generación que aún no había encontrado nombre, pero que pronto comenzaría a alzarse por los derechos civiles, la paz y la justicia social. Aquí se intuye esa energía en estado puro, antes de politizarse, pero ya cargada de conciencia.


Análisis de temas destacados:

  1. Silver Dagger
    El disco se abre con esta balada tradicional americana, una historia de advertencia y renuncia amorosa. Baez canta con una ternura afilada que corta como el puñal del título. Es un tema íntimo, directo, sin artificios.

  2. East Virginia
    Una joya del folk de los Apalaches. Baez transforma una melodía repetitiva en una experiencia hipnótica gracias a su voz cristalina. La tristeza se convierte en belleza sostenida.

  3. All My Trials
    De origen bahameño, esta canción de cuna espiritual se convierte en una elegía pacífica, una promesa de consuelo. Aquí se ve ya el germen del folk como vehículo de resistencia.

  4. House of the Rising Sun
    Antes de que The Animals la convirtieran en himno rock, Baez la entonó con dramatismo contenido. Su interpretación sugiere destino, pecado y resignación, sin caer en el exceso.

  5. Mary Hamilton
    Balada escocesa trágica, cantada con una frialdad casi ceremonial. Dura más de cinco minutos y nunca decae, sostenida únicamente por el fraseo perfecto y el tempo paciente de Baez.

  6. Fare Thee Well (Ten Thousand Miles)
    Pura melancolía medieval. Aquí se manifiesta la influencia del canto antiguo inglés, donde la separación se vuelve eterna y serena a la vez. Su voz es casi un rezo.

  7. El Preso Número Nueve
    Un detalle especial: Baez interpreta esta canción tradicional mexicana en español con una dicción clara y un respeto evidente por el contenido trágico del relato. Marca ya su tendencia al internacionalismo musical.


Conclusión:

Joan Baez no es solo un debut sobresaliente: es el nacimiento de una voz moral y artística que marcaría toda una época. Su sonido es sencillo, pero su carga simbólica es profunda. Este disco demuestra que no se necesita una gran producción para emocionar profundamente, solo una convicción férrea y una entrega honesta.

En el mismo 1960 donde el rock & roll dominaba las radios, Joan Baez emerge como un contrapunto austero y esencial: voz, guitarra, historia y convicción. Es el folk en su forma más pura, antes del Dylan eléctrico, antes del flower power: casi una liturgia acústica.


Listado de temas:

  1. Silver Dagger

  2. East Virginia

  3. Fare Thee Well

  4. House of the Rising Sun

  5. All My Trials

  6. Wildwood Flower

  7. Donna Donna

  8. John Riley

  9. Rake and Rambling Boy

  10. Little Moses

  11. Mary Hamilton

  12. Henry Martin

  13. El Preso Número Nueve


21 junio 2015

Alphas

Alphas tiene cierto aire a CSI y explota el  dilema entre humanos con poderes y humanos sin poderes.

Argumento: Un grupo con poderes llamados Alphas (al servicio del estado) intenta descubrir a nuevos Alphas para controlarlos, identificarlos y reclutarlos. En paralelo surge una organización, Red Flag, que intenta reclutar a dichos Alphas con fines presuntamente delictivos.

La serie tiene dos temporadas y en la segunda temporada baja notablemente el nivel al incorporar como trama principal a los Red Flag por lo que fue cancelada.

Serie para los amantes de la ciencia ficción y de los superhéroes. 

Ficha en Filmaffinity

14 junio 2015

0024. Dave Brubeck Quartet – Time Out (1959)

Grabación:

Realizado en tres sesiones: 25 de junio, 1 de julio y 18 de agosto de 1959.

Publicación:
1959, por Columbia Records.

Concepto:
Time Out fue concebido como un experimento rítmico, explorando compases poco comunes en el jazz tradicional. En su momento, esta audacia estilística generó críticas negativas, aunque con el tiempo se transformó en uno de los álbumes más emblemáticos e influyentes del género.


Análisis de temas destacados:

  1. Blue Rondo à la Turk
    Inspirado en ritmos turcos y con guiños a la Marcha Alla Turca de Mozart, abre el disco con una mezcla de clásico y jazz, en un tema tanto blusero como experimental.

  2. Strange Meadow Lark
    Una balada con ritmo de vals. Destaca el solo cálido del saxofonista Paul Desmond, sumamente elegante.

  3. Take Five
    Compuesta por Desmond, es quizás la pieza más reconocida del álbum y del jazz moderno. Su compás de 5/4 y el inolvidable solo del baterista Joe Morello la convierten en una obra atemporal.

  4. Three to Get Ready
    Juega con compases alternos de 3/4 y 4/4. Brubeck despliega aquí su imaginario musical clásico, en una pieza sofisticada pero accesible.

  5. Kathy’s Waltz
    Melódicamente cercana a la anterior, aunque con una personalidad propia. Dulce y encantadora, nunca debe subestimarse.

  6. Everybody’s Jumpin’
    Regresa el swing exuberante, donde cada integrante del cuarteto brilla con soltura.

  7. Pick Up Sticks
    Cierra el álbum con una atmósfera relajada. El contrabajo de Eugene Wright destaca por su groove suave y elegante.


Conclusión:

Time Out no solo desafió las convenciones del jazz con su uso de métricas inusuales, sino que las hizo populares. El álbum es un hito por su innovación rítmica, su calidad interpretativa y su capacidad para mantener el interés melódico pese a su complejidad técnica.




07 junio 2015

0023. Marty Robbins – Gunfighter Ballads & Trail Songs (1959)

Grabación:

Realizado el 7 de abril de 1959 en una sola sesión maratónica en los estudios de Columbia en Nashville.

Publicación:
1959, por Columbia Records.

Concepto:
Este álbum se erige como una colección de baladas del oeste, profundamente enraizadas en la tradición del country western y el folk narrativo estadounidense. Con su distintivo estilo vocal y una capacidad innata para contar historias, Marty Robbins da forma a un disco que se ha convertido en emblema del western musical.


Análisis de temas destacados:

  1. Big Iron
    Abre el disco con un relato tenso y cinematográfico sobre un ranger solitario enfrentando a un forajido. La narrativa es clara, visual y llena de dramatismo, sostenida por una melodía inolvidable. Un clásico absoluto.

  2. Cool Water
    Un canto a la desesperación en el desierto, donde la voz de Robbins se une en armonía con los coros para transmitir el agotamiento y la esperanza de los viajeros sedientos.

  3. Billy the Kid
    Una reconstrucción romántica del mítico forajido. La canción equilibra mito y melancolía, con un tono casi compasivo hacia el joven criminal.

  4. A Hundred and Sixty Acres
    Más ligera en tono, retrata el sueño del colono que trabaja la tierra. Una muestra del rango temático del álbum, no solo centrado en pistolas y violencia, sino también en la vida del hombre común.

  5. They’re Hanging Me Tonight
    Aquí emerge el tono más oscuro del disco. Un canto desde la voz del condenado, con una carga emocional profunda. Robbins brilla en la interpretación introspectiva, dramática y resignada.

  6. El Paso
    Sin duda, la pieza central del álbum. Una narración en primera persona sobre un crimen pasional, con una instrumentación que mezcla bolero y western. Sus más de cuatro minutos fueron revolucionarios para la radio de la época. Ganadora del Grammy y una de las baladas narrativas más influyentes del country.

  7. Running Gun
    Rápida y directa, con ecos a Big Iron, trata sobre un pistolero que huye de su destino inevitable. Otro ejemplo de la capacidad de Robbins para construir personajes complejos en apenas unos versos.

  8. Strawberry Roan
    Basada en una famosa balada cowboy tradicional. Deja ver el gusto de Robbins por el folclore del oeste, en una pieza más liviana y humorística.


Conclusión:

Gunfighter Ballads & Trail Songs es una obra maestra del western musical, donde la voz de Marty Robbins y su precisión narrativa elevan cada canción a pequeñas películas cantadas. El álbum no solo ayudó a popularizar el género, sino que consolidó a Robbins como un cuentacuentos excepcional, dotado de sensibilidad, carisma y un dominio vocal impresionante.


Listado de temas:

  1. Big Iron

  2. Cool Water

  3. Billy the Kid

  4. A Hundred and Sixty Acres

  5. They’re Hanging Me Tonight

  6. The Strawberry Roan

  7. El Paso

  8. In the Valley

  9. The Master’s Call

  10. Running Gun

  11. Down in the Little Green Valley

  12. Utah Carol


28 mayo 2015

Abducidos (Taken)

Abducidos es una serie del año 2002. La serie mezcla la historia de tres familias durante tres generaciones con el del fenómeno OVNI. 

Imprescindible para los amantes del fenómenos y en general de todo lo misterioso. 

La serie tiene diez capítulos de 80 minutos que se hacen un poco pesados. Lo peor son los efectos especiales, bastante flojos. Además tiene una muy buena banda sonora Banda Sonora. Está protagonizada por Dakota Fanning (muy niña).

Os dejo la ficha de Filmaffinity

Título original
Taken (TV)aka 
Año
2002
Duración
877 min.
País
 Estados Unidos
Director
Breck EisnerFélix Enríquez AlcaláJohn FawcettTobe HooperJeremy Kagan,Michael KatlemanSergio Mimica-GezzanBryan SpicerJeff WoolnoughThomas J. Wright
Guión
Leslie Bohem
Música
Laura Karpman
Fotografía
Jonathan Freeman, Joel Ransom
Reparto
Dakota FanningJulie BenzEric CloseJoel GretschSteve BurtonCatherine Dent,Jason Gray-StanfordJohn HawkesTina HolmesMichael Moriarty
Productora
DreamWorks Television
Género
Ciencia ficciónDrama | ExtraterrestresMiniserie de TV
Sinopsis
Serie de TV de 10 episodios (2002) que narra las extraordinarias historias de abducción vividas por tres familias a lo largo de cuatro generaciones. Desde la Alemania de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), pasando por la Guerra de Vietnam, y llegando hasta nuestros días, este drama explora lo que sabemos acerca de encuentros con extraterrestres durante un periodo de cincuenta años. (FILMAFFINITY)
Premios
2003: Emmy: Mejor Miniserie. 6 nominaciones, incluyendo mejores efectos visuales
2002: Globos de oro: Nominada Mejor miniserie o película para TV

17 mayo 2015

Grandes momentos de Star Wars (II)

La escena del Darth Sidious y Anakin Skywalker

Los fans buscan algunas teorías intentando conectar todos los puntos. En la escena, Palpatine habla con Anakin Skywalker, y esta parte de la historia es clave, ya que es cuando finalmente Anakin cae en el lado oscuro. Todo fue muy rápido: Palpatine se enfrenta a Mace Windu. 

Palpatine reconoce ser Darth Sidious, y al final, Anakin Skywalker es rebautizado como Darth Vader. A raíz de esta escena, se barajó la posibilidad de que Palpatine fuera el padre de Anakin, y por tanto, el abuelo de Luke y Leia.

10 mayo 2015

One World Observatory

El esperado mirador One World Observatory, situado entre los niveles 100 y 102 del One World Trade Center de Nueva York abrirá sus puertas al público el 29 de mayo de 2015.

La nueva atracción turística ofrecerá las mejores panorámicas de la Gran Manzana desde el edificio más alto del hemisferio occidental (542 metros de altura o 1.776 pies, en referencia al año de la declaración de independencia de Estados Unidos). El observatorio incorpora las nuevas tecnologías disponibles como una visita interactiva ofrece imágenes de alta definición en tiempo real de las calles del Bajo Manhattan. 

Ya se pueden comprar entradas para subir al Observatorio a un precio de 32 dólares. Los familiares de las víctimas de los atentados y los trabajadores que participaron en las tareas de rescate podrán acceder siempre de forma gratuita.


 

03 mayo 2015

0022. Miles Davis – Kind of Blue (1959)

Grabación:

Grabado en dos sesiones: el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959 en los Columbia 30th Street Studio de Nueva York.

Publicación:
17 de agosto de 1959, bajo el sello Columbia Records.

Concepto:
Kind of Blue es mucho más que un álbum de jazz: es una declaración de principios. Miles Davis, junto a un sexteto irrepetible, se adentra en el terreno del jazz modal, abandonando las complejas estructuras armónicas del bebop para abrir espacio a la improvisación libre sobre modos o escalas. El resultado es un disco minimalista, elegante, introspectivo y atemporal.

Considerado por muchos como el disco de jazz más importante de todos los tiempos, Kind of Blue es un hito que cambió para siempre el curso del género.


Análisis de temas destacados:

  1. So What
    El álbum comienza con una introducción casi espectral de bajo y piano, cortesía de Paul Chambers y Bill Evans, que desemboca en un tema icónico. La estructura de dos acordes y su enfoque modal dan libertad a los solos de Davis, Cannonball Adderley y John Coltrane, quienes conversan con total naturalidad y fluidez. Un manifiesto del jazz moderno.

  2. Freddie Freeloader
    Único tema del disco donde toca el pianista Wynton Kelly, aporta un groove más bluesero. La interacción del grupo es cálida y distendida, pero no menos sofisticada. Es un homenaje a un conserje del club que solía dejar entrar a los músicos sin pagar.

  3. Blue in Green
    Composición atribuida oficialmente a Davis, aunque con fuerte contribución de Bill Evans. Es melancólica, introspectiva y casi etérea. Una pieza delicada donde Evans y Davis brillan con sutileza, como si el tiempo se detuviera.

  4. All Blues
    Un blues en compás de 6/8, pero trabajado con una delicadeza inusual. Davis toca con una trompeta con sordina, creando un efecto íntimo. El tema respira espacio, swing y maestría compositiva.

  5. Flamenco Sketches
    Cierra el disco con una estructura inusual: cinco modos distintos para improvisar, sin un orden fijo ni duración establecida. Cada solista explora con libertad, generando una sensación de contemplación profunda. Es un final abierto, espiritual, como si el álbum se disolviera lentamente en el aire.


Conclusión:

Kind of Blue es una obra que trasciende géneros. Su influencia es incalculable: desde el jazz hasta el rock, la música clásica contemporánea y el ambient. Cada escucha revela algo nuevo. Con este disco, Miles Davis no solo reinventó su propio lenguaje, sino que abrió una nueva vía para la música moderna: menos rígida, más expresiva y libre.

No es solo un disco fundamental del jazz, es una piedra angular de la música del siglo XX.


Listado de temas:

  1. So What

  2. Freddie Freeloader

  3. Blue in Green

  4. All Blues

  5. Flamenco Sketches


Dicen que en la variedad está el gusto. Desde aqui espero hablaros de todo, actualidad, música, cine,etc. Una ventana abierta al mundo.